電影演員的運動是

㈠ 影視表演基礎知識介紹

影視表演基礎知識介紹

電影表演繼承了戲劇表演中許多適合於電影表演的原則和方法。下面我來給大家講講影視表演基礎知識，有志於此的朋友快來看看吧。

電影的四大片種

(一)故事片 數量最大、社會影響最廣泛

基本特徵：由演員扮演片中人物;有完整的故事情節;運用蒙太奇思維進行典型化的藝術概括。

(二)紀錄片 嚴格的真實性，不容許弄虛作假和無中生有

(三)科教片 嚴格的、准確的科學性，也講究藝術性

(四)美術片

動畫片、剪紙片、木偶片、折紙片的總稱。

法國人埃米爾 雷諾為動畫片的先驅。

20年代，美國人華爾特 迪斯尼攝制了以米老鼠和唐老鴨為主角的系列動畫片。「萬氏兄弟」是中國動畫片的先驅，1926年 無聲動畫短片《大鬧畫室》

影視藝術的形式要素和藝術手段

空鏡頭：畫面里不出現人物或動物的鏡頭，又叫景物鏡頭。

主觀鏡頭：影片中通過某一人物的視線來觀察、表現對象的鏡頭。這種鏡頭表示的是片中角色的視角，反映他的心理狀態和感情色彩。

客觀鏡頭：用不參與劇情的旁觀或中立的視角拍攝的鏡頭。一部影片中的絕大部分鏡頭都是客觀鏡頭，它擔負著敘述劇情、介紹環境、刻畫人物、烘托氣氛等劇作任務和通過畫面體現風格的藝術表現功能。

影視畫面的造型元素——造型元素包括構圖、光、色。

場面調度——源於法文Mise-en-sence，意為「擺在適當的位置」，或「放在場景中」。最初這個詞只用於舞台劇方面。被引入到電影創作後，是指導演對畫框內事物的安排。

演員調度和鏡頭調度

演員調度和鏡頭調度的完美結合，即是影視的場面調度。

演員調度：導演對演員扮演的人物在劇中的行為、運動方向、所處位置以及演員和演員之間相互交流時產生的動作與位置的變化的調度。

鏡頭調度：即是指攝影機的調度。

聲音

電影的聲音包括人物聲、自然聲、音樂和畫外音。

人聲主要由對話、獨白、旁白組成。

對話是指兩人或者兩人以上相互交流的聲音。

獨白是指畫面中人物單獨說話的聲音。

旁白是指畫面時空以外的人所發出的聲音。

自然聲：我們在自然界能聽到的一切音響，包括風聲、雨聲、流水聲、動物叫聲等。

畫外音：聲源以外的各種聲音。旁白和解說等也是畫外音，在塑造人物、結構時空等方面的作用日益受到電影創作者的重視。

聲與畫的關系

三種主要的關系：聲畫同步、聲畫對位、聲畫分立。

聲畫同步：聲音和畫面相一致，是電影敘述中最常用的一種聲畫關系，它使得電影在藝術表現上產生逼真、自然的效果。

聲畫對位：把按不同節奏發展的聲音和畫面組成統一的銀幕形象，並在這個銀幕形象中相互作用，產生蒙太奇結構。聲畫形象相互作用的方式通常是畫外音;也可以是造成某種對比。

聲畫分立：電影畫面和聲音聲源有一定聯系，但又使之互相分離的一種剪接方式。

蒙太奇

定義：法語montage一詞的音譯，原是構成、裝配的意思，用於電影藝術後，意為剪接、組合。一部電影就是運用蒙太奇的手段按照既定的情節、節奏將單個的鏡頭組合成場面進而形成段落並最終完成的。

美國的格里菲斯是真正使蒙太奇成為藝術手法的大師，被稱作蒙太奇的創始人。

長鏡頭

長鏡頭理論是電影技術、藝術高度發展的必然結果。20世紀50年代法國電影理論家安德烈¤巴贊和德國電影理論家克拉考爾等人對長鏡頭作了細致而又深入的研究。

定義：用一個持續時間相當長的鏡頭連續對一個場景、藝術內容進行拍攝，形成一個比較完整的鏡頭段落。

影視的表演藝術

演員的雙重自我——體驗派表演學派——表現派表演學派

電影表演的類型——本色表演-性格表演

世界電影藝術的發展歷程

世界電影藝術的形成期(1895-1930)

默片時代

1895年12月28日，法國盧米埃爾兄弟拍攝了《火車進站》，它成了電影這門藝術的開山鼻祖。

在電影的默片時代，盧米埃爾兄弟、法國藝術家喬治 梅里愛和美國著名導演大衛 格里菲斯等人都分別為電影藝術的發展做出了巨大貢獻。

盧米埃爾兄弟：客觀再現生活

被稱為「電影之父」。 經典作品：《火車進站》、《水澆園丁》等。

喬治 梅里愛：電影戲劇化先驅

他系統的將戲劇藝術的一些基本原則和操作方法如沖突律，服裝、道具、布景、化妝，以及場、景、幕的劃分等成功的運用到電影製作中，使電影故事化、情節化、戲劇化。這是對盧米埃爾電影直接攝錄生活的重要突破。

為了使電影更好地表現生活，他運用了多種攝影技巧和表現方式來獲得特殊的藝術效果。他發明了停機再拍、多次曝光、疊印與合成、搖晃拍攝、快慢動作等特技表現，至今仍在電影創作中使用，對電影語言的發展作出了大量的貢獻。

代表作 《月球旅行記》

大衛 格里菲斯 ：電影藝術的奠基人

他在攝影鏡頭和電影蒙太奇方面進行了積極探索，他是世界電影史上第一個真正意義上的電影藝術導演，被公認為世界電影藝術的奠基人，更被後人稱為°好萊塢技術主義的代表±。

代表作：《一個國家的誕生》、《黨同伐異》

他在影片中大量運用平行蒙太奇、交叉蒙太奇、對比蒙太奇等藝術手法，創造了世界電影史上著名的「最後一分鍾營救」，至今在電影創作中廣泛應用。

查爾斯 卓別林著名喜劇大師

啞劇表演，強化形體動作語言，設計了大膽而誇張、極富個性的表演。

代表作《摩登時代》、《淘金記》、《舞台生涯》

世界電影的成熟期(1930-1966)

20年代末，美國華納公司拍攝的《爵士歌王》，宣告了有聲電影的誕生，1935年，馬摩里安攝制了第一部電影《浮華世界》。從此，構成電影藝術的三大基本元素畫面、聲音、色彩已經全部具備，電影走向更完美的成熟。

蘇聯蒙太奇學派

在蘇俄電影的廢墟上，愛森斯坦的`不朽傑作《戰艦波將金號》以其全新的革命內容和精湛的藝術形式震動了世界影壇，標志著蘇聯電影學派的興起。

著名的蘇聯電影大師：愛森斯坦、普多夫金、庫里肖夫。

義大利新現實主義電影

義大利新現實主義電影運動一般認為只有六年的歷史，即從1945——1950.

1945年，羅西里尼拍攝的《羅馬，不設防的城市》是它的開山之作，宣告了義大利新現實主義電影的正式誕生。

兩個口號：「還我普通人」、「把攝像機扛到大街上」

「還我普通人」——新現實主義的核心

主要作品：羅西里尼戰後三部曲《羅馬——不設防的城市》、《游擊隊》、《德意志零年》。西卡 《偷自行車的人》、桑蒂斯《羅馬11時》

「把攝像機扛到大街上」——新現實主義的創新

這是在技術上提出的口號。它創立了一種與好萊塢電影相對立的新的電影美學，即紀實主義電影美學，直接啟發了巴贊的長鏡頭電影理論。

法國新浪潮電影運動

「電影手冊」派和「作者電影」論

五位核心人員：夏布羅爾、特呂弗、戈達爾、里維特、羅伯爾

「作者電影」理論：要求每部電影都像一部小說、一幅畫一樣，只是一個人的作品。這實際上是導演中心論。

夏布羅爾1958年拍攝的《漂亮的塞爾日》揭開了法國新浪潮電影的序幕，特呂弗1959年拍攝的自傳體電影《四百下》奠定了新浪潮電影運動的基礎。

「左岸派」是新浪潮電影的重要流派，以「作者電影」理論為指導。巴黎塞納河畔聚集了一批文學家出身的電影導演，他們被稱為「左岸派」

代表人物：阿倫 雷乃 《廣島之戀》《去年在馬里昂巴德》

新德國電影運動

從1962年「奧伯豪森宣言」開始，在西德境內掀起的一次要求改變舊德國電影現狀，創立具有獨特藝術風格的電影藝術運動。這一運動前後延續了20多年，是持續時間最長的一次電影運動。

㈡ 電影《弱點》中大個子邁克爾的演員是真的橄欖球運動員嗎他很有名嗎在當地這部影片是他的首演

網上關於這個電影的介紹不少，我實在不喜歡復制，所以我用自己的話簡單說一下：
電影《弱點》是根據同名小說改編的，但這個故事是真實的，所以邁克爾·奧赫是確有其人的，電影最後選秀的那段影像相信你看到了，但電影中扮演他的昆東·亞倫（Quinton Aaron)卻不是橄欖球運動員，他可是導演千辛萬苦找到的最適合扮演邁克爾·奧赫的演員，原因就很簡單了，邁克爾·奧赫的身高和體重在那擺著，好萊塢帥哥有的是，這種類型的就少之又少了，昆東·亞倫不僅達標，還超額完成了任務，實屬不易……昆東·亞倫這類型的演員是不太可能大紅大紫的，但這也不是他的第一部電影，至少08年我就看過一部叫《王牌製作人》（好像是這個名，記不清了……）的影片，裡面就有他。
希望回答還讓你滿意

㈢ 中國影視女演員陶虹當年練花樣游泳時的水平怎麼樣

可謂人生贏家

從體育圈進入娛樂圈發展的人不少，但在兩邊都有所成就的真不多，陶虹算一個。她成為演員後拿過華表獎最佳女演員、金雞獎最佳女主角這樣的殊榮，又嫁給了這些年風光無限徐崢，可謂人生贏家。而之前做花樣游泳運動員時，也不是簡單的體校級別，而是國家隊成員，沒少為國爭光。

陶虹是幸運的，文體兩條路都取得了大多數人一生拿不到的榮譽，看來徐崢是很有眼光的。無論到了什麼樣的級別，總之有一點，陶虹在當運動員的時候沒有如今這么閃亮的名氣，或者這樣說，認識陶虹的人不是很多。真正讓陶虹出名、並且讓觀眾記住的，是陶虹從影後這若干年，也就是說，是電影成就了陶虹，從而讓他們互不分離。從運動員到演員，陶虹完成了生命中最完美的轉身，華麗、驚艷，盡管運動員和演員體驗著不同的滋味，運動員更多的是單純、重復、辛苦，而演員則給予她更多的心動與激動人心，但無論怎樣，陶虹都是優秀的。從花樣游泳運動員到演員，陶虹的每一步都走得踏實堅定，在不同的領域都取得了成就。

㈣ 拍攝時為什麼要改變演員真實運動方向

在電影中，不論演員出場還是退場，有一種方法都管用，那就是轉變演員行走方向。剛開始拍攝時，演員在前面走著，攝像機在旁邊跟著，一定要跟好了，不能讓演員走出畫面。

這樣走了一陣，到鏡頭差不多要結束時，演員轉身朝著攝影機走過來，同時攝影機也要慢下來，最終靜止不動。基本的拍攝技巧就是這樣。當演員出場時，如果要採用這種方法，你得讓他們轉身之後開始錄一段話，或者開始一些表演。還有一點需要注意，演員不能是第一次出現，觀眾應該認識他們，這次出場只是為觀眾呈現一個新段落或是一個新場景。

當拍攝退場時，演員在轉身之後一直走一直走，超過攝影機。這種退場不是最終的消失，他只是表明演員從這個場景里出來了，正在走向一個新的場景。至於他們去了哪裡，不久就會揭曉的。

拍攝之前，先要設定好鏡頭最後的方位，演員也要清楚自己最終要走到哪裡。只有事先確定好拍攝路線，才能掌握攝影機的高度和拍攝角度，這樣在拍攝過程中，就只需要跟拍，而不需要設置其他參數了。跟拍的時候，你可能需要稍微調整一下拍攝的角度，以保證能拍全演員，但是整個動態的效果主要還是得靠攝影機的移動來營造。

這樣的場景中，跟拍的難點在於時間的掌控，因為攝影機和演員的方向是不一樣的，所以正式拍攝之前不妨多練習幾次。拍攝的時候可以有對話，只要你有無線麥克風就可行。但如果劇情中沒有的對話，那就拍短點吧。

㈤ 電影拍攝中,地域方向是指

電影拍攝中，地域方向是指演員從一個地點運動到另一個地點的方向。

電影拍時演員需要移動變換位置，以滿足拍攝需求。拍攝時演員從一個地點運動到另一個地點的方向就叫做地域方向。一般來說，地域方向是提前策劃好的，方便演員在拍攝過程中運動而不會搞亂方向，影響拍攝。

電影拍攝手法

1、移軸

移軸所拍攝的照片效果就像是縮微模型一樣，非常特別。移軸鏡頭的作用，本來主要是用來修正以普通廣角鏡拍照時所產生出的透視問題，但後來卻被廣泛利用來創作變化景深聚焦點位置的攝影作品。

2、搖鏡頭

搖鏡頭是拍攝視頻中的一種拍攝手法，指的是當攝像機機位不動，藉助於三角架上的活動底盤或拍攝者自身做支點，變動攝像機光學鏡頭軸線的拍攝方法。

3、推鏡頭

推鏡頭是視頻拍攝中常用的手法之一，攝像機鏡頭與畫面逐漸靠近，畫面外框逐漸縮小，畫面內的景物逐漸放大，使觀眾的視線從整體看到某一布局，這種推鏡頭可以引導觀眾更深刻地感受角色的內心活動，加強情緒氣氛的烘托。

4、拉鏡頭

拉鏡頭是將攝影機放在移動車上，對著人物或景物向後拉遠所攝取的畫面。攝影機逐漸遠離被攝主體，畫面就從一個局部逐漸擴展，使觀眾視點後移，看到局部和整體之間的聯系。

5、特寫

特寫是指在電影中拍攝人像的面部，人體的某一局部，一件物品的某一細部的鏡頭。最早由美國早期電影導演格里菲斯等人創造、使用。它的出現和運用，豐富和增強了電影藝術獨特的表現力，歷來是電影美學。

㈥ 表演藝術對演員有哪些要求

同學你好，2020屆樹藝學姐拿到了雲南藝術學院全省第一名的好成績，還進入了北電的終試，樹藝學長也拿到了北京電影學院導演專業和中央戲劇學院導演專業的合格證，樹藝聘請的也是北京電影學院的研究生畢業老師全職授課，所以還是有一些影視表演經驗可以傳授的！

01

表演藝考中的台詞技巧

1、說好普通話

作為一名演員首先必須要說好普通話。中國有八大方言區：北方話、吳話、湘語、贛語、客家話、閩北話、粵語。如果考生只能說家鄉話，而且又極難糾正為普通話，是很難成為合格的演員的。

2、聲音條件很關鍵

一個演員具備優美的聲音，能給觀眾帶來精神上的享受，而反之嘶啞的嗓音會使人物的語言黯然失色。因此，在選拔一個演員時，考察他的聲音條件是很重要的，這直接關繫到將來對人物的塑造。

3、正確理解作品，准確表達內涵

一個考生要想朗誦好一篇文學稿件需要進行深入、細致地理解。因為朗誦是在作品的基礎之上演員進行的藝術再創造，所以，考官對考生在理解和表達作品內容方面要進行細致的考查。

4、選材很重要

在朗誦考試時，選擇一篇既好同時又適合自己的材料是取得成功的一個關鍵。因為，選擇材料的好壞直接關繫到你朗誦的效果。選擇自己能夠理解的，同時又好表達的，藝術性較強，有一定的思想性的材料。

5、語言要生活

考生在朗誦時既要學會運用語言來表達作品的內涵，同時又要用自己的形式來表達情感。不能有「朗誦腔」，盡量使語言接近生活，不能「假」「大」「空」。首先要讓觀眾或聽眾能聽懂、聽明白，在語言的運用上要生活化、自然、貼近生活。語言的處理要從作品的內容出發，不要做作，要有真實的情感體驗。

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表演藝考中的台詞四要素

台詞不是背出來的，是發自人物肺腑而說出來的，聲音好聽或普通話標准不等於說好了台詞，而把台詞背得滾瓜爛熟更也不代表台詞很好，只有按照人物的思想、情感並賦有潛台詞含義而說出來的語言，才是演員真正的台詞。

所以背出來的台詞是空洞乏力的。如何做到說台詞，作為表演藝考生應要掌握以下四個要素：

(1)弄清楚這句話是在什麼場合說的——地點

(2)弄清楚這句話是與什麼人物說的——對象

(3)弄清楚這句話是以什麼情緒說的——狀態

(4)弄清楚這句話是為什麼動機說的——目的

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表演藝考中的節奏技巧

1、演員的表演。首先是現實中人的生活過程的再現，既然節奏是生活中不可缺少的運動，所以「電影角色要以人類的有機性去建立起角色的有機性。電影演員的創作只有一條途徑，就是遵循人類的規律。」

2、在表演這一藝術領域里，節奏是通過形體的表現(外在的)和心理的反應(內心的)感覺和理解它，其專業術語被稱之為「表演的速度節奏」。它來源於斯坦尼體系術語，是表演技術諸元素之一。

節奏作為幫助演員激起正確體驗和情感的技術，也是形成舞台演出節奏和情緒氛圍的重要手段。速度一般指內、外部動作的快慢，是節奏的構成部分和外在表現之一；節奏則是貫穿在表演過程中的一種交替出現的有規律的現象，一般指內、外部動作的強弱、長短、張弛等。

例如，常說的「演出不合節奏」，不僅只是針對速率而言，同時也指演員的行動和體驗的強度，也就是實現舞台事件時內心情感激動的程度。除此之外，節奏這個概念還包含節奏性，即行動的某種均勻性它在時間和空間上的安排。

斯坦尼說：「劇本或角色的速度節奏要是找對了，能自然地直接地，有時是機械式地抓住演員的感情，激發正確的體驗。」由此可見，行動的速度節奏不僅可以激起演員的情緒體驗，而且可以創造出一定的情緒氛圍，幫助演員准確地掌握好規定情境中人物的任務和行動。在一部影片中，銀幕節奏是電影多種手段綜合處理的結果。

隨著事件情節的發展，對人物節奏的處理也應有所不同，最終體現出人物性格的統一性和多面性。在這個意義上，正如瑞典著名的兩棲導演英格瑪？伯格曼說：「節奏是至關重要的，永遠是至關重要的。」不同的性格決定了不同人物的個性，同時決定了不同的動作節奏，而節奏反映出的准確性將反作用於人物的性格。

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表演藝考中的人物性格技巧

一部影片對演員表演最基本的要求是銀幕上塑造具有鮮明個性的、自然而真實的人物形象。

要使觀眾通過演員的表演感受到活生生的人物獨特的氣質和巨大的性格力量，就必須從分析人物性格入手。人物的性格又通常可以理解為人物處理事情的方式和方法，而人物的思想和情緒則是性格的一個組成部分。

人物的性格基調是角色內心變化的基礎和依據，而節奏的體現就是角色內心變化的過程。既然節奏是一切運動的組織原則，當掌握了一部影片角色的整體節奏之後，也就掌握了「角色的性格基調」。

而演員可以十分有目的地把任何一個過程，根據花費最少的力量而達到最大效果的原則，把對角色每個片段的分析、人物基調的把握、行為動作的設計有規律地組成一個統一整體。

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表演藝考中的節奏與人物性格多面性

1、表演節奏與人物性格的多面性「表演藝術創造角色的歷程，經歷了由表演程式一人表現人一人演人的過程。」「人演人」的階段就是需要演員創造生活化的角色，這是由電影的紀實性決定的。既然生活中自然人的性格基調不是單一的，總是復雜的，多側面多色彩的性格就必然有著一定的節奏規律。

2、表演節奏與人物性格的畸變現實生活本身充滿了真假、善惡、美醜、光明與黑暗的對立統一，戲劇如同其他的表現形式一樣，都是反映現實生活並做出自己評價的，「沒有沖突就沒有戲劇」這句話正是強調了對立統一在戲劇中的重要性。人物性格的畸變也是「沖突」的表現手段之一。

性格的畸變是人物性格多面性構成的表現之一，但畸變是通過某種突發事件，打亂了人物本來有規律的生活狀態，從而造成了人物性格前後的極大反差，因此它與人物本身所具有的性格側面又有所不同。

在影片中，隨著人物前後性格極大反差的轉變，同時造成了人物節奏變化的差異。原本是各種成分有機的聯系，服從於一個具體的有意義的組織，一旦突發事件引起的矛盾沖突破壞了這個組織，也就出現了原有性格的表演節奏差異現象。這種現象並不是指簡單的無序的差異，而是要建立在人物性格基調之上，前後有聯系的差異。

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表演藝考中理性感性節奏的結合

節奏把握中理性和感性的結合，既是表演藝術不可逾越的起點(不論一個演員在理性上有沒有節奏的意識，他的舉手投足都已具有了節奏的屬性)，又是表演藝術在高層次上的造詣(能被譽為「很有節奏」的表演，將是很高的表演創作境界)。

理性地分析出各層次的表演，才能使情緒的強烈程度、性格前後的差別以及節奏張弛的變化做到「有度」。過於「理性」可能會使人物看起來模式化，甚至呆板而無張力；過於「感性」又可能會出現舞台劇式的誇張，甚至跳出角色身份的范疇而脫離整個劇本。

只有在表演節奏上依照「理性」與「感性」有機的結合，一部電影角色的真實性才能不溫不火地得到體現最終使人物的性格基調和多面性同時匯集起來凝聚成完整的人物形象。

㈦ 在拍攝電影的過程中,一名演員從沿水平方向勻速直線運動的飛機上跳下.為了保護演員的安全，演員身上系著

因為飛機是勻速直線運動，因此演員下落時要跟飛機在勻速直線運動，因為慣性。排除A和D，但是因為有橡膠繩，所以演員到達極限後會被橡膠繩牽制，不能形成B圖的弧度，因此應選C。
希望對你有幫助，呵呵~

㈧ 場面調度的依據是