電影飛越瘋人院主題音樂

⑴ 《飛越瘋人院》里片頭片尾音樂是用什麼樂器演奏的

Jack Nitzsche -《飛越瘋人院》(One Flew Over The Cuckoo Nest)[MP3]

⑵ 飛越瘋人院的主題是什麼，反映了什麼社會問題

一、 關於本片的背景
（一）、原著背景
《飛越瘋人院》原本為美國作家肯•克西於1962年發表的小說，作者以瘋人院暗喻美國的社會體制，全文充滿了濃烈的反體制提倡個人自由意味。而在小說的發表年代（60年代）也正是美國社會動盪不安的年代，二戰結束後的東西方冷戰、麥卡錫主義、馬丁路德金倡導的黑人民權運動、肯尼迪總統被暗殺、美國捲入越戰……，相應的藝術領域也聚集了越來越多的作家、詩人、歌手紛紛藉以文字、音樂來表達對60年代美國體制的失望和不滿。荒謬的大時代成就了美國文學史上一批傑作：《二十二條軍規》（約瑟夫。海勒）、《五號屠場》（庫兒特。馮內古特）……
（二）、電影背景
導演米洛斯•福爾曼於12年後（1974年）根據這本小說改編而成電影，由於米洛斯•福爾曼個人復雜的意識形態背景使得這部同名電影似乎有了更為深遠和獨特的蘊意。也許只有了解導演個人背景才能更好詮釋米洛斯•福爾曼不合時宜在70年代的美國拍攝如此一部反體制的電影動機何在。（美國50年代有以艾倫。金斯堡和克魯亞克為代表的「垮掉的一代」以及塞林格的「麥田守望者」，60年代有呼喚「愛、自由、和平」的嬉皮士和花童為表率的「迷惘的一代」，70年代的美國年輕人則被史學家稱之為「享樂的一代」）
米洛斯•福爾曼原籍捷克，猶太教徒的父親和清教徒的母親二戰死於納粹集中營，他從小在布拉格親戚家中長大，畢業於布拉格戲劇音樂學院。（這里同樣誕生了優秀的捷克導演史瓦拉父子——「菁菁校樹」），其早期在捷克完成的電影作品既顯露鋒芒，「black peter」（1964）、「loves of blonde」（1965）、「the fairman's ball」（1967）分獲威尼斯、戛納電影節獎項。60年代捷克國內日漸濃厚的藝術創作自由使得米洛斯•福爾曼打算在布拉格一直發展自己的電影事業，但在1968年，隨著蘇聯坦克轟隆挺進布拉格，米洛斯•福爾曼被迫逃亡到法國。這就是現代史上知名的「布拉格之春」。
或許從「布拉格之春」里可以探求出米洛斯•福爾曼賦予本片的另一層深意——不僅只是個體對體制的反叛（個體與社會的對抗），而且尚可看做是捷克對蘇聯把持的社會主義聯盟之反叛！（弱國與強國的對抗）
（三）、布拉格之春
1968年是現代史上的「捷克斯洛伐克年」，這個中歐小國以「布拉格之春」而聞名於世，成為世界政治舞台上的一顆明星。
1968年8月20日的晚上11點，由蘇聯國防部副部長，陸軍司令巴甫洛夫斯基將軍指揮的華約部隊的24個師（16個蘇聯師，3個波蘭師，兩個東德師，兩個匈牙利師，一個保加利亞師。）以閃電戰的形式瞬間佔領了捷克首都布拉格，佔領軍沖進捷共黨中央大廈，扣押了這個國家的最高領導人——捷共第一書記亞•杜布切克，國民議會主席斯姆爾科夫斯基；政府總理切爾尼克也在政府所在地被捕。引得蘇共領導人勃列日涅夫大發雷霆做出攻打布拉格舉動正是因為捷克國內的「布拉格之春」事件。
1953年斯大林去世，標志著斯大林時代社會主義聯盟的政治恐怖和強權統制的結束。1956年2月25日蘇共第一書記赫魯曉夫在克里姆林宮第二十次蘇共代表大會上，對斯大林實行獨裁專制和血腥暴行的控訴。赫魯曉夫一邊在控訴斯大林罪行的同時，一邊相繼對社會主義聯盟內部的小兄弟東德、波蘭、匈牙利國內出現的試圖反抗和擺脫蘇聯擺布的狀況派兵鎮壓。
捷克國內也開始出現一些新的聲音，一些作家充當了呼喚自由的先鋒，在1967年6月27日捷克斯洛伐克第4次作家代表大會上黨員作家（及我們所熟知的後來寫下「生命不能承受之輕」、「生活在別處」的作者）米蘭•昆德拉提出的「自由與專制、人道和非人道」的話題和瓦丘利克所做的關於政治恐怖和專制統治的話題將會議推向了高潮。反專制，要民主；反斯大林主義，要人道精神；反審查制度，要文化、新聞自由的呼聲成了這次大會的主旋律。
時任捷共第一書記的諾沃提尼，是斯大林的真正崇拜者。他處處模仿斯大林：給自己設計了一套和斯大林一樣的元帥服；還有，同樣尊嚴地緊閉著嘴，同樣拿著一個斯大林式的大煙斗。他對於這次作家大會大為光火，對「傳播對社會主義有害的、與共產黨格格不久的意見和思想」實行全面反擊。隨後就開除了幾位作家的黨籍，將作協的文學報劃歸新聞部和文化部直接領導，開除了全部19名編輯，限制在報上談論改革，禁止一些所謂「改革家」公開講話。
此時捷共主席團成員杜布切克開始反對諾沃提尼的文化專制和鎮壓浪潮。提倡進行改革，包括政治上的黨政分開和經濟改革。在經過幾次激烈的政治對抗後，杜布切克這位並未掌握著黨、政、軍大權的政治家因在國內獲得大多數人民支持最終在1968年4月成為了新一任的國家領導人。他提出了民主與自由的行動綱領。
同時，作家瓦丘利克也寫下了「布拉格之春」里最耀眼的2000字宣言——「統治者的主要罪惡和最大騙局是，他們把自己的專橫說成是工人階級的意志。」、「削弱了共產黨的權威的，並不是人民的批評和反對意見，而是這個制度本身」……
該份宣言引起了蘇共極大憤怒，在蘇聯的主持下，華約五國領導人共同寫給杜布切克一封聯名信，信上說「反動勢力利用了捷共領導的軟弱，濫用了」民主化「的口號蠱惑人心，發動一場反對捷克斯洛伐克共產黨及其忠誠可靠的幹部的運動，其目的顯然是要取消黨的領導，顛覆社會主義制度……反社會主義和修正主義勢力把黑手伸向報刊、廣播和電視中去，把它們變成攻擊共產黨的講壇……這正是反動派能夠利用《2000字宣言》的形式向全國發出號召，公開自己的政治綱領的原因。這個聲明直言不諱地號召反對共產黨和合法政府，煽動罷工和騷亂。因此我們相信，堅決擊退反共勢力的進攻，保衛捷克斯洛伐克社會主義制度不僅是你們的任務。也是我們的任務。」
杜布切克在復信里斷然否定了裡面的指責。隨後雙方開始了漫長的談判和爭執。在經歷了數輪會議後，並未達成一致。到了8月，便出現了如上情景。在昆德拉的「生命不能承受之輕」里也可多次看到這位作家談起「布拉格之春」及蘇聯入侵。
蘇聯入侵後不久，布拉格的作家、電影工作者、知識分子等文化人士紛紛逃離蘇聯軍隊進駐的布拉格，前往法國。其中就包括本片導演米洛斯•福爾曼。
二、 瘋人院的寓言理論
對於該片的理解最為暢快也是最為重要的就是破解本片豐富的隱喻及微觀的象徵，這部分之所以稱為寓言理論，是因為這部分引用了一些權威人士對影片象徵意義的讀解。在後結構主義理論家福柯在他的著作《癲狂與文明--理性時代的精神病史》中，提出"現代精神病院是文明社會的重要權力機構。"瘋人院在福柯那裡預示著關於現代文明社會的經典寓言。我們知道，無論何種機構，大到一個國家，小到一家精神病院，都有其自成體系的一套結構性特徵。而片中所展現的瘋人院的體系結構，正是「資產階級社會及其價值觀的象徵性縮影。家庭與子女的關系與父親的威嚴為中心，違法與懲罰的關系一直接伸張正義為中心，癲狂與神經紊亂的關系則以社會和道德秩序為中心。」 不難看出，瘋狂與瘋人院在於福柯無疑成了一個關於現代資本主義社會的寓言。在福柯那裡，瘋人院與監獄不僅是文明社會的典範，也是西方文化的典範。本片由於獨特的選材和在美國影壇上的轟動效應，引起了人們的持續關注，引發了人們寓言式解讀的興趣。曾有國內論者在一篇頗有見地的文章 中詳盡的論及了影片作為一部反美國現存體制之語言的含義。此論者認為：影片包含著一個由拉查德護士長所指稱的關於「秩序的深化」，和由印第安酋長和麥克墨菲指稱的「反叛的神話」。此論者指出，占據了秩序/反叛間一項的，是麥克墨菲，「他被封鎖在瘋人院般的現存體制中，其慾望的核心就是逃離和反叛這一異化的牢籠。而作為這一體制本身所造就而成的產物，逃離和反叛的結局只能被自詡的強權是以懲罰並被剝奪意志和行為的能力。」而占據了非秩序/非反叛這一中立項的，是瘋人院的眾瘋子，他們「構成了一種奇怪而普遍的語義——社會關系」，「他們既不遵從和信賴現存體制的合理和可靠，卻又沒有能力徹底打碎和逃離之一異化了的秩序。」而作為秩序/非反叛一項之指稱的，是拉查德護士長。「作為現存體制的守護神和管理者，其職責和功能就是非反叛，即遏制一切具有反叛意向的人對秩序本身的褻瀆、破壞和逃離。」她既是規則秩序的代名詞，表面上是以一個治療者的身份對對瘋人們進行管理和治療，實質上就是對病人追求自由的天性的一種壓抑和泯滅，「是壓抑和改寫瘋子般的反叛者」。作為反叛/非秩序，即徹底的、不妥協的反叛者之指稱的，是印第安酋長，他是影片中「唯一的逃離者」，「他的逃離表徵著他本來就不是屬於這一現存體制中的產物：實質上，在影片的情節體系中，他代表了一種非美國文化的，充滿原始生命力的問候。他的始終裝聾作啞、沉默不語，恰好在語義層面上，象徵著他與深陷其中的文化秩序格格不入，因而實際上他不接受拉查德的話語權力的管理和改寫。正是由於他根本不是這一體制所造就的個體，它才成為芸芸眾生中唯一的逃離者。
同名小說以瘋人院意指美國式的社會體制，反體制意味濃烈。由於該片是由六十年代末從捷克斯洛伐克逃往美國的移民導演米洛斯•福爾曼之手改編，其復雜的意識形態背景給影片蒙上了一層特殊的光澤，似乎有了更多可以揣度的空間尺度。好萊塢拿他的這一情況大做文章，似乎《飛越瘋人院》是影射蘇聯等社會主義國家，然而該片中瘋人院是美國病態壓抑的工業化社會縮影的說法是被主流影評人士推崇的說法。其實該片是揭露了美國自己的"家醜"。影片中所描繪的那所精神病院是美國病態、壓抑的社會縮影。正如有的評論指出："該片以觸目驚心的畫面揭露了資本主義文明社會的弊病 ──壓制人性和束縛自由。現代的管理社會竟如此恐怖，給歐美觀眾以極大的沖擊。"
然而既然界定本片為一部睿智的頗富啟示的反體制影片，為什麼又會「為體制所贊賞」？既然說他是一部與好萊塢傳統電影語言相悖的反神話電影，為什麼又會一舉奪得奧斯卡五項大獎？接下來就讓我們從本片結構進行深入系統的分析。
三、飛越瘋人院的影片結構
（一）、人物分析與人物結構
1、麥克墨菲
墨菲是一個沒有患精神病而卻無意中闖入精神病院的熱血青年。他熱愛自由不喜約束的天性導致他的種種反叛行為，導致他把一個原本看似平靜、安詳的精神病院搞得天翻地覆。在電影中的瘋人院里，體現出的是一種被遮蔽的壓制，看起來似乎氣氛和諧、光線柔和，實際卻有著諸多空間約束，更演化為一種精神枷鎖，桎梏個體自由的條例規章，麥克默菲輕易地擊中看似完美的瘋人院靜謐世界中的脆弱。一進瘋人院，當警衛給他解開手銬，他就開始縱聲歡呼，並激動的在警衛連上吻了一下，昭然若揭的這有裝瘋賣傻之嫌，但更是一種發自內心的為自由得歡呼。一開始，他就要求把音樂聲減弱，而不是象其他人那樣乖乖地在音樂下吞咽無名的葯丸。是墨菲第一個人孤軍作戰要求能看世界盃的棒球轉播，是他第一個試圖抬起看似堅不可摧的壓水檯子，並在失敗後說「But I try,didn』t it?」；是他帶領大家玩牌、打籃球，給死氣沉沉的瘋人院注入新的活力；是他第一個爬出去偷開汽車把眾瘋子帶到海邊盡情嬉戲，出海釣魚一段無疑是本片最絢麗的一段，剎那間它動搖了很多固有的偏執觀念分崩瓦解，博取了人類心靈深處共同的笑聲。自由與快樂潛移默化地療救枯竭的心靈，瘋子們表現出來的生命氣息和運動節奏幾乎模糊了觀眾對他們的成見和定義。
麥克默菲破除的是一種儀式，他到來之後，吃葯、開會心理治療這些程序都遭到質疑，盡管他顯得有些缺乏教養，具有流氓無產者的一切劣根性，但是有兩點確是不容置喙的：對自由的崇尚和對弱者的同情。盡管麥克默菲每次的要求都遭到拉奇德的拒絕，但是對於一直機械、呆板地重復這些程式的瘋子們，麥克默菲的舉動無疑觸動了他們。使得他們在面臨這種非暴力的壓抑時，可以產生新的反應。墨菲顯得充滿了生命的活力與沖動，他千方百計地讓病人們感覺到自由是可以獲取的，慾望是應該得到釋放的。基於這個信念，率直的墨菲甚至不吝將女友暫借比利，「親愛的，就一次，把他想像成我就好了」，他兩次出逃都為了比利耽誤下來，最後被殘忍的施以切割腦蛋白的手術，變成不折不扣的白痴。
2、拉查德護士長
拉查德護士長是一個絕對權威的象徵，她管理、維護著醫院秩序，從影片中她所展露的表情而看，她大多時候都是一副不動聲色，端莊威嚴的神情。她對整個局勢的把握游刃有餘，她調度著這個規范化世界裡的病人們，她熟知他們的弱點，盡管她並不曾從人性的角度去了解過他們，面對病人她從未發出過來自心底的關心體貼。一旦病人對其規章制度有所質疑的時候，她總會狡猾地尋找各種理由搪塞過去。當墨菲要求關小音樂的音量以至於不會影響人們的正常交談的時候，拉查德會和藹的笑著以規章制度不能隨便更該為推辭搪塞過去；當墨菲等要求看世界盃電視直播的時候，她又假意民主要求投票表決，眾病人在她的淫威之下不敢舉手，直至酋長在墨菲的游說下舉起手湊夠票數，她又以時間已到為托辭拒絕打開電視。
她永遠掌握著決定權，每周召開集體治療討論會，討論沒有意義的問題。
她有兩次明顯的露出真面目的表現，一次是在墨菲裝模作樣的解說一場實際上不存在的比賽，一次是看到比利和埃蒂赤裸的躺在床上。在對待比利的問題上，她又代表了一位惡毒母親的形象，她面目猙獰的呵斥比利，且用媽媽威脅他，甚至比利在她的恐嚇下自殺後她都會冷靜的關上門說：「安靜下來，我們現在能做的就是回到日常生活。」
3、印第安酋長
酋長作為一個從原始森林裡走出的少數族裔，他抵制著美國的主流話語強權，作為一個沒有精神病的精神病人，他也抵制著正常人組成的管理階層。於是他裝聾作啞，拒絕與任何人交流，處於一種「物慾」狀態。其實酋長的心中是很孤獨的，他的心中充滿了渴望，我們可以注意片中幾處細節，當墨菲剛來時跟他說話他冷峻的臉無動於衷；當墨菲准備搬壓水檯子的時候他充滿好奇的看了一眼（或許他以前從沒有見過這么有生命力，有反抗慾念的人吧）；當墨菲鼓動大家舉手投票看棒球比賽的時候猶豫的舉起了手；當墨菲站在他身上翻出院牆那開心的笑容；當墨菲被警衛制服的時候仗義的出手相救；打籃球是有一開始的僵硬變得活躍快樂；當他第一次開口對墨菲說「謝謝」的時候，那一個簡單的單詞似乎包含了許多，包含了對墨菲的信任、感激與崇拜。
最後當酋長一邊說著「我不能這樣留下你，咱們走吧」，一邊含淚用枕頭門悶死已變成白痴的墨菲，他用解除軀殼束縛的方式讓麥克默菲的靈魂隨著他回到叢莽之中，搬起了麥克默菲生前揚言要舉起，卻沒有力量舉起的壓水台，用它砸破了桎梏，砸碎玻璃，在病人莫名其妙的歡呼聲中飛越了麥克默菲沒有來得及飛越的瘋人院，向著晨光微曦的地平線奔去的時候，我們都不得不為之動容。
在這里不得不提的是，對印第安人的滅絕是美國光榮與夢想之歷史的起點，也是一塊抹不去的斑點。在《飛》中，酋長作為美國社會的天敵，無疑是影片之表象認知系統的一次成功誤導，一種主流話語所實現的謊言效應 。
3、比利
病人比利是一個意味深長的注腳式人物，這一形象以他孩子般孱弱、單薄的體型，一對清澈的、時常為恐懼所充滿的大眼睛和令人難以忍受的口吃而引動觀眾無限同情和認同。從片中諸多對話處我們可以看出，比利殘缺的語言能力正是他在心理上作為未成年者的指標，是他佔有欲強烈的惡魔母親的造物。他有一個自己喜歡的女孩，卻因為對媽媽的懼怕而不敢表白。是一個逃避現實、拒絕真相、消極對待生活的角色，他口中不出場母親帶給他無形巨大的壓力，其實治癒比利的手段異常的簡單，給他一個無須點綴太多愛情的女人，就可以使他告別怯懦的童年，變成一個真正的男人。在狂歡夜後當護士長發現仍懷抱美女酣睡的比利時，當她不再掩飾她的兇悍面目猙獰的時候，呈現在前景中的比利一臉明亮的笑容，他流利而勇敢的說到：「我可以解釋一切。」然而陰險的拉查德再次把比利的媽媽拿出來威脅他：「我擔心的是你媽媽會怎麼想。」已經變成男人的恢復了語言能力的比利再次變得結結巴巴，最終跪倒在拉查德面前苦苦哀求。在絕望與恐懼中他以自殺結束生命。事實上，比利這個角色對墨菲的影響甚大——麥克墨菲的出逃，而這似乎輕而易舉、唾手可得的行動兩次被耽擱下來，都是因為比利，並因為比利被永遠的耽擱了。從某種意義上來說，麥克墨菲正是為了不利犧牲了自己。比利以弱者的身份反襯了強制政權體制下人性的不自由。
4、其他病人
是一群典型的資本主義社會下麻木生活的人群的縮影。整天在固定的時間吃葯、睡覺，直到墨菲的到來讓他們意識到原來生活也不是必須一成不變，他們也可以享受陽光、運動、激情的樂趣。強烈的異化感和墨菲的啟蒙，他們開始產生對醫院的不滿，萌動對自由的自覺追求。戲劇性的一幕是，當墨菲向管理船隻的人逐個介紹：這些都是來自國家精神病研究所的醫生時，他們表現的比醫生還像醫生。這真是一個莫大的諷刺。我不禁想起一個笑話，警察在機場到處搜羅精神病人，忙乎了一天，最後還真找到了三個人，一經調查，結果出乎意料：他們都是精神病醫生。當墨菲對著一個關著的電視機進行虛張聲勢的解說，病人們瘋狂的歡呼；當他們乘著漁船滿載而歸，他們瘋狂歡呼；當墨菲帶來兩個女人和酒，進行告別前的狂歡，他們瘋狂歡呼；但是，當墨菲被切除腦白質變成白痴後，他們恢復了平靜，只有隻言片語的猜測說墨菲已經逃走了；當酋長砸碎玻璃逃出瘋人院，他們又一次瘋狂歡呼……
關於本片的主題
（一）、反諷社會體制制度的主題
現實社會或者說美國資本主義社會就像一個瘋人院，而管理者們就像影片中的護士長，以絕對的權威與統治地位來壓榨病人們的自尊與激情，假使你不是他們所界定的「瘋人」——比如說那個沒有教養的麥克墨菲，那麼他們最終就會把你變成一個麻木沒有反抗意識的「瘋人」——通過切除腦白質手術來消除你的叛逆與反抗，以符合他們的秩序與法則。
（二）、關於自由與反叛的主題
墨菲顯得充滿了生命的活力與沖動，他千方百計地讓病人們感覺到自由是可以獲取的，慾望是應該得到釋放的。是已經麻木太久的病人們重新認識到有些權利是要自己去捍衛的，有些需求是要自己去爭取的。
（三）、逃避現代社會、回歸原始自然的主題
從影片最後，幫墨菲得到解脫的酋長砸碎窗戶，奔向茫茫的晨光微熹的地平線，我們能體味出一個逃避現代社會、回歸原始自然的主題。

（三）、於相關影片《肖申克的救贖》的類比
兩部影片有諸多相似之處。
其一，兩部影片的公人主都失去自由，身陷囫圇。一個被關進了監獄，一個被關進了瘋人院。這兩個地方並沒有太大本質上的區別，特別在影片的表現上也是如此，，身在監獄的，他其實是清白之身，而住在瘋人院的他，其實是正常的人。兩部影片的主人公在這限制了自由的地方，都有一個知心的好朋友，，安迪的好朋友是瑞德，墨菲的好朋友就是那位身材魁梧的印第安酋長。這兩位好朋友，對於劇中主人公的幫助都是至關重要的……
其二，兩部影片都揭示了當時美國式的教條主義制的社會體制，這也是我認為兩部影片最重要的精神相似的地方。
監獄和瘋人院都是被幾堵高高的圍牆圍起來的，人們在其間失去自由。其實這幾堵高牆之外，還有著更高更大的無形的牆，影片的表現手法把監獄和瘋人院比作當時社會縮影，當時的社會體制限制著人們的思想和自由，目的無疑是讓所有的人服從於當時的統治階級，盡管有些思想是正確和鮮活的，但它違反規矩，違反統治階級制定的法律，就是不行。兩個地方似乎都是在改造人，但怎樣的人才算是真正屬於「改造」成功的人呢，沒有自己的思想，沒有自己的見解，像白痴，行屍走肉般的人，或許才是他們所需要的。
兩部影片中都有著這樣一個代表統治階級的人物，《肖》片裡面是那位衣著光鮮的監獄長，《飛》片裡面是那位永遠端莊，表面上永遠受人尊敬的護士長，她的古板間接造成一位剛剛在聖誕夜完成「成人儀式」的病人自殺。當墨菲發瘋般的沖向她，用暴露著青筋的大手死命的卡住她脖子時，觀眾心裡多多少少有一種說不出的暢快。
第三，影片的結局都是完美的或者說接近完美，《肖》片的安迪和瑞德都獲得了自由，安迪用了十九年時間挖了通道，然後爬過相當於五個足球場般長的下水道。已經不奢望再會有自由的瑞德也終於假釋，在那美麗的墨西哥海岸，兩人開始了新的生活。
《飛》片里的墨菲最後變成了白痴，酋長含淚用枕頭蒙死了他，然後帶著他的遺志，用強壯的身驅舉起他生前沒能舉起的壓水台，砸爛了象徵著教條主義的鐵窗，向著那太陽初升的地方奔跑而去。
這樣美好的結局，都不是輕易得來的，是主人公歷經了萬般磨難才終換回來的自由。這也是影片所象徵的希望。

——來自豆瓣影評

⑶ 電影《飛越瘋人院》護士說medacation Time後留聲機中放的音樂

play the game 是這個么？

⑷ 《我看你有戲》張栗維表演的節目《飛越瘋人院》的背景音樂叫什麼名字

We no speak Americano-yolanda be cool

⑸ 好歌互相推薦（各種風格）

我聽國內的跟你差不多，就是王菲，beyond，我還比較喜歡陳奕迅，畢竟製作班底跟王菲是一樣的，而且我喜歡陳奕迅的聲音
我聽日本的搖滾比較多，不知樓主是否排斥，不排斥的話我可以推薦幾個
咱這是交流，我就隨便扯了，說哪是哪，比較喜歡的歌有《smells like teen spirit》《come as you are》（nirvana的）
比較老的《tears in heaven》很耐聽的一首啊，《california dreaming》重慶森林的插曲
還有哥特搖滾最喜歡一首《bring me to life》
推進幾首小紅莓的，喜歡王菲的話這支樂隊不容錯過的《zombie》《promises》《ode to my family》《animal instinct》《No Need To Argue》《I Can't Be With You》實在太多了，小紅莓幾乎曲曲經典啊
《leave all the rest》有一段喜歡這個喜歡瘋了
《hush》來自automatic loveletter，主唱聲音很特別很有爆發力啊
《It's my life》這首歌是跟《don't cry》一樣不用再扒的歌了
《yellow》酷玩的
《traveling light》也很喜歡
還有好多沒辦法一一打了，當然本人還比較喜歡民謠，鄉村和小清新什麼的，樓主喜歡的話可以網路hi我，咱討論下也蠻好的

⑹ 《肖申克的救贖》這部電影的音樂分析 ！

《肖申克的救贖》，音樂中帶來的希望和信仰

曾幾何時，美劇《越獄》在中國紅極一時，當時在網上也聽說過《肖申克的救贖》是電影版的《越獄》，或許當時是《越獄》太火，又或者因為我當時還沒看過該片，但現在想想，覺得只怕說《越獄》是電視劇版的《肖申克的救贖》更合適。
在1994年奧斯卡頒獎典禮上，雖然《肖申克的救贖》最終敗給了《阿甘正傳》，但《肖申克的救贖》卻已在很多人心中成為了經典，影片的故事結構已不必再多說，演員精湛的表演也已經被許多人所稱贊，影片主題更是被無數影評人和觀眾講的爛熟，但是這里，必須要提到的是影片的音樂。
雖然我喜歡音樂，但是我對音樂並不精通，我聽不出一首曲子是用什麼樂器所彈奏，更不用說一首歌曲跨了幾個音階什麼的，但是音樂一旦放到了電影中，它就已經成為電影的一部分，很多時候電影音樂的好壞會影響到一部影片的成功與否，因為音樂在電影中的作用已經不僅僅是一個陪襯，很多時候演員演出來的故事未必好，甚至鏡頭的表述的劇情未必精彩，而用音樂來說出下面的故事卻往往能達到一個好的效果，我們可以把之稱之為「音樂敘事」。
在電影中用音樂敘事已經是再常見不過的了，一些學者也已經看出了音樂和電影中的必然聯系，如今，隨著電影業的發展，影視原聲也越來越讓影迷們喜愛，我們發現，一部好的影片中，必然會有好的音樂。
所以，從第三屆奧斯卡開始，設置了最佳音響效果的獎項，而到了第七屆奧斯卡開始，最佳音樂的獎項也被獨立了出來，由此可見，音樂已經成為電影不可或缺的一部分。
上面說了那麼多，影片《肖申克的救贖》雖然在第六十七屆奧斯卡上沒有獲得任何榮譽，但想想，《阿甘正傳》、《埃德伍德》、《獅子王》、《通俗小說》那麼多優秀作品與之爭鋒，但最終依然能成為經典，除了影片主題、演員的表演，還要歸功於音樂的功勞，影片中聲樂與鏡頭的完美結合，早就了影片不朽的傳奇。
影片從最一開始，就利用音樂和蒙太奇的效果來營造緊張的氣氛，那首看似輕松歡快的音樂，卻反襯出人物緊張的心理狀態，隨後而起的音樂則進一步起到了渲染氛圍的作用。當然，這是音樂敘事中極為常見的用法，而當Andy入獄時那首聽似悲壯的音樂，配合著監獄的鏡頭，顯得那麼沉重。在影片後面我們可以發現，監獄中的許多人已經被體制化，除了監獄他們不知道能做些什麼，他們已經不再適應外面的生活，在監獄中，他們是快樂的，那是他們的家園，導演正是用這樣的音樂來為之嘆息，為之哀嘆。
當然，這也算不上影片最為精彩的地方，盡管到Brooks出獄後的那段音樂煽情了一把，讓人為老Brooks的遭遇感到惋惜和嘆息，但是依然比不上影片第六十七分左右開始的Andy在獄警辦公室播放莫扎特的《費加羅的婚禮》那段出彩，監獄，一個禁閉的空間，哪怕是當你在中學上課時校廣播站播放這樣一首歡快而激情的歌劇音樂時是怎樣的心情？更何況是在監獄這樣一個特殊的環境中，有人說「這個片段看似平靜如水，但實則激情四射，殺傷力極強，最能使你兩眼發熱」，我絕對同意這樣一個說法，看看Andy在播放這出歌劇時囚徒的反應和表情你就該知道，這樣一首曲子對於生活在監獄中被許些體制化了的囚徒是怎樣一種激勵，而對於被基本體制化了的犯人來說又是怎樣一種打擊。這首《費加羅的婚禮》在這里不僅僅是一出歌劇，更是一種希望，當監獄長不斷敲門讓他關掉留聲機的時候，Andy反而將聲音開大，直到獄警破門而入，強行關閉了留聲機。縱觀整部影片，我們發現這就是Andy的性格，外面給的是壓力，壓力越大，Andy的希望就越大，而獄警強行關閉留聲機，則是從側面反映出獄警和監獄的作用就是斷絕你的希望，如果說老Brooks是囚犯體制化的代表，那監獄就是一座把人體制化的牢籠，我們可以把之誇大到一座城市，甚至一個國家，而其統治者就是要把他們統治下人民的希望給摧毀和斷絕，這樣人民才能當一個順民，他們的統治才更加長久。正如RED所說：「希望？我告訴你朋友，希望是很危險的東西，希望會讓人瘋狂，它在這沒用。」
其實我很想說一句，導演很壞。什麼意思？在影片第一百零九分鍾左右，監獄長吹著口哨離開辦公室，留下Andy一個人，接著Andy回到牢房，熄燈，在黑暗中摸出繩索以及RED凝重的表情，影片在這里使用了一段聽似悲壯的音樂，加上背景環境音的雷電聲，給人營造了一段Andy即將離去的感覺，這里說的離去並不是影片的結果，因為通過RED的旁白給人以Andy受不了壓力而自殺的誤解。前面我說過，Andy的性格是壓力越大，希望越高，有希望的人，怎麼會自殺呢？答案很快就被揭曉了，就在次日造成獄警照例查詢人數的時候，發現Andy失蹤了，既然影片的類型決定了Andy不可能羽化登仙，只能說明他是越獄了。是的，導演正是使了這么一個小小的壞，用了一段聽似悲壯的音樂把影片過渡到了高潮的階段，也通過這樣一段音樂來表現了Andy逃走的決心。所謂「風蕭蕭兮易水寒，壯士一去兮不復還」，這是多麼悲壯的詩句，卻體現出了壯士們的決心，Andy也一樣，也正是在這樣一個悲壯的氣氛中下定了決心。所以在後來Andy成功逃離出肖申克監獄的時候，那段激情令所有人感動，更讓人意識到了希望的重要性，也成就了Andy這一生的傳奇。
是的，有人說《肖申克的救贖》講述的是生活，雖然在奧斯卡角逐時輸給了講述夢的《阿甘正傳》，「生活比夢簡單，但是生活遠比夢殘酷」。《肖申克的救贖》是一個傳奇，更是一部經典，不僅僅是因為「生活遠比夢殘酷」的主題，不僅僅是編劇巧妙的設計了故事，我想，音樂的運用也該是傳奇和經典的一個重要因素。

⑺ 飛越瘋人院的音樂原聲

序號曲目名稱序號曲目名稱01One Flew Over The Cuckoo's Nest07Charmaine02Medication Valse08Play the Game03Bus Ride To Paradice09Last Dance04Cruising10Act Of Love05Trolling11Jingle Bells06Aloha Los Pescadores12One Flew over the Cuckoo's Nest

⑻ （飛越瘋人院）

你好。很抱歉，雖然現在網路上到處都是傑克.尼克爾森主演的經典電影《飛越瘋人院》的下載地址，但是本人竭盡所能就是沒有找到由美國小說家肯·克西所寫的《飛越瘋人院》的原著小說。我還要告訴你的是，這部原著小說的中文譯名並不叫《飛越瘋人院》，而是叫做《飛越布穀鳥巢》。(我是怎麼知道的？這是因為的曾經看到過這本小說英文原版的緣故，只可惜現在已經找不到了)
順便提一下，傑克.尼克爾森主演的《飛越瘋人院》可真是經典啊。(尤其是他解說棒球比賽的那一段)
以下是美國小說家肯·克西和他的代表作《飛越布穀鳥巢》的相關資料：(請相信我已經是盡力而為了)
《飛越布穀鳥巢》是作家肯·克西發表於1962年的小說，小說以瘋人院意指美國式的社會體制，反體制意味濃烈。經移民導演米洛斯·福爾曼之手其復雜的意識形態背景給影片《飛越瘋人院》蒙上了一層特殊的光澤，似乎有了更多可以揣度的空間尺度。
今天的美國文學愛好者也許連肯·克西（KenKesey）這個名字都沒有聽說過。
但是在20世紀60年代初，他可是繼50年代「垮掉的一代」後震動過不少美國青年的一代小說家。據外電報道，這位作家因患肝癌已於11月10日去世。在某種意義上，這也許意味著上世紀60年代美國青年對「順從」表示「消極對抗」的時代終於塵埃落定。
克西1935年出生，幼年隨開牛奶場的祖父母在俄勒岡生活。因摔跤成績出眾，他被「保送」進俄勒岡大學並享有獎學金。但他頭腦絕非不發達。在俄大時即開始投稿發表小說。後又進有名的斯坦福大學寫作班，因思想新潮、文風詭異，與較保守的導師沃萊士·斯特格納（亦一著名作家）多有抵牾。寫作班未畢業，克西的第一部長篇小說，也是他的代表作《飛越布穀鳥巢》（1962年）已由著名的維金出版社出版。此書後陸續被改編為話劇，在百老匯盛演不衰。接著又拍攝成電影，一下子囊括了1974年奧斯卡金像獎的4項大獎。這就使《飛越》一書更為走紅。但克西卻認為製片人歪曲了原作中主要人物的形象，提起訴訟，後雙方調解了事。但克西表示，他根本不想看也從未看過這部影片。
克西曾在一家醫院精神病房當夜班護理員。在觀察了一段時間後，他認為當時的那種治療方法非但於事無補，反而會加重患者的病情。於是他著手寫《飛越》這部帶有寓言色彩的小說。作品中，主要人物（其實他並沒有精神病）住院接受治療，並試圖對這套做法表示反抗，結果遭到一個綽號為「大護士」的女暴君的報復，腦白質被切斷，成了一個真正的白痴。此書的寓意，照《華盛頓郵報》的一篇評論文章的分析是：「……如約瑟夫·海勒、肯·克西與庫特·馮尼格筆下所顯示的，它宣布：瘋狂是合理的，而生活在當代社會中倒真是一種瘋狂。」
克西引起注意的另一「壯舉」是1964年一次向紐約的「進軍」。當時，他將一輛舊客車漆成五顏六色，糾合了一批志同道合者，邊吸迷幻葯邊趕路，一路上一批留大鬍子、穿奇裝異服的漢子招搖過市，好不熱鬧。此行後來被有名的「新型新聞文學」作家湯姆·沃爾夫寫成一本書，1968年出版，暢銷一時。克西因吸迷幻葯多次被控，他曾出逃墨西哥，後又回國坐牢。
美國學者認為，克西和他的朋友的所作所為，是對艾森豪威爾時代死氣沉沉的社會風氣的一種消極反叛。盡管看來與淘氣孩子的出格行為沒有什麼區別，但是，正如一位叫查爾士·鮑登的評論家在1991年所寫的一篇文章里所說的：「任何人想對我們的時代有所認識，最好去讀讀克西。除非我們走好運情況起了變化，否則，今後一個世紀里，人們還將不得不讀他的書。」
美國著名小說家肯·克西（Ken Kesey）於2001年11月10日在俄勒岡州尤金市患肝癌逝世，享年66歲。肯·克西的一生頗具傳奇性：1935年9月出生於科羅拉多州一個奶牛場主家庭，1934年遷移到俄勒岡州祖父家。肯·克西自幼體格強壯，喜好運動，尤擅長摔跤，為此獲獎學金進入俄勒岡大學學習新聞學。1959年，到斯坦福大學攻讀創造性寫作學位，自願參加了政府在一所醫院的毒品實驗項目，嘗試過如像LSD這樣的致幻興奮毒品。1963年，基於這一體驗寫成出版了長篇小說《飛越布穀鳥巢》（One Flew Over the Cuckoo�sNest）而一舉成名。由於濫用大麻他曾經在加利福尼亞州曾被監禁4個月。1965年，與高中認識的女友法耶結婚，後來在普勒真特西爾（Pleasant Hill）定居，養育了4個子女。他還在好萊塢影片中出演過次要角色。1990年攜家回到俄勒岡，任教於俄勒岡大學，直至去世。

《飛越布穀鳥巢》出版後很快就被譯成了多國文字，幾乎每年都在重版。1963年企鵝出版社版本封面中央精神病院房頂的一角，但見一隻布穀鳥昂頭站立，彷彿在期待呼喚什麼，這在美國近代史上眾所周知的動盪年代裡其象徵意義不言而喻。與肯·克西同時代的詩人和朋友金斯伯格曾經寫過長詩《卡迪什》（Kaddishi）悼念其患精神病而死在「瘋人院」的母親娜阿米，讀過該詩的讀者無不被詩中「瘋人院」的恐怖和娜阿米受到的精神折磨而震驚。《飛越布穀鳥巢》為我們揭露了這一陰暗角落裡更不人道的種種細節，可它絕不是單純的精神病院故事，其強烈的社會認識意義遠遠超於其故事本身。故事發生在美國太平洋西北部的一個精神病院，第一人稱敘述者是在病院呆得最久、有一半印第安血統的布羅德曼。他從不說話，經常產生幻念，總以為屋子裡滿是青蛙。病院實際上由渾名是「大護士」（Big Nurse）的拉齊德（Ratched）統治。她竭力掩蓋其女性生理特點，可笑的是，無論如何也不能「消滅」她那一對偌大乳房。她狡猾，機靈，對病人冷酷無情，獨裁和控制欲表現強烈。故事情節主要在主人公愛爾蘭裔人麥克穆菲（Mc Murphy）和「大護士」之間的抗爭中展開。麥克穆菲聯合其他病人挑戰「大護士」的權威。他們賭博，酗酒，同女人約會等。最終麥克穆菲和布羅德曼逃離病院。耐人尋味的是布羅德曼此時才開始說話。麥克穆菲集中體現了追求自由、人格獨立、反體制壓迫這樣一些精神。」瘋人院「實際上是當時美國社會的一幅縮影，恰好同金斯伯格在其《嚎叫》中的那一聲「我看見我這一代的精英被瘋狂毀滅」相呼應，發人深醒。「大護士」則是《嚎叫》中的邪惡火神「摩洛克」的象徵，代表美國資本－軍事一體化體制對人性的壓抑。此書出版後好評如潮，《時代》周刊稱此書「是向體面階級社會的陳規以及支持這些陳規的看不見的統治者發出的憤怒抗議」；《紐約客》則說此書「預示了大學騷亂、反越戰、吸毒以及反文化運動。」顯然，此書的主旨同《麥田守望者》和《在路上》傳達的BG（「Beat Generation」「垮掉一代」未必達意，本人用其縮略語代替）理念一脈相承。難怪不少評論家把肯·克西也歸入BG。他同BG代表人物聯系的確非常密切。1964年，繼堪稱嬉皮士時代一大壯觀的舊金山的「愛之夏」（Summer of Love）大集會後，肯·克西用《飛越布穀鳥巢》的版稅組織了一次真正意義上的轟動全美的「行為藝術」活動。一輛命名為「向前」（Further）號的校車車身塗上炫麗色彩，滿載著一夥自稱為「快活的惡作劇者」（Merry Pranksters）的青年男女從加里福利亞州出發，橫跨美國大陸，到達紐約世界貿易大廈，然後又返回。開車的正是被稱為「BG天使」、克魯亞克《在路上》主人公迪安的原型尼爾·卡塞迪。「快活的惡作劇者」這一稱謂已把嬉皮士的反叛精神表露無遺。當時嬉皮士中流行的一句話是「你在車上嗎」（Areyouon the bus？）。60年代末在舊金山興起的嬉皮士運動的理念和生活方式如公開吸毒，奇裝異服，男女群居，街頭爵士，迷幻搖滾即興演出，用和平方式反抗現存法律和傳統習俗等其實可以追朔到此。這一年8月，芝加哥爆發了長發異裝的嬉皮士反越戰騷亂。1968年，倡導「新新聞寫作」（New Journalism）的湯姆·伍爾夫（Tom Wolfe）在其著名的紀實性非小說作品《令人振奮的興奮劑實驗》（The Electric Kool Aid Acid Test）中詳盡報道了這事，由此肯·克西聲名大振，同金斯伯格、搖滾音樂歌手鮑勃·迪倫（Bob Dylan）一樣一時成為被青年崇敬的偶像。
肯·克西後來寫過一些自傳性短篇小說、兒童故事、文章等，可除了《有時冒出了一個偉大的念頭》（Sometimes a Great Notion1964）和《水手之歌》（Sailor Song1992）以外都不太成功。前者敘述俄勒岡州一小鎮兩個獨立謀生的伐木工人的故事，貫穿於全書的人生基調是「永不屈服」（『Never Give An Inch），使人聯想到梅爾維爾的《白鯨》和海明威的《老人與海》所傳達的那種不向命運讓步的大無畏精神，受到評論家一致稱贊，他本人也頗滿意。此書由名演員亨利·芳達和保爾·紐曼擔任主角被搬上銀幕。後者帶有科幻性質，以阿拉斯加漁村為背景，表達了他對全球氣候變暖、核污染、癌症等重大緊迫問題的思考。不過，更多讀者也許是因為看過其同名小說改編的影片（在中國譯為《飛越瘋人院》）才知道肯·克西的。此片在1974年一舉奪得奧斯卡5項大獎：最佳影片，最佳導演，最佳劇本改編，最佳男演員（傑克·尼可爾森Jack Nicholson），最佳女演員（露易絲·弗萊徹Louise Fletcher）。不久前又被美國電影學院列人其20部最佳影片之一。
很長一段時間內，無論BG作家還是肯·克西都備受爭議。但歷史地看，克魯亞克的《在路上》所引發並由嬉皮士以及其後眾多青年所實踐的「背包革命」內容十分豐富（積極和消極方面並存）：20世紀五，六十年代美國經濟相對繁榮，但冷戰加劇，「紅色恐怖」，麥卡錫主義肆虐，大多數人懼怕迫害，保守思潮成為主流，人們熱衷於實現「美國夢」。那時的年輕人被稱為「沉默一代」，故有「沉默的時代」一說。可BG和嬉皮士卻用他們似乎反常、近乎「瘋狂」自虐的行為公然藐視虛偽的傳統倫理和物慾至上主義，在當時的美國社會攪起陣陣波瀾，這無疑是需要勇氣的。需要指出的是，多數BG和嬉皮士並不如有的批評家所說逃避現實，他們後來大都積極投入了反越戰，包括爭取種族平等、婦女解放在內的民權、生態保護運動。金斯伯格和肯·克西就是如此。
肯·克西的《飛越布穀鳥巢》同塞林格的《麥田守望者》和克魯亞克的《在路上》一樣已成為BG和嬉皮士反文化運動的經典著作。美國及西方各大媒體對肯·克西的去世反應熱烈，稱他是嬉皮士時代的催生者和見證人，是一位嚴肅的小說家，可以同菲力普·羅思（Philip Roth）和約瑟夫·海勒（Joseph Heller）相提並論。他的歷史意義在於：把50年代發端的波西米亞「垮掉一代」運動同60年代的反文化／嬉皮士運動聯系了起來。他們極端的反叛方式現在當然不會再具有當日那樣的吸引力，可張揚個性，嚮往自由，不循規道矩，追求冒險新奇這些理念及世界范圍內許多業已接受、習以為常的先鋒／前衛行為，應該是他們留下的精神遺產。

⑼ 《飛越瘋人院》評價高是因為什麼

上映於1975年的電影《飛越瘋人院》是當年度電影界當之無愧的贏家，影片於當年一舉斬獲奧斯卡最佳影片，最佳男、女主角，最佳導演和最佳改編劇本五項大獎。除了獲得了專業評論家的青睞，電影同時收獲了大眾的口碑，時至今日，都被認為是不可多得的佳作，在時間的長河中熠熠生輝。

眾人給予《飛越瘋人院》超高評價的最主要原因是電影傳達了一種追求自由的反叛精神，這種精神同時表現在不願屈從體制、敢於斗爭、勇於擺脫思想的桎梏並幫助身邊的人覺醒。男主傑克·尼科爾森扮演的麥克墨菲作為影片的靈魂人物，對於整個電影的劇情和高度起到推波助瀾的作用。他將一個玩世不恭、機智靈動的假精神病人展現的淋漓盡致。這個角色會因為自己愚弄了制度而沾沾自喜，也會因為幫助了真正的精神病人走出牢籠而興奮不已。

當然，《飛越瘋人院》獲得高評價的原因不僅是演員無可挑剔的表演，還離不開導演米洛斯·福爾曼掌控全局以及出乎意料的選角。導演敢於將一批毫無名氣、長相滑稽的素人演員用於這部潛心力作之中，並置於真正的瘋人院中，這份自信就值得大家贊賞。同時，導演為了忠實原著而使用了小說中刻畫的場景，這讓書迷同時很感動，並給予了電影更為真實的質感，很多人認為這部電影有著紀錄片屬性，也正是源於此。

對於一部1975年的電影來說，能夠展現給大家反叛和斗爭的精神，這本身就是偉大的存在意義。只要還有著壓迫和不平等，《飛越瘋人院》就永遠值得贊美。