美國電影城市攝影後期

❶ 試分析美國電影各發展階段的特點

一、起源

有記錄的第二張捕捉並再現運動的照片記錄為埃德沃德·邁布里奇在加利福尼亞的帕羅奧多拍攝的一組奔馬照片。在拍攝時，他將一組靜止的照相機擺於一排。他的成就促使各地的發明家開始嘗試製作類似功能的裝置，以捕捉此類運動。

在美國，托馬斯·阿爾瓦·愛迪生就是最早開始製作這類裝置的人之一，他製成了活動電影放映機，但由於該裝置的專利實施很嚴格，致使早期的電影製作人只能尋找替代品。

在美國，最初只是在輕歌劇的間歇為許多觀眾放映電影。企業家的各種電影展示活動，促使了戲劇性電影製作的首次世界范圍性的嘗試。

在美國電影業發展的早期，紐約是電影製作的中心。位於皇後區的考夫曼·阿斯托里亞製片廠（Kaufman Astoria Studios）創建於無聲電影時期，那時馬克思兄弟和費爾茲（W. C. Fields）在那裡工作。

此外，曼哈頓的切爾西也是電影製片的主要場所。奧斯卡最佳女主角瑪麗·畢克馥的很多早期電影也是在這個地區拍攝的。但是，因一年四季的宜人氣候，好萊塢成為電影拍攝的更佳選擇。

二、好萊塢的崛起

在1910年初，美國電影放映機與傳記公司（American Mutoscope and Biograph Company）派導演大衛·格里菲斯帶著他的演員團隊到西海岸去拍攝電影，演員包括巴蘭徹·斯威特（Blanche Sweet）、呂倫居殊、瑪麗·碧克馥、萊昂納爾·巴里摩爾等。

他們在洛杉磯市中心喬治亞街附近的一個空曠外景地開始了拍攝。當時，公司又決定開發新地區。於是他們又向北前進了幾英里，到達好萊塢。當時還是小村莊的好萊塢，非常願意讓電影公司在那裡拍電影。

之後，格里菲斯完成了在好萊塢拍攝的第一部電影。這部電影叫做《在古老的加利福尼亞》（In Old California），是一部傳記式情節劇，描述18世紀初的加利福尼亞，當時還隸屬於墨西哥。美國電影放映機與傳記公司的人員在好萊塢呆了數月，又繼續拍攝了幾部電影，才返回紐約。

當時是1913年，在聽說了該公司在好萊塢取得的成功後，很多電影製作公司也紛紛向西挺進，以避免托馬斯·愛迪生的電影製作工藝的專利費。在加利福尼亞的洛杉磯，電影公司和好萊塢同步發展起來。第一次世界大戰前，電影僅能在幾個美國的城市完成。

但隨著電影業的發展，電影製作公司被吸引到加利福尼亞南部，因為那裡氣候溫和、陽光明媚，一年四季都可在戶外拍攝，那裡還有各種各樣的布景。雖然電影（特別是美國電影）的起始點眾說紛紜，但是格里菲斯於1915年拍攝的史詩電影《一個國家的誕生》，成為全世界第一個電影詞彙，至今仍在膠片史上占據重要地位。

在20世紀早期，當媒體還是新事物的時候，很多猶太移民在美國電影業中找到了工作，並留下了自己的足跡：在臨街的五分錢劇院（Nickelodeon）中放映電影短片（劇院取此名是因為當時的門票價格為五分錢）。

一些年後，其中有抱負的電影人，如塞繆爾·戈爾德溫、威廉·福克斯、卡爾·拉姆勒、阿道夫·朱克爾（Adolph Zukor）、路易斯·B·邁爾（Louis B. Mayer）和華納兄弟（即哈利、亞伯特和傑克）紛紛轉到電影製作上，很快就成為了新型企業，即電影公司的巨頭。

（當時還有一位身兼女導演、也是製作人和電影公司巨頭的人物愛麗絲·蓋·布蘭琪（Alice Guy-Blaché））他們為電影業的國際化奠定基礎；不過美國電影業常被指責為以美國為中心的偏狹觀念。

一戰後，一些歐洲導演恩斯特·劉別謙、阿爾弗雷德·希區柯克、弗里茨·朗、讓·雷諾阿，以及演員魯道夫·范倫鐵諾、瑪蓮娜·迪特里茜、羅納德·考爾曼和查爾斯·鮑育（Charles Boyer）等電影人紛紛來到美國。

他們加入了一個演員的自我發掘時代——在有聲電影誕生後，紐約城劇院的演員紛紛加盟了這個20世紀最受矚目的發展行業。20世紀40年代中期，電影行業達到高峰期——美國影院每年上映約400部電影，每周有近9000萬美國民眾前去影院觀看。

「威廉·海斯拯救美國電影業」，出自美國漫畫家賽勒斯·亨格福德（Cy Hungerford），1922年

20世紀20年代後期，有聲電影在好萊塢逐漸升起。1927年，首部有聲電影《爵士歌手》使用維他風唱片機，同年5月，西方電氣公司旗下分部電器研究產品有限責任公司（簡稱ERPI）在電影配音方面獲得壟斷權。

有聲電影一方面的影響就是許多無聲電影演員接不到工作，因為他們多數人的嗓音糟糕或是記不住台詞。1922年，美國政客威廉·哈里森·海斯（Will H. Hays）離開政壇，組建了前身為電影製作室組織的美國電影製片發行商協會（MPDAA），該協會在其退休後改為美國電影協會。

有聲電影的發展早期，美國的電影製片廠發現他們的有聲作品不為非英語國家的電影市場所接受，甚至在其他的英語國家中也遭到冷遇，原因是那時的同步配音技術仍相當不成熟。解決辦法之一是製作與之對應的外文版好萊塢電影。

1930年左右，美國公司在法國橋連城建立了一家電影製片廠。多個不同的電影攝制組在那裡分時工作，他們使用相同場地，穿著相同服裝，甚至絕大部分的場景也是相同的。國外的失業演員、劇作家、選秀比賽中的優勝者經過篩選後被派往好萊塢去拍攝好萊塢英語電影對應的非英語版電影。

這些版本的電影的拍攝預算不高，由二流的只會講英語的美國導演執導，通常在晚上拍攝。西班牙語攝制組中包括了路易斯·布努埃爾，恩里克·嘉蒂耳·彭塞拉（Enrique Jardiel Poncela），莎維爾·庫加（Xavier Cugat）和埃德加·內維列（Edgar Neville）等人。

一些外文版的好萊塢電影絕對可以和它們的原聲版相媲美，西班牙文版的《驚情四百年》就是其中一。到了20世紀30年代中期，同步配音技術已經發展得相當成熟了，外文配音就變得很尋常了。

三、好萊塢的黃金時代

所謂好萊塢「黃金時代」，是指從1920年代末，即無聲電影時代末期，至1950年代末這段時間。成千上萬部電影在此期間產生。其開始標志是1927年出品《爵士歌手》，其中音效的使用不僅結束了無聲電影時代，同時也增加票房收入。

不管是西部片、鬧劇、音樂劇、動畫片還是傳記片，好萊塢影片幾乎都遵循一個模式——每個電影公司出品的電影，都有自己特定製片團隊。

例如，塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）和赫伯特·史托哈特（Herbert Stothart）效力於米高梅電影公司，艾佛瑞·紐曼在二十世紀福克斯電影公司工作了20年，賽西爾·德米爾的電影大多由派拉蒙電影公司製作，而導演亨利·金（Henry King）的電影則大多由福克斯出品。

同時，人們根據影片中的演員陣容就可以大致猜出該部電影的出品公司，米高梅聲稱「旗下的電影明星比天堂里的還要多」。每個電影公司的電影題材和獨特風格也使得人們猜到每部電影的出品公司——這一現象在今已不復存在。但是每部電影都與其他電影有著些許區別。

不像汽車製造者，拍攝電影的人都是一些藝術家。譬如，1944年的電影《逃亡》（To Have and Have Not）之所以出名，並不僅僅是因為男一號的扮演者亨弗萊·鮑嘉和勞倫·巴爾考，而且是因為這部電影的劇本出自兩位諾貝爾文學獎作家：電影原著小說作者海明威和該劇本改編者威廉·福克納。

在整個1930年代以及黃金時代的大部分時間里，米高梅主宰著電影市場，並擁有大量好萊塢超級明星。同時，米高梅也因創造了好萊塢明星制而備受好評。

米高梅的明星包括「好萊塢之王」克拉克·蓋博、萊昂內爾·巴里莫爾、珍·哈露、諾瑪·舒利亞、葛麗泰·嘉寶、珍妮特·麥克唐納（Jeanette MacDonald）及其丈夫金·雷蒙德（Gene Raymond）、斯賓塞·屈賽、朱迪·加蘭以及金·凱利。

在這一時期美國電影業取得的另一個偉大成就是華特迪士尼公司。1937年，迪士尼製作了當時最成功的電影，《白雪公主與七個小矮人》。1939年，米高梅創作了歷史上最成功的電影——《亂世佳人》，盡管在大蕭條時期，這部電影仍然是史上票房最高的。

很多電影歷史學家對這一電影高產時期創作出的許多偉大電影作品都做出了評價。其中一個原因可能是：製作了這么多部電影，並不是每一部都必須成為熱門。

電影廠可以在一部有著優秀劇本與相對不是那麼出名的演員的中等預算故事片身上冒險：而由奧森·威爾斯導演的《公民凱恩》符合以上描述，它也被視為史上最偉大的電影。另一些情況下，像霍華·霍克斯、希區柯克及法蘭克·卡普拉等堅定的導演們為了達到他們的藝術理念，而與片廠進行「斗爭」。

1939年是片廠制度的鼎盛時期，有很多經典電影在這一年發行，如：《綠野仙蹤》、《亂世佳人》、《驛馬車》、《史密斯先生上美京》、《呼嘯山莊》、《天使之翼》、《異國鴛鴦》與《午夜》等。

黃金時代以來的電影中，現在被譽為經典的有：《卡薩布蘭卡》、《風雲人物》、《一夜風流》、原版《金剛》、《叛艦喋血案》（Mutiny on the Bounty）、《城市之光》、《紅河》與《大禮帽》等。

四、片廠制度的沒落

「小三」(環球影城，美國藝術家和哥倫比亞影業)沒有自己的劇院，拒絕分享同意裁判書。許多獨立製片人也對折衷和形成一個眾所周知的獨立運作電影製片人的體系，控告派拉蒙壟斷底特律劇院不滿意-因為派拉蒙通過控制演員，像鮑勃霍普，波萊特戈達德，維朗妮卡湖，貝蒂赫頓；

經紀人透露賓克羅斯比，艾倫拉德和長期為加里庫珀工作室工作的長期演員-自1942年開始。在二戰期間，五大電影公司沒有達到同意裁判書的要求，沒有發生重大後果。但是二戰結束後，在好萊塢反壟斷案中，他們作為被告加入了派拉蒙。

最高法院最終裁決主要製片廠電影院的所有權和影片發行是違反謝爾曼反托拉斯法。結果，工作室開始釋放演員和技術人員通過與他們的合同。好萊塢主要的工作室改變了電影的模式，因為每個工作室都挺有一個完全不同的演員陣容和創新團隊。

這導致了逐漸失去特色，米高梅電影製片公司、派拉蒙公司、宇宙公司，哥倫比亞公司，RKO公司和福克斯電影公司很快認識到這一點。

但是某些電影人，例如塞西爾B德米爾公司同演員的合同也是到他們職業生涯的最後或者電影使用相同的創意團隊，以至於德米勒電影無論是1932年製造還是1956年製造看起來仍然像是一個模式。並且每年電影製作的數量隨著平均預算猛增而下降，在行業策略上標志一個重大變化。

現在工作室目的在於生產娛樂，而這種娛樂是電視無法提供的： 壯觀的，有英雄色彩的影片。工作室還開始出售部分電影膠片庫給其他公司去銷售電視。到1949年，所有大型電影製片廠放棄了他們劇院的所有權。

電視也有助於好萊塢黃金時代的下降，因為它打破了電影業在美國娛樂界的霸權地位。盡管電影業在19世紀50年代隨著長期政府檢查制度淡化，在未來電影中能夠獲得一些影響力。在派拉蒙反壟斷案結束後，好萊塢電影製片廠不再擁有電影院，因此致使美國影片能夠在美國電影院不需要審查制度。

這補充了1952年奇跡在斯泰因公司同約瑟夫威爾遜事件的決定。 美國最高法院改變了其早期的立場。從1915年的相互電影公司同俄亥俄州案工業委員會的案件中，陳述了電影是藝術的形式，有權保護第一修正案；美國法律不再審查電影。

到1968年，美國電影協會（MPAA）代替了海斯法典-在政府威脅檢查後，其現在極大侵犯了美國電影協會，證明准則的起源已經同電影分級制度一起結束了。

五、新好萊塢和後經典電影

後經典電影這詞用來形容新好萊塢變化的故事敘述方式。人們認為新的劇本與塑造人物的新方式利用觀眾在經典時期培養起的期望：打亂的年份，以結局出人意料為特色的故事情節，主角與反派間模糊的台詞。

後經典故事敘述的本質展現在黑色電影中，如1955年《無因的反抗》，以及希區柯克情節支離破碎的《驚魂記》。

「新好萊塢」一詞用來描述新一代電影學院培養的導演的崛起。他們掌握了六十年代歐洲發展起來的技巧。1967年電影《邦尼和克萊德》標志著美國電影重振的開端，也意味著此後新一代電影，在票房上能夠取得成功。

好萊塢一直堅守製片人中心制的原則，新好萊塢獨立製片的出現，開創了導演和製片人融合的趨勢，形成導演資本制。

同時擔任電影製片人和導演的法蘭西斯·福特·柯波拉、佐治·盧卡斯、布萊恩·德·帕爾瑪、馬田·史高西斯、威廉·弗萊德金、史蒂芬·斯皮爾伯格開始拍攝向電影歷史致敬的影片，並發展了現有的電影體裁與技巧。七十年代早期，他們的電影不僅受到好評，還取得票房成功。

早期的新好萊塢電影，例如邦尼與克萊德，逍遙騎士是成本較低的影片，沒有道德上的英雄而是增加了性和暴力，然而，哥普拉，斯皮爾伯格與盧卡斯各自憑借《教父》，《大白鯊》以及《星際大戰》取得了巨大成功，這有助於現代大片的產生，也吸引製片廠更加關注製作更多大片。

這些年輕導演的更多投入並沒有帶來好處。通常，他們把時間表排的太滿，預算超支，因此導致自己或攝影棚破產。最有名的兩個例子是科波拉的《舊愛新歡》，最典型的是邁克爾·西米諾的《天堂之門》，單是這部影片就使美國聯藝電影公司破產。

Sir Alfred Hitchcock，（1899年8月13日－1980年4月29日）原籍英國，是一位聞名世界的電影導演，尤其擅長於拍攝驚悚懸疑片。

這位世界所公認的恐怖大師，事實上也是由他發明了「驚悚文藝類影片」（the thriller genre）這一電影類型。阿佛萊德·希區柯克同時也是個優秀的技師，熟練的把性感、懸疑、幽默都融合在一部電影里。

(1)美國電影城市攝影後期擴展閱讀：

今日好萊塢

一、運作特色

好萊塢電影常會有透過片廠（電影發行商）與製作人簽約合作的方式，分別讓片商負責販售的通路，而製作人則專注於電影本身，出產行銷全球的大型製作影片。

二、敘事美學

在好萊塢影片的劇情鋪陳，少有文化或語言的障礙，其主題多是可跨文化傳播的高概念電影，這樣的作品因為主題符合主流市場，故全球都容易推銷。因此現在好萊塢也成為世界許多地方電影的代名詞。

雖然此類電影票房好、跨文化，但也有文化評論者批判若獨尊高概念電影，會造成電影敘事風格如出一轍，了無新意，「是一種商業化和專斷化，最終將導致多樣化的消失。面對這樣的全球霸權，負責任的電影人和批評家應該讓眼光超越好萊塢，建設多元的電影模式」。

三、產業規模

美國因為電影相關的文化產業，造就了許多的工作機會與龐大的商機。據美國電影協會報告指出，2011年美國電影業造就的就業總數超過220萬人，其中約有70萬名為直接的電影行業從業人員，另外150萬名為間接受雇支援電影製作工作的各種人員，2012年美國電影業收入為107億美元。

❷ 美國比較優秀的影視院校有哪些

1、加州藝術學院

加州藝術學院，位於美國加利福尼亞舊金山灣區。在US NEWS 2016年美國設計院校排名中位於第6位。由藝術家和設計師 弗雷德里克·梅爾（Frederick Meyer）於1907年所建立，至今已有110多年的悠久歷史。

2、哥倫比亞大學

哥倫比亞大學（Columbia University），正式名稱為紐約市哥倫比亞大學（Columbia University in the City of New York），簡稱為哥大，是一所位於美國紐約曼哈頓的世界頂級私立研究型大學，為美國大學協會的十四所創始院校之一，常春藤盟校之一。

3、南加利福尼亞大學

南加利福尼亞大學（University of Southern California），又譯南加州大學，簡稱南加大（USC），是美國西海岸最古老的頂尖私立研究型大學，位於美國洛杉磯市，1880年由監理會創立，是美國大學協會和環太平洋大學聯盟成員。

4、紐約大學

紐約大學（New York University）簡稱NYU，是一所位於紐約州的世界頂尖私立研究型大學，成立於1831年，由18個學院和研究所組成，是全美辦學規模最大的私立名校之一，同時還在中國和阿聯酋建有上海紐約大學和紐約大學阿布扎比分校。

5、佛羅里達州立大學

佛羅里達州立大學（Florida State University）創校於1851年，它是一所公立研究型的高等學府，它位於美國佛羅里達州首府塔拉哈希（Tallahassee），並為佛羅里達州公立大學Florida State University體系中的一員，是美國最具活力的高等教育機構之一。

❸ 美國的電影之城叫什麼

好萊塢(Hollywood)，位於美國加利福尼亞州洛杉磯市的西北部。作為美國電影電視工業的中心。這是一個同巨大的財富和夢幻聯系在一起的地方。 好萊塢最初只是一片小村莊。20世紀初，美國電影製作中心由紐約逐漸移向陽光明媚的西海岸。1913年西席·地密爾在好萊塢大規模的拍攝活動和派拉蒙公司建成的第一個名副其實的攝影棚，標志著電影城好萊塢的誕生。隨後，好萊塢迅速成長為美國和世界電影製片業的中心，它不再僅僅是一個地名，而成為美國電影工業體系的代名詞。這一工業體系的發展是建立在大製片廠制和明星制基礎上的。大製片廠製作為好萊塢電影獨特的製作方式，其特點是：發展大而全的壟斷性企業，例如米高梅、派拉蒙、華納兄弟、20世紀福克斯等八大公司就大多是集製片、發行和放映於一體的大型壟斷企業；製片廠內部分工精細，強調集體合作，消解個人作用；實行製片人專權制；突出演員作用，這便形成了所謂的明星制。明星制是製片廠為保證高額票房收入而創制的，對明星而言則意味著名利雙收和長期被固定於某一類型的角色中。 直到40年代，好萊塢一直保持著世界最大的電影夢幻基地的地位。第二次世界大戰後好萊塢開始衰落，電視的興起和反壟斷法的實施導致了大製片廠制度的解體。好萊塢在衰退中，順應時代潮流發展了電視製作。60年代末70年代初，好萊塢電影業開始復興。從80年代中期直到今天，美國電影業又以其巨額的投資和高科技手段的運用，使好萊塢重又恢復了世界影業霸主的地位。

❹ 美國大片中的特效是怎樣製作的

電子動畫學
Animatronics Animatronics是Animation和Electronics的合成詞，是利用電氣、電子控制等手段製作電影需要的動物、怪物、機器人等的技術。一句話就是製作機器人演員的技術。 「星球大戰」中的R2D2，「侏羅紀公園」中的恐龍，「勇敢者的游戲」中的獅子和蜘蛛，都是用Animatronics製作的演員。在Animatronics領域中，最有權威的人士當數費爾·提貝，他在電影「侏羅紀公園」和「星艦騎兵」中擔任過電子動畫效果監督。 目前Animatronics在Motion Capture(運動捕捉)領域里也在躍躍欲試。要用電腦圖形非常自然地表現人體不可能表現出來的形態，靠Key-Frame Animation（關鍵幀動畫）是不容易得到自然移動的效果的。結果就要靠機器人演員來做需要的動作，然後在電腦里利用機器人演員的數據製作出很自然的動作。如果想想Stan Winston製作的 Mouse Hunter就容易理解了。
計算機圖形
Computer Graphics 從1977年製作的電影「星球大戰」開始，Computer Graphics在電影中占的比例越來越大。如今電腦特技技術有了相當的發展。盧卡斯原以為因電腦特技技術的落後，他所策劃的9部「星球大戰」系列電影不可能在有生之年完成了。但是如今電腦和CG技術取得了飛躍性的發展，電腦特技能表現的領域也越來越廣闊，「星球大戰」系列電影也可以全部完成了。 電影中的巨大水柱和恐龍等都是利用CG進行再創造的形象。如今通過這種影像，人們可以感受到Computer Graphics技術離我們如此之近，在這些創作中，製作「螞蟻」的PDI公司和製作「玩具總動員」、「昆蟲總動員」等影片的Pixar公司都是不斷開發利用新技術、開拓CG應用領域的先鋒。
[編輯本段]影像合成
Compositing 這是影視劇特殊效果製作中占最大比例的部分。影視劇中的2D效果基本使用Dissowe或Wipe.Pan以及Matte Painting等合成影像。這對形象的自然表現非常重要。 過去用傳統的光學方式進行影像合成，合成的影像越多，畫面質量越差。為了克服畫面質量下降，ILM用了Vista Vision攝像機。而如今因數字技術的應用，影像合成質量和特殊效果等都使電影的表現力得到很大的提高。「阿甘正傳」中跟總統握手的場面是展示數字合成技術無限應用潛力的最好的例子。

Miniature 把不可能實際拍攝到的布景、建築物、城市景觀、宇宙飛船等做成微縮模型的叫做Miniature。Miniature是電影史上使用歷史很長的傳統特殊效果。這種特殊效果將來也會在影視劇中繼續使用。 理論上可以用CG來代替Miniature，但是，現在CG比模型攝影質量和真實感都差，比例和細節部分都不夠理想。因此電影製作中還是把Miniature作為首選。只有用Miniature無法拍攝到的場面才用CG製作。因此CG的利用還是有限的。舉個例子， 影片Lost in Space沒有用Miniature 攝影，而把大部分場面用CG來表現。因此影片的真實感和深度感都很差，看電影的感覺就像玩電子游戲時的感覺一樣。 因此，目前業內人士不贊成使用CG模特。簡單舉個例子，電影中所有有關紐約市的Miniature都是由Hunter Gratzner來製作的。而如果用CG來表現紐約市的話，如何管理那麼多的數據量,對CG工作者們來說還是難題。
爆破效果
Pyrotechnic 爆破效果是利用化工技術表現出的效果，在特殊效果領域中占很重要的地位。一般用爆破Miniature或用CG合成渲染影像，跟其它部分連起來使用。 因火葯的製作方法不同，火焰的形態和顏色也不同。炸葯的安裝位置和用量決定爆炸時場面的形態。因此這是相當依賴經驗和理論的專業領域。在互聯網中查找跟Pyrotechnic有關的站點就很容易找到詳細說明爆破效果理論的主頁。 拍攝真正的爆破場面不是件容易的事情。因此利用裝有Real Motion, Pyromania, Fire Effect等爆破場面的CD-ROM或 Max的After Burn, Light Wave的Hyper Boxell等也是一種辦法。Hyper Boxell或 After Burn是應用Volume Metric和Shaer的插件。因此使用得當，就能得到非常逼真的效果。特別是After Burn, 在電影「Armageddon(絕世天劫，華納，1998)」中用過，很有名氣。但是After Burn 的渲染時間比Hyper Boxell慢得多，質量方面因很久沒有做過比較，不能斷定，可能不相上下。
攝影]
特殊攝影屬於專業攝影技法，據說是某位電影製作者在偶然的失誤中發現的。 特殊攝影方法可分為四大類。 1.攝像機的操作方式； 2.在攝像機上安裝光學裝置，如攝像機的濾鏡； 3.在後期製作（Post Proction）期間，在顯像或光學處理過程中利用特殊處理辦法； 4.拍攝Miniature時用的Go-Motion, 休諾蓋爾，Motion Control等技法。 在製作Block Burster時，如果特殊效果場面很多，除了一般的攝影監督以外還要選一位特殊影像攝影監督，專門負責特殊攝影。因為特殊攝影本身需要攝影高手，攝影技術也跟一般的劇情攝影完全不同。ILM著名的丹尼斯·繆倫原先也是特殊效果攝影的監督。 以「獨立日」等影片頗有名氣的Roland Amorich社團，也聘用了叫Anna Foster的特殊攝影監督。Anna Foster雖然是女性，但她忠實地履行許多男性都感到不好做的特殊攝影監督的職責，而且其實力也被業內人士們所認可，因此很有名氣。
高速攝影
要通過操作攝像機攝得Slow Motion Scene或者拍攝Miniature時，為了調整比例，可以採用高速攝影。 這種技法常見於吳宇森執導的電影，如「喋血雙雄」中周潤發雙手拿著手槍以慢動作打槍戰的鏡頭等。這個電影用操作攝像機的手段，每秒 24幀以上的速度拍攝，然後放映機以正常的每秒24幀的速度放映。這樣，被攝體的移動相對於幀數變得慢一些。 一般每秒50/28 幀的速度拍攝，而得到Slow Motion。Miniature的爆炸場面和戲劇性動作場面主要使用高速攝影。
低速攝影
這也是通過操作攝像機得到特殊效果的拍攝方式。跟高速攝影相反，用這種方式可以得到Fast Motion效果。 每秒 24 幀以下的速度拍攝後，以正常速度放映就會得到影像相對於攝影幀速度變快的效果。要在短時間內給人們展示花開的過程或日出的過程時就用低速攝影。
]縮影攝影
Miniature 目前，Miniature攝影中普遍使用Motion Control攝像機，有時也用一般的攝像機，而過去用的是休諾蓋爾攝像機。 休諾蓋爾攝像機利用潛望鏡的原理把配有小透鏡和反射鏡的長管跟TV攝像機和一般攝像機連在一起拍攝物體。附在休諾蓋爾透鏡上的反射鏡像潛望鏡一樣把影像反射到附在攝像機透鏡上的反射鏡，攝像機就把反射到反射鏡上的影像拍攝下來。 這樣可以得到原始的Motion Control拍攝效果。這種拍攝方法一般在物體快速進入直接用攝像機無法拍到的狹窄空間時用得比較多。 休諾蓋爾攝像中比較有代表性的是「星球大戰」 第一集中X wing 沖向帝國軍的Das Star表面的鏡頭。
Goal Motion攝影
Goal Motion攝影跟Clay Animation一樣，是Staff Motion Animation技法中應用的Miniature攝影方式。這種技法是利用人們照相時用的單鏡頭Reflex Camera，邊移動照相機，邊一張一張地拍攝Miniature的技法。這是ILM為了「星球大戰」的拍攝開發的技法。Goal Motion攝影的代表鏡頭是影片「印第安那·瓊斯」里的坑道鏡頭。這跟原始的Motion Control技法非常相似。
Staff Motion 攝影
這里要說的Staff Motion攝影不是像Clay Animation那種Staff Motion攝影技法。Clay Animation那種 Staff Motion是一邊一點一點移動被攝體，一邊一張一張地拍攝畫面的方式拍攝動畫的。 而這里要說的是休瑪廣告里出現過的360°靜止場面攝影技法。當然，像「聖誕節的惡夢」這樣的Staff Motion Animation攝影也叫作Staff Motion 攝影。但休瑪廣告中出現的Staff Motion攝影是以被攝體為中心，把Still Camera即人們照相時常用的單鏡頭Reflex Camera按一定的間隔排成一圈或一排，在同一瞬間里進行拍攝的。這樣Still Camera就能製作出從多個角度拍攝的靜止畫面。在編輯這些畫面時把它們粘在一起，做成相聯接的影像。 這是一位英國的特殊效果攝影監督1996年新開發的。它要求非常精確的攝影技法。目前全世界只有兩三個人能使用這種技法。 因此，休瑪CF製作費用的35%付給了負責Staff Motion攝影的英國人。在Block Burster中可以看到這種技法的是最近拍攝的Lost in Space等影片。
[游戲]
身為攻系，特技的搭配： 攻系的武器和衣服是絕對屬性為主的，寒建議讓鞋子和項鏈也盡量以屬性為主，因為這兩個裝備會因為特技而大大降低屬性，建議高等級裝備才搭配特技。所以特技應該歸屬於頭盔和腰帶為主。之所以腰帶上搭配特技，是因為腰帶上的特技價格比較低，屬性差距不大，同時憤怒這個超昂貴的特技對攻系需求不大。所以攻系可以為特技而稍微犧牲頭盔或者腰帶的屬性。 攻系最常規的特技也是大家最熟悉並且最昂貴的——破碎無雙，弱點擊破，破血狂攻。 首選破碎無雙， 寒認為破碎應該是常備裝備，比起弱點和破血來說，其更具備戰術性，無論是制約封系、stl等貧藍門派，還是制約高血高神孩子，使用得當時具備了扣血扣籃並且部分象形的效果（封系高速，無藍時必然浪費一個回合補藍）。 同時應該具備弱點/破血其中之一，為什麼是之一，因為憤怒有限，無論破血還是弱點都有其適合攻擊的對象，比如弱防者，破血傷害結果高，高防者弱點傷害結果高。但是這兩個特技都是昂貴非常的，因此為其中之一降低裝備屬性即可，沒必要為了同類特技而犧牲兩件裝備的屬性。——當然如果你有2個並且都是130裝備上的那又另當別論。 攻系的輔助特技野獸之力，個人認為不應該由攻系來佩帶該特技，當然如果是130裝備的另當別論。 身為法術系列，特技的搭配： 法系的武器和衣服是絕對屬性為主的，因為武器傷害也絕對了法術傷害的一部分，不要小看這一部分，傷害結果都是由一部分一部分組合起來的。其腰帶是否選擇憤怒決定於其自身是否搭配有大型特技，所以法術系的裝備技能搭配很隨意也很難決斷，呵呵。 法術系不像攻系一樣有傷害特技，因此他們選擇的大多是對方封系的清系列——晶清，玉清，冰清，水清，也選擇群加系列——四海，群加屬性的特技等，所以請法術系的朋友看下一個封系/輔助系的特技介紹，與之相仿即可。 身為封系/輔助系，特技的搭配： 封系和輔助系的衣服是絕對屬性為主的，高封系的鞋子也是絕對屬性為主的，而腰帶是絕對以憤怒為主的。其餘裝備大可以隨便套上種種特技，那麼如何更合理搭配有限的特技，就相當豐富了。 封系的作用就是控制與反控制，封系首先要保證自己的出手能力，那麼除了高速上的優勢，以特技為搭配控制的特技就有——心如明鏡，流雲訣，嘯風訣，凝滯術，停陷術。以特技為反控制的特技有——晶清，玉清，冰清，水清。以特技控制對方特技的特技有——笑裡藏刀，絕幻魔音。 個人首推，封系必備特技，心如明鏡！無論哪個特技，解封只有一回合（門派技能畢竟少），只有心如明鏡，使用後一共4回合讓你持續抗封。在這4回合里，你完成可以從一個低速封，完整制約對方的高速封！因此心如明鏡是封系的王牌特技。使用方法，人物使用心如明鏡，若自己已經被封狀態，則bb喂自己一個五龍丹，此後4回合掌握控制權。 其次，晶清、玉清，此兩個特技都是在全體被封時，一個完整的解封，使對方封系的努力化為流水，此兩個特技，一個隊伍中必備2個。 其餘，流雲訣，嘯風訣，凝滯術，停陷術這些調整速度的特技，絕對作用較小，巧合性居多，因此遇則有之，無則不求。只有高屬性裝備搭配類似特技才可取之。 水清也是同上，遇則有之，而冰清理應棄之，憤怒可貴，不能浪費於冰清。 笑里與絕幻，都是屬於控制對方使用大型特技的制約型特技，純pk用的。笑里的特點是，必中，以自己低憤怒去換取對方高憤怒，用於打斷對方特技非常有效，屬於群p隊伍必備特技（寒自己也在找該特技裝備，前兩天居然寫忘了）；而絕幻是則不是必中的，當然幾率也較大，是以自己高憤怒換取對方連續幾回合無法使用大型特技（消耗加倍則大型特技就無法使用了）。所以笑里比較容易運用，絕幻則屬奇兵類特技了。 輔助系的選擇比封系大，除了封系可選擇的特技外，四海昇平，聖靈之甲，野獸之力等特技也是非常可取的。即不必拘泥於個別特技，選擇面大，以裝備屬性和尋覓時的巧合為主要選擇手段。 這里說明一下為什麼僅推薦聖靈之甲和野獸之力而不推薦光輝之甲和魔獸之印。首先聖靈之甲是全體加防5%，野獸之力是單體加傷10%,加防這個效果是每個人都需要的，但是又不存在非常的必須性，所以，加防選擇群體加一次，不浪費回合，每個人收益。但是野獸之力加傷害，並非每個人都需要，而是僅僅針對攻系，因此10%的單加效果比5%的群加效果有利許多。所以加防選擇群加特技，加傷選擇單加特技。同理減防選擇群減碎甲術，減傷選擇單減放下屠刀。 最後高速封系的最重要的特技——慈航普渡，這個運用大家應該看見比較多，就是遲鈍寵最後復活封系，封系吃高品醉生夢死補充憤怒120以上，次回合第一個出手慈航普渡復活全體。所以有高速封，慈航普渡容易逆轉乾坤。 講了常規特技，也講下現在異軍突起的另類特技——移形換影，該特技一直拘泥於自己20%血以上，對方80%以下，並且容易被高躲避者miss。但是這不妨礙其成為黑馬特技！一次成功的移形換影，可以讓龍宮貧藍，可以讓地府低血。但是一次失敗的移形換影也就是讓自己發呆一個回合或者換回差不多血藍的結果。所以寒的看法，高屬性裝備上有他也可，無他不求。千萬不要為了冷門特技而犧牲了裝備的屬性。 最後順便說一點，特技的搭配是多樣化的，並不用死板的組合。同時如果你已經擁有了某個高屬性的裝備搭有特技，就沒必要再將其換掉去苦苦尋覓期望的特技搭配，因為每個特技都有其發揮的地方，而且屬性永遠是第一位.

❺ 看了美國電影「永無止境」，想知道裡面那麼多的街道穿越鏡頭是怎麼拍也來的

主要樣片都是在Final Cut Pro中完成製作的。同時，Comen的藝術家們運用Nuke對場景進行模糊測試。「我們早期做了許多有關動態模糊的測試，這與通常的180度快門動態模糊毫無瓜葛，你必須通過變焦促成放射式的模糊形式，為了營造良好的過渡的同時，也是為其增加風格性元素。但是導演尼爾在這上面顯得十分特殊——他並不需要系列中出現任何的模糊。電影整體的視覺美感就在於Eddie服葯後的狀態，事物變得觸手可及，帶有幻動的色彩，而這也是我們製作中的側重點。」 Carras繼續說道，「除了在不同街區放置的攝像機相互結合，這些鏡頭其實沒有遠景的變化。假設是相機通過變焦拍攝的話，那麼這個鏡頭的焦距大概在25毫米到10的36次方毫米之間。」 變焦攝制完成後，就可以繼續修繕一些因為拉伸圖像損失的細節。「我們隨著鏡頭將很多素材多樣的動畫化，同時也剔除一些原始畫面中受干擾的素材。」
下一步則是添加字幕，究竟哪些文字要怎麼移動呢？Carras說：「將其放置在街道上確實不失為一個突破性的嘗試，可以參考同一距離的其他事物進行變焦攝制。但是這個很不容易，畢竟場景中的內容太多了，很難製作那麼久的畫面。」
最後Comen VFX讓字幕採用了緩和式的漸進效果，首先採用了Blair字體，隨之轉而採用一款更高更瘦的字體來迎合導演對標題醒目的寄望。「我們採用了Franklin Gothic Condensed，一款常用於書籍編輯的字體。標題中也存在著效果上的製作，發紅和腐蝕讓其看起來更像是在古典時尚的氛圍中炙熱灼燒。」

「無限放大」的長鏡頭

這是電影中最富有視覺刺激，最有代表性的鏡頭。Eddie Morra剛吃了葯，精力無限，彷彿世界上的一切都唾手可得，他撒開雙腿在紐約市中忘情奔跑。Look Effects的視覺特效主管Dan Schrecker經過前期商議，運用攝影技術幫助實現這個概念化的長焦鏡頭，並製作一系列後期葯物刺激的鏡頭。一切是通過在4k上運用三攝像機編輯模式下的短、中、長鏡頭拍攝製作而成。鏡頭跟隨Eddie奔跑穿越，從夜總會到布魯克林大橋，將Eddie對時空的茫然感通過銀幕的「無限放大」體現出來。
Schrecker解釋道，「使用RED攝影裝置可以拍攝高解析度的畫面，這就是我們可以實現更長鏡頭的原因。我們將畫面按照相應比例聯結貫通，攝像機不會在一個拍攝的區域中有角度的變動，因為所有東西都要放大。」在對RED裝置整合前，變焦攝影的鏡頭測試是在佳能5Ds上進行的。專業人員用三角架上的燈光裝置，自由輕易的調轉方位來尋找拍攝點，使得最後變焦攝影的速度和比例達到一個恰如其分的切合點。
除了單個變焦攝影中多種素材合成的鏡頭，其它鏡頭更顯瞬息萬變。在電影中有一場戲，Eddie路過商鋪，從玻璃窗中看到自己處在多個情境里：在發廊理發、在健身房鍛煉、購買新西裝，鏡頭落到最後，他完成了一部看似不可能完成的小說——這一切都是NZT所產生的效用。Schrecker說道，「我們對這些原始鏡頭的速度和動勢不太滿意，所以挑選一些可用的素材，並在發廊里增加來往的顧客，在健身房中增添了健身器材。」

變幻般位移的背景

Eddie第一次服用NZT之後，與房東女士在樓梯層間相遇，很快這位女士被Eddie的智慧和魅力折服。Dan Schrecker談到，「倆人談話的這場戲，我們特意運用了特寫鏡頭，將其拉遠表現Eddie所在的房間，最終以420度的全景呈現全貌。攝制組先用三個魚眼鏡頭確保證從三個方位的拍攝，獲得360度的抓拍，但是由於鏡頭間沒有足夠的重疊，所以每個鏡頭都有一定扭曲度，間隙和盲點。因此，我們進行了再攝制，去除扭曲效果，然後整理取魚眼鏡頭的資料，將其還原，從而獲得一種不穩定、但真實的空間感。」
另一個特效製作稍稍有些跳轉剪輯的意味：Eddie與女友重逢，很快他們開始親吻。「這是用3台35mm的攝像機排成一列進行拍攝，一台攝影機手推車或穩定器在廚房和起居室移動，最後定像在沙發上。這是由三個不同角度同時拍攝完成，而且隨著攝影機的移動，拍攝角度也隨之變化。我們從三個角度中各自選取出鏡頭剪輯，製作了變形效果，最後再將角色從背景中獨立出來，修改一些不流暢的部分。這樣，我們完成了角色動作流暢，而背景不停變幻的效果。」

翻飛的文字

當Eddie發現了NZT的能量後，他面對世界的姿態也發生了改變。為了展現通過葯物改變並擺脫小說創作的煩惱，電影中成篇的單詞從天而降。
Schrecker說道，「文字的掉落與實景發生互動，有的落在桌子上，有的落在書架上。雖然是特效製作，但參考的空間確實來自實際拍攝的鏡頭。」
3D部門的Shawn Lipowski編寫了一個調整信息傳送速度的小程序，讓文字流動速度各有不同，營造出流水一般不規則自然效果。這個文字特效的CG通道也在隨後用在了製作Eddie首嘗證券市場的場景中。他仰視天花板，成堆的信息迸出如同鐵路或機場的標志信號，字母和數字不斷翻動，直到Eddie作出正確購買選擇。

俯瞰全紐約

掐指一算，Comen VFX公司共為電影完成了212個鏡頭的特效製作，Eddie的購買的豪華公寓有俯瞰全紐約的壯觀視覺效果也是其中之一。窗外紐約景象與背景合成素材通過各自獨立的手法完成製作，「我們在合成的深度上花費了大量的時間，為了保證透光率，你只能在背景中放置影像素材或是畫幕素材。幾乎每個隔窗相望的場景中，我們都對其添加了成群的飛鳥或飛機雲霧，還有穿行於道路的車輛和上班族，這些都是為了表現得更鮮活。」