電影演員跟導演怎麼宣傳

⑴ 電影的導演、製片人、監制、編劇、策劃、出品人等都是干什麼的大小順序是什麼

一般製作人許可權最大，導演其次。其它沒有大小順序,只是分工不同。

1.導演：主要負責電影中的演出部份，以及管理電影中的創意部份。如張藝謀、馮小剛。

2.製片人：可能是個人，也可能是公司。負責劇本統籌、前期籌備、組建攝制組（包括演職人員以及攝制器材的合同簽訂）、攝制資金成本核算、財務審核；執行拍攝生產、後期製作；協助投資方國內、外發行和國內、外申報參獎等工作。如華誼兄弟、王中軍。

3.監制：可能和製片人是同一個人，也可能另有其人。管理整個電視或電影拍片流程相關環節的一切工作，如工作人員的尋找與協調，預算的控制，拍攝時間的進度等，讓電影能在合理的時間與預算下完成。

4.編劇：以文字的形式表述節目或影視的整體設計，作品就叫劇本，是影視劇、話劇中的表演藍本，成就突出的職業編劇被稱為劇作家。如電視劇《母儀天下》的王伊。

5.策劃：製片前中後期及過程中的對內製片工作和對外宣傳，廣告等等方面的工作，從而使電影產生最大的經濟效益。

6.出品人：影片的投資人。影片的商業屬性，決定了製片人是一部片子的主宰，有權決定拍攝影片的一切事務，包括投拍什麼樣的劇本，聘請導演、攝影師、演員和派出影片監制代表它管理攝制資金，審核拍攝經費並控制拍片的全過程。

拓展資料

電影製作流程：

1、選擇劇本

這是最重要的,一般是由製片人來選擇劇本,但是也不缺乏導演來選擇劇本的,但是導演在選擇了一部好的劇本之後就要說服公司以及製片人,來為他投資,但是在21世紀的電影中導演是沒有劇本改編權利的,如果他在開拍前希望改變劇本就必須經過公司上層董事會的批准。

2、資金

電影的成本不僅包括導演，編劇，攝像，演員，場景，拍攝，後期，食宿行等的費用，而且包括市場營銷及宣傳的費用，通常市場營銷及宣傳費用等於拍攝費用或1/2的拍攝費用。每部電影根據概念和要求的不同，可以分為小成本電影，中型製作電影，和大製作電影。小成本電影基本在1000萬人民幣以下，中型製作電影成本基本在1000-8000萬人民幣左右，大製作電影成本在8000萬元以上。

國產小成本電影代表作《失戀33天》（約900萬人民幣，不含宣傳費用），國產中型製作電影代表作《人在囧途之泰囧》（約3000-4000萬人民幣，不含宣傳費用），好萊塢大製作電影代表作《阿凡達》（約6億美元，不含宣傳費用）。

3、選擇導演演員

中國電影不會有選擇導演這種說法的,在一部電影里導演說的算,這就意味著他們不僅要對電影的質量負責還要對片場的其他方面負責,而國際電影製作中導演只需要負責好電影拍攝的任務. 在國際化的電影製作中是劇本選擇導演,而不是導演選擇劇本. 製片人在電影籌備時還要擔當起選擇演員的任務,在中國大陸這些都是由副導演來完成的。

4、明星陣容

在一部成功的電影中,不僅要有很棒的劇本,很好的故事情節,好的導演.最重要的是有大牌明星的參與. 明星是電影中閃亮的焦點,也是電影票房的保障。

5、組建攝制組

攝影組包括：場記、化妝、道具、燈光、美術、後期指導、跟組剪接。

6、電影剪接

在美國的商業電影中,導演是沒有剪接權利的,都是由製片公司進行剪接,但是如果是一線導演的話,那就不同了。

7、發行商

商業電影中發行商和製片商不是一家,發行商是通過競爭來取得發行權,一部電影的好壞也可以通過看發行商來表現。

8、宣傳方式

就拿<強戰世界>來說,早在電影放影4個月前電影的廣告和宣傳海報就已經出爐。

9、電影國際發行

發放電影配音權,剪編權。

10、參加電影節

⑵ 作為導演，如何引導演員表演

雖然我覺得用掌控這個詞有點問題,但還是想從以下幾點說說自己的見解：

3 盡量用簡練 精確 的詞或短語 告訴演員你想讓他/她表演的事情/狀態:例如在拍攝電影《少年的你》時，曾國祥和冬哥（周冬雨）就是很熟，可以直接和她說剛才那條演的很差，可以訓她、和她開玩笑。有時候她也很質疑自己，曾導就會安慰鼓勵她說其實那條演的很好。千璽雖然是個新演員，但是他很感性，也很敏感。一進組就看出他很清楚自己要做一個演員，對劇本很了解，也很喜歡這個劇本。他也問了曾導很多問題，對角色的了解很深。可能因為千璽在小北身上找自己的影子然後投入進去，就很快地找到了角色的狀態。因此和千璽不用討論太多，他話也不多，拍攝時候和他講這場戲發生了什麼、節奏是怎麼樣就足夠了。遇到比較重的感情戲他有時也會找不到切入點，很難投入進去，這時候就可以給他多一點時間培養情緒，和他多說一點小北的背景和家庭歷史，幫助他更好地了解這個角色。他自己也會找方法，比如他會找一些情緒上和那場戲很近的文字，不斷地看那些文字，給自己建立情緒。

最後我想說：沒有不好的演員 只有不好的導演。一出好戲是需要演員和導演一起努力的結果。

⑶ 公司拍攝宣傳影片，演員如何做到生動自然

對於表演者來說，鏡頭感是指：演員表演生動自然，所做的表情、肢體語言能被鏡頭以最佳角度記錄。-


對於一個演員來說，沒有什麼比鏡頭表現力更重要的了。

從試鏡、角色試戲到進入拍攝，這些都需要演員在鏡頭前完成，可以說，除了演戲時的搭檔，鏡頭就是演員最親密的「同伴」。

影視劇是由一個個鏡頭組成，「鏡頭感」既是演員的敲門磚又是表演必備能力。

我們通常所說的「演戲」著重的是演員的表演能力，而「拍戲」著重的是演員的鏡頭表現力，所以培養好的鏡頭感必不可少。

鏡頭感強的人在畫面里是鮮活的、生動的，通常表現出放鬆自然、舒展的狀態。他們能快速抓住觀眾的目光、不浪費任何一個鏡頭展現自己魅力。

在影視劇中，鏡頭分為全景、近景、特寫等，需要演員多角度的展示自己。

你在鏡頭前的表演足夠輕松自然嗎？
你對自己的肢體語言、眼神表達、表情管理有足夠的自信嗎？
你對自己的面部角度有足夠的了解嗎？

事實上，想培養出好的鏡頭感非常不容易。

首先要知道所有的表演都要在鏡頭的限制范圍內進行，要找准鏡頭的准確方位，適應「劃定的」表演區域。

經常就有演員演著演著出畫了，走出了拍攝區域，又要重拍。

而且不同鏡頭要求演員用不同的表演分寸和手段去體現。

全景拍攝的時候，要多注意用肢體動作來表現人物情感，不用特意在局部細節多下功夫。

近景拍攝的時候，要注意動作不宜太大，注重細節表達。

拍特寫的時候，要全神貫注地把精力放在特寫區域。

這里需要注意一件事。

張藝謀導演說，電影拍臉部特寫的時候，基本上臉上就不能有大動作了，只能用眼神來傳達情感。

因為鏡頭貼近你的時候，你的細微動作都會被放大，作為角色詮釋的一部分。輕微的皺眉挑眉、抿唇、甚至呼吸輕重都會被認為在傳遞某種信息。

這時候，面部表情的每一個細節傳達的都是「角色」的情感，因此，面部控制就顯得尤其重要。

鏡頭表現力是需要演員不斷實踐、不斷訓練、不斷積累表演經驗得來的。

但是，即使有了很多的表演經驗，也不是每個演員都能明確知道自己在鏡頭前的習慣性錯誤。

每個演員都可以學著去提高他們的鏡頭表演技巧。

你對鏡前表演經歷、試鏡要求的認知越清醒, 就越能通過這個過程去開發你的技巧及行使控制權。

⑷ 電影和電視劇導演拍戲時每天分別做些什麼工作,要具體的.

導演的職責和工作：
1、籌備階段：參與劇本的構思，寫作或修訂，把劇本琢磨透，查閱相關資料，體驗人物生活、環境、習俗，並選外景；
（1）研究劇本；（2）遴選演員；
（3）寫導演闡述，並向攝制組全體成員講解，並進行討論，達到統一認識。
導演闡述是導演對未來影片或電視劇描繪的藍圖，是導演創作意圖和完整構思的說明，也是導演的綱領性的整體設計。
導演闡述從內容看一般包括以下幾點：
對劇本的立意，主題思想、時代背景等方面的闡述。
對劇中主要人物的分析。
對劇中矛盾沖突的理解和把握。
對未來影片風格樣式的定位。
對節奏的處理。
對表演、攝影（像）、美術、化妝、服裝、道具等創作的構想和造型設計的要求及審定。
對音樂（作曲）、錄音、剪輯等各創作部門的提示及審定。
對劇中需要運用特技處理的部分提出要求，以便與特技部門協商處理。
（4）選景
（5）創作分鏡頭劇本：削弱、淡化、刪減；突出、強化、豐富、增補。
2、實際拍攝期：指揮現場拍攝，耐心啟發、誘導演員的表演，同時協調各部門的關系。
（1）在製作期一定要控制好進度。（在時間和預算間尋找平衡點）
（2）和演員以及所有的劇組成員友好相處。
交代機位、干練（試著讓攝像機跟著演員走位）一定要記住：最值得關注的事是攝像機前發生的事！
積極和演員溝通（站在攝像機旁給演員說戲）
解決好工作人員和劇組之間的利益糾紛。
3、後期製作：指導和依靠剪輯部門，完成鏡頭的組接和聲畫合成等後期製作，直至通過送審
（1）看工作樣片，和剪輯師商量如何（剪輯）操作。（到放映室）
（2）對剪輯後的毛片進行評估，確定剪輯師的剪輯是否與自己的構思一致。
4、發行期：配合製片人和宣傳人對影片進行商業發行運作，直到發行上映。有時還要參加宣傳活動。

⑸ 導演如何給演員說戲（轉）求解

導演在給演員第一次說戲的時候,首先必須自己進入角色,打動自己.
這只是導演的案頭功課,是在第一次給演員說戲的時候已經完成的.
我們非常反對讓演員創造角色,同時我們也非常反對演員對自己的角色一無所知,除非有特殊的原因,比如,你特別需要使用到演員與角色間離,做陌生化處理,並且你的演員都是經過專業訓練,能自如地控制身體的每一塊肌肉.
一般,我們拍片,給演員說戲不會只有一次.因為我們的演員未必多是經過專門的訓練.沒有受過專門訓練的演員也可以成為一個非常好的電影演員.只要這個演員的智商達到普通人的標准就行.剩餘的都應該是導演的功課.
如果對應戲劇導演的理論,前者是布萊希特的導戲方式,而後者是斯坦尼斯拉夫斯基的導戲方式.
電影不能和戲劇搞混了,電影除了鏡頭內調度,還存在鏡頭外部調度和景別調度.
比如,我們經常會要求演員走一段很長的路,這個時候,我們不能告訴演員,你從這里走到那裡.而是要明確地告訴演員:你從這條線走到那條線,在走到這個地方的時候,你應該撓撓頭,在走的那個地方的時候你應該稍微停頓一下......這樣演員就明確知道該如何表演.同時,導演再需要強調一下演員為什麼要走這一條路,演員的動機和目的以及此刻的心情,上一個鏡頭是什麼,下一個鏡頭是什麼,演員的性格應該會用如何的步速和走路時候的搖擺幅度.等等
在要求演員走一段路這么簡單的一個動作調度的時候,導演就要作出那麼多的解釋和要求.在做其他的動作時,導演更需要大量的口水來給演員說戲.
說到台詞,這又是導演的另一大功力.導演未必需要很強的台詞功底,未必需要說一口非常標準的舞台普通話,但是導演必須懂得台詞,必須深入研究過台詞這門學問.

⑹ 導演和演員怎麼合作

對於導演和演員的合作問題，很長時間以來電影界卻在以下幾個方面存在著相當大的分歧。

比如有的人不贊成用職業演員，都用非職業演員。愛森斯坦就曾經持這個主張，非職業演員在他的名片《戰艦波將金號》中卻也獲得了非凡的成功。

不過他後來還是用了職業演員，請契爾卡索夫演了伊凡雷帝。世界上絕大部分導演基本上都主張用職業演員，只是有時由於特殊的需要偶爾請一位非職業演員加入拍攝。

⑺ 導演常識

1.成為導演基本入門知識
導演首先要知道的是專業的知識，首推鏡頭知識，絕對的基本功，然後還有場面調度，安排演員走位，像男主角走3步到桌子前坐下女主角必須走4步到桌子前坐下這類問題。

然後是鏡頭感，所謂的鏡頭感不是演員的那種對鏡頭的敏感一喊開機立即自動補位而是導演對畫面的感悟力，人物是放在黃金分割線上還是正中？鏡頭里的道具要有哪些？如果是多人物那麼怎麼安排他們的站位？還有關於劇本的調度，劇本里拉拉雜雜一大堆話而你的電影要求它在3分鍾內解決，如何取捨？如何讓演員說完所有台詞鏡頭上一點也看不出無聊？如何調度鏡頭和機位？關於燈光——不需要知道具體的操作，但導演必須清楚打的燈是否符合畫面需要，是否美觀或者另有用意。 首先要給人當上一陣的執行導演，然後是副導；學習導演的工作。

在自己覺得基本上學會了後才能獨立幹活。 導演首先要知道的是專業的知識，首推鏡頭知識，絕對的基本功，然後還有場面調度，安排演員走位，像男主角走3步到桌子前坐下女主角必須走4步到桌子前坐下這類問題。

然後是鏡頭感，所謂的鏡頭感不是演員的那種對鏡頭的敏感一喊開機立即自動補位而是導演對畫面的感悟力，人物是放在黃金分割線上還是正中？鏡頭里的道具要有哪些？如果是多人物那麼怎麼安排他們的站位？還有關於劇本的調度，劇本里拉拉雜雜一大堆話而你的電影要求它在3分鍾內解決，如何取捨？如何讓演員說完所有台詞鏡頭上一點也看不出無聊？如何調度鏡頭和機位？關於燈光——不需要知道具體的操作，但導演必須清楚打的燈是否符合畫面需要，是否美觀或者另有用意。 除了專業知識，如果是作為商業片的導演那麼還應該具備一張巧嘴，或者身邊有會說話的人，他必須在拿到准備拍攝的劇本後跑電影局拿拍攝許可證，拿到以後還需要跑贊助商；贊助拉來後就是招募演員籌建劇組，開拍後導演身邊如果沒有一個好的協調人員那麼導演自己就必須是一個好的協調各方關系的人，別的不說，起碼在建組的這段時間哪怕互相有深仇大恨也得讓他們壓到劇組解散後再去解決。

拍戲的過程中如果有外景那麼勢必牽扯到一個與另一方協商的問題，是趁機拉個贊助讓他們無償提供場地將來電影里會出現他們的招牌之類的還是花錢租？租攝影棚或者影視城又需要協商雙方檔期問題，在公共場合拍攝還需要與管理部門打招呼——這些不是導演本身要做的，但導演應該在戲開拍前派人與他們協商好，一個劇組里導演最大，什麼事情都會問導演，所以管理知識必不可少。在戲拍完後進入後期，導演又要與後期人員共同製作。

片子做完了導演又得跑電影局要發行許可，跑院線商量具體上映時間——只有大導演的戲或者主旋律電影才是院線主動來找主動安排時間，其他的一概自己跑去。確定上映日期後開始帶著演員四處宣傳，找記者來開發布會之類。

跑完這些還有一項，找DVD、VCD發行商，如果電影賣的好一般是他們主動找上門來，但也有需要自己跑的。 很多東西是當了執行或者副導後才能從別的導演身上學來的，所以一般大家都是從執行甚至劇務干起。
2.怎樣才能成為一名導演
條條大路通導演，有從編劇做起的，像寧財神。有從攝影做起的，像張藝謀，顧長衛。有從演員做起的，像周星馳，姜文，徐靜蕾。美術方面，據說馮小剛導演是從舞美做起的。另外，據說武術指導有了成就之後也能當導演，代表人物袁和平。有從上學做起的，像陳凱歌導演，陸川導演（後者是跨專業讀研）。明星也可以做導演，像周傑倫，王力宏。當然以上都是電影方面的。且都是有名的人。肯定還有很多是我說不上來的。你再問問吧。

做導演不難。國內導演好多萬呢。難的是做一個作品口碑票房兼具的導演。

知識方面，當然是越廣越雜越好了。因為你的導演想法是要通過很多小細節來建構的。比如你作品裡需在出現一個足球運動員的角色來推動情節，這個時候，你如果對足球運動員的生活習慣，心理等等了解的話，那麼你就能信手拈來的去構思情節，如果你不是很了解，那麼你就需要再去了解，或者不得不推翻之前的構思，然後重新構思。

對音樂得懂點吧。你看有的影片作品裡，如果把音樂拿掉的話，它將會是什麼樣子的。同樣，美術，攝影，剪輯，演員表演等方面也都需要了解一些，所有的這些都是為了更方便你把頭腦中作品的樣子盡最大可能的還原到銀幕上或屏幕上。

技能。這個。多學導演理論吧。了解畫框內的人和物，你該怎麼去安排他們。他們的位置還有移動。或者，安排畫框怎麼移動。方向速度等等。當然這就是調度吧。怎樣讓演員表演出你想要的效果，怎麼啟發或交流，這個技能應該有吧。等等等。當然有了某此技能後，就差不多會向什麼什麼主義，什麼什麼美學方面發展了。

當然我也不是導演，我也在努力的去成為一個導演。

以上文字純屬yy，如有雷同，實屬巧合。（特聲明）
3.導演是不是各方面的知識都要懂
談不上精通，但是至少都要懂得.

當然這些方面通了也不一定能當好導演，畢竟導演還不是他們的綜合.

導演主要需要掌握的技巧有以下幾個方面

剪輯.你需要掌握一些蒙太奇技巧和敘事技巧，能夠准確表達你的意思或者讓觀眾看著舒服，符合視覺規律.

在認識上，導演需要對時間和空間以及節奏有自己的理解.

除了以上這些還需要學習編劇\美術等方面東西.

當然最重要的是導演的知識背景和文化修養.這就不光是學些技巧就行的，要不學會了也就是三流導演.
4.我想學習關於導演方面的知識,誰知道哪裡可以學到
買書，但是主要都是理論方面的.

不知道你想學習的是電影導演方面的知識還是戲劇導演方面的知識，反正<；戲劇大網路>；全書是必讀的；<；電影藝術詞典>；也是必讀的，全方位解析涉及電視電影方面的專業概念，<；導演藝術修養>；，還有一個外國人寫的表演方面的名著，作者名字太長忘了，叫什麼<；演員的表演技巧及自我修養>；，作導演，不能不了解演員吧.還有錄音方面的知識，照明，光線，機位，造型，美術，攝影，鏡頭運動等等.導演是很復雜的專業，同時也需要在藝術方面有較高的修養，當然還有編劇方面的能力，因為好導演都是自己寫劇本或者改編劇本，然後再用鏡頭來實現的.

除了書本內容，實踐當然最重要，找個劇組從臨時演員干起，最能了解整個拍攝過程的職業是場記，不要小看這些職業，是很基礎的導演功底.

最後，祝你早日實現夢想
5.導演是什麼意思
電影導演 導演是用別人的身體表達自己思想的人 舞台劇導演 舞台劇導演的工作是一個貫穿的完整過程，從劇本的閱讀、演員的選擇與合作，到舞台空間、服裝化妝、燈光等的設計，都是導演工作的組成部分。

歷史 相對戲劇歷史的源遠流長，導演身份的出現和確立確是很年輕的——這至少說明只有在戲劇的各種物質和精神要素都有了相當的積累發展後，才需要導演來統一各戲劇元素，來組織演出。 一般戲劇史公認的第一位導演是德國的梅寧根公爵。

在導演誕生之前，組織演出的工作由劇作家、富有經驗的主要演員或劇院經理來擔任。 隨著戲劇自身的發展，戲劇導演的定義也在與時俱進。

但回顧20世紀戲劇史，有一點毋庸置疑，即導演的權威和作用在戲劇演出中越來越重要。 導演寫作 因此，可以定義：導演是演出文本的作者。

所謂「演出文本」，區別於「劇本」，是指導演預先安排、排練了演出時的一切舞台要素，形成闡述劇本精神的活生生的舞台演出。我們判斷一個導演水平的高下，其實就是看他有沒有組織好戲劇元素，以契合劇本原旨的風格樣式，完成舞台敘事。

「導演寫作」的全部核心不外乎演員與觀眾，導演要做的就是要處理好演出時空內，演員與觀眾，演員與演員（有時還包括觀眾與觀眾）之間的關系。 。

⑻ 導演如何更好地與製片和編劇合作

導演如何更好地與製片和編劇合作

一部影視作品的質量，在很大程度上取決於導演的素質與修養；一部影視作品的風格，往往體現著導演的藝術風格和看待事物的價值觀。下面是我整理的導演如何更好地與製片和編劇合作，一起來看看吧。

導演如何更好地與製片和編劇合作

每部電影都有兩個方面：故事以及使之可視化的技術。做好導演，就得從以下幾個方面不斷進步。

學習故事發展的規則，然後打破它

傳統的劇本寫作有一系列條條框框的規則，新生導演必須好好研習它們進而去打破。

想一想呂克·戈達爾的巨大影響，多倫多電影節導演皮爾斯是這樣評價他的：「戈達爾挑戰了傳統觀念中電影的構成。他的創新，比如跳躍剪輯，直面攝像機拍攝，長鏡頭，聲畫分離，還有革新地使用演員，這一切都被以各種各樣的方式整合融入當代電影，音樂電視作品和廣告。他的著名言論『電影應該有開端，中間發展和結尾，但不一定以這樣的順序。』揭示了他的影視創作方法。他對於60年代在拉丁美洲，非洲和東歐的民族電影興起有著巨大的影響，歐美沒有任何一個重要的電影製作人能夠忽視他對於建立電影語法的激進挑戰。」

不要讓常規的電影訓練阻礙了創新

奧森威爾斯在沒有經過任何電影訓練和經歷的情況下，與雷電華電影公司簽約得到了作為導演的終剪權力。他的第一部電影《公民凱恩》的成功讓他在電影史中占據了一席之位。

威爾斯和他的團隊所發展的創新技術在今天仍未過時。他們為凱恩所創造的特殊的鏡頭讓他能夠進一步探索他的電影中每一幀的景深和其他細節。

學習導演的文法

很多人都想要導演電影，但很少人願意去學習視覺化敘述的文法，最簡單的基礎知識比如越軸，就讓很多人避之不及。學習電影導演的文法有很多方法，但是沒有一個能勝於在製作自己電影時犯的錯誤中學習。你需要親自將那些基本的原理運用到電影的製作中。

組成一個合作團隊

成功的導演總是與相同的團隊合作。比如伯格曼和尼克維斯特，諾蘭和作曲家朱萊安，作家喬納森，塔倫蒂諾與勞倫斯班德。不管你住在好萊塢或是倫敦都不重要，重要的是你的團隊在哪裡生活和工作。

發現你的故事和你眼中的世界

伯格曼最寶貴的遺產便是他對於人性敏銳的觀察。馬丁斯科塞斯因為他對於暴力的視角而出名。

特呂弗，約翰休斯頓，比利懷爾德，達倫蒂諾甚至斯皮爾伯格對於世界都有自己獨到的見解。

慢慢積累經驗

沒有比親自導演更好的成為導演的方法了。找到你的夥伴，寫下你們的創作點子並在周末把它拍出來，然後繼續做下一個。很快你就能建立起一個作品集了。

永遠不要忘記另一個重要的要素：觀看學習古往今來電影大師的作品。

影視導演必備的技能

電影的出現使導演的'再創作以電影文學劇本為基礎，運用蒙太奇思維進行藝術構思，編寫分鏡頭劇本和「導演闡述」，包括對文學劇本的構思，對導演影片主題意念的把握，人物的描寫，場面的調度，以及時空結構、聲畫造型和藝術樣式的確定等。然後物色和提案提議選擇演員。並根據具體構思，對攝影、演員、美術設計、錄音、作曲等創作部門提出要求，組織主要創作人員研究有關資料，分析劇本，集中和統一創作意圖，確定影片總的創作計劃。

概括而言，導演的主要工作內容包括

a.導演主要創作人員研究和分析劇本，為劇本找到恰當的表達形式;

b.與製片人聯合提名和推薦演員角色人選;

c.根據劇本和拍攝要求選擇外景或指導搭建室內景;

d.指導道具組完成道具的准備和布置工作;

e.指導現場拍攝工作;

f.與出片方商討作品的宣傳計劃

g.拍攝現場的燈光、 劇務、 演員、 攝像、 錄音、 美術、 化妝、 服裝。

專業燈光

燈光對於一個影視來說，直接關繫到了畫面的質感和美感，好的燈光師可以用燈光表達人物情緒，服務於故事，所有對燈光的知識了解，對於一個導演講故事來說，是非常必要的。

鏡頭運動

鏡頭運動給影視帶來全新的變化，好的鏡頭運動能夠有效推進劇情發展，展現導演思維，對於導演來說，利用鏡頭運動講故事，是一個必不可少的能力

節奏的控制

亞洲區最令人失望的電影缺點就是節奏，利用環境、內容、人物性格、燈光、音效、鏡頭、剪輯、特效等等，小心把劇情分成多個節奏不一的段落，緩急有序，讓觀眾的情緒起伏跌宕，這是導演最重要也是最有難度的一項技能。

動作設計

導演不應該把動作設計全交予動作指導，他們不懂得電腦特效、鏡頭運用技巧有限，故此好導演必須主動搞動作設計，利用鏡頭運動、扭曲情節、設計音效、畫面角度、打鬥變化、現場特效、電腦特效等。

場面設計

你隨便找一部好萊塢Superhero的大電影看看，留意一下那些長度5分鍾上下的大場面，你便會明白什麼是場面設計。從前只要求通順，今日卻必須細節鋪排嚴謹，利用場景及角色之間性格矛盾製造沖突，這都是創作人展示功力所在的機會。

場面設計考驗主創布局及設下眾多代線的功力，所謂懂不懂講故事，絕對顯然易見。

人物與演技

設計出色的人物性格只是起點，繼而是每個獨特人物的造型設計，他們各自的慣用字句，每個角色的聲調、身體語言，還有他們每位的背後復雜故事。好了，你都一一弄妥，但往下來還要在拍攝現場，用每位演員能接受的方法，引導他們演出。

電影導演需要哪些能力

庫布里克曾經說「導演如果能夠處理就去處理，如果不能就去選擇。」這個看法說明了兩點：一是導演要具備電影導演的創作能力;二要有判斷能力，特別是敘事和造型表達的能力;我們可以籠統的稱之為藝術感受力和直覺。但是這種說法還是很模糊，很籠統，究竟好的導演需要什麼樣的創作能力呢?在你拍片之前，還是不要急於下手，看看成功導演需要具備哪些能力，從這些能力出發，培養自己，才會離導演越來越近。

1、敘事能力

這里指的不是講故事的劇作能力，而是用鏡頭內部信息和鏡頭之間關系的組合來形成故事信息量的能力。這里涉及到剪接思維，是比較大的剪接觀念的體現。這一過程，主要體現在分鏡頭階段，當然，實拍和後期也會有所運用。

2、組織情節的能力

在劇本給定故事的情況下，不同的導演會有不同的情節組織方法，當然，編劇也可以給定明確的情節。這里推薦去看《辛德勒的名單》，其中有個獨臂工人被殺的段落，這一故事段落被導演分成4個情節，相互穿插，體現了導演非常強大的對情節理解和組織的能力，嘆為觀止。其實仔細研究經典作品的話，你會發現，能夠經久流傳的好電影，其故事情節組織的都比較嚴密，這也是中國電影目前亟需提高的地方。

3、現場能力

斯皮爾伯格說過，自己是美國導演中鏡頭位置感最好的人，對於這點，很多低級導演會認為攝影師可以幫助你，他們會找到更好的機位。攝影師也許會有更合理准確的機位感，但是，他仍然達不到你對全劇的理解高度和全面性。一個成功的導演，不要指望攝影師、美術師等等做更多，你可以不會攝影技術，不會美術設計，但是你一定不能不懂怎樣用攝影畫面表達某一特定內涵，怎樣的色調可以幫助加強電影主題......成功的導演，需要具備較強的現場能力，而這種能力的培養是建立在導演對攝影、美術、音樂等藝術素養積累的基礎上的。

4、文學感悟能力

這里的文學能力不是文字寫作能力，而是對電影作品中人性、情感的把握，我們暫且稱為文學感悟能力。最高明的藝術作品是做感覺的，一部電影作品之所以能成為經典，是因為其中大都反應了人類生活中值得記憶的事件，觸動了人們內心共有的情感，這些情感的表達或悲或喜或勵志，無不從人性出發。導演要有能力把握這種人性，感悟情感，並且准確的表達，豐富的生活閱歷及文學閱讀、導演個人的思考可以幫助導演培養這種能力。

5、「造型」表達能力

攝影師和美工都是很據導演的要求去工作的，導演的要求必須是具體的，而不是類似「感覺再唯美點，你再弄的狠點」這種似是而非的語氣。如果這樣，那麼，執行者將不能准確執行，有時候甚會曲解你的要求。所以，如果你不具備這種造型表達能力，當你感覺不好時，也會什麼都說不出來，這是導演對影片失控的表現。

6、剪接能力

這是後期剪接的技術性工作，導演不必有很高的剪接技術，但是必須有敏銳的剪接思維，只有具備這種思維，導演才知道現場該如何拍攝，拍出的素材怎樣才能在後期進行有效剪接組合。當然還有進一步的剪接技巧——鏡頭辯證關系，這是剪接深入強化敘事的表現，例子很多，很多大師都有精彩的處理，安東尼奧尼，斯通、岩井俊二，楊德昌等都有了不起的辯證關系。