二戰電影長鏡頭

⑴ 二戰時期的喪屍《霸主》，讓人倍感緊張，卻幼稚到令人無語嗎

一部二戰加喪屍的恐怖戰爭電影-《霸主》，而且實實在在有大場面的戰爭場景，還是有些意思的。雖然對戰爭毫無尊重可言，故事更是幼稚到令人無語。但是緊張的氛圍被色調、音樂和剪輯烘托的特別好，尤其是開頭飛機上和剛著陸那裡。深入敵後的壓抑和人體被改造的恐怖，兩股力量共同壓迫著觀眾。全程緊張到尾，尤其是結尾部分能更有沖擊力，感覺不是恐怖片，卻多次被嚇得差點尖叫，血腥也是不一般的程度。

與以往無腦的二戰僵屍系列不同，這個恐怖片還有點反戰思想，有點意思，人物形象刻畫也很飽滿，最關鍵的是一部血漿片居然給我看出緊張感了，作為一部雜糅了戰爭和科幻題材的片，動作甚至戰爭元素的完成度都遠高於驚悚，依然讓人感到緊張。

⑵ 蒙太奇與長鏡頭的異同（高分！！！）- -！！！！··￥#·#￥%￥%

第四節 蒙太奇與長鏡頭
一、蒙太奇的概念

（一）、蒙太奇的基本含義

1、淵源

蒙太奇，法文montage的音譯。原為建築學術語，意為構成、裝配，借用到電影藝術中有組接、構成之意。最先由路易·德呂克借用到電影中來，到現在已成為世界通用的電影專門術語。

2、廣義

它是指在電影創作中，根據主題的需要、情節的發展、觀眾的心理，將影片的內容分解為不同的段落、場面、鏡頭，分別進行拍攝。然後再根據原定的創作構思，運用藝術技巧，將這些鏡頭、場面、段落，合乎邏輯、富於節奏地重新組合，使之構成一個連綿不斷的有機的藝術整體。這種構成一部影片的藝術方法稱為蒙太奇。

3、狹義

蒙太奇是指電影語言符號系統的修辭手法或技巧。作為電影的基本結構手段和敘述方式，它包括了分鏡頭和鏡頭、場面、段落的安排與組合的全部藝術技巧，進而包括電影剪輯的具體技巧和技法。其中最基本的意義是畫面的組合，即在後期製作中，將鏡頭、畫面、聲音、色彩諸元素進行編排、組合的手段。

（二）蒙太奇的基本原理

1．蒙太奇的心理學基礎

人類觀察和認識世界的方式之一，是分割地、跳躍地看或想。心理學的研究成果表明，人的視覺注意力會依次地集中在各種不同的空間范圍，人的眼睛總是不斷地轉移視線，不斷地變換角度去觀察世界。聯想可以同時引起對過去的回憶和對未來的想像，它是架設在蒙太奇結構中前後鏡頭畫面之間、溝通畫面聯系的心理橋梁，通過引起回憶和啟迪想像，誘導觀眾對蒙太奇結構實現從分析到綜合、從部分到整體的藝術思維。

2．蒙太奇的美學原則

蒙太奇遵循了藝術反映現實的美學原則蒙太奇是對現實生活素材的重新組織，通過選擇、提煉、概括、加工等程序使之富於美感，符合創作者本人的思想、情感、態度和創作意圖。這是一條普遍的美學原則。

二、蒙太奇的類型

（一）敘事蒙太奇

敘事蒙太奇是由美國導演格里菲斯首創，是電影最常用的敘事方法。它以交代情節展示事件為旨，按照情節發展的時間流程、因果關系來分切組合鏡頭、場面和段落，從而引導觀眾理解劇情。這種蒙太奇組接邏輯連貫，明白易懂。

1、線性蒙太奇

即沿著單一的情節線索，按照事件的邏輯順序，有節奏地連續敘事。

2、平行蒙太奇

指兩條或兩條以上情節線索(不同時空、同時異地或同時同地)的並列表現，分頭敘述而又統一在一個完整的情節結構之中，或者幾個表面毫無聯系的情節或事件互相穿插、交錯表現，統一在共同的主題中。

3、交叉蒙太奇

又稱「交替蒙太奇」，由平行蒙太奇發展而來。兩種手法時常並用，稱為「平行交叉蒙太奇」。

比之平行蒙太奇，交叉蒙太奇的特徵在於，它所表現的是同一時間內的兩條或多條線索的齊頭並進，它們之間有密切的因果關系，彼此依存，互相促進，而且發展迅速，交替頻繁，最終匯合在一起。

4、重復蒙太奇

又稱「復現式蒙太奇」。它是指影片中代表一定寓意的鏡頭或場面乃至各種元素在關鍵時刻一再出現，造成強調、對比、呼應、渲染等藝術效果，深化觀眾的印象。它包括內容與形式兩個方面。這種手法容易產生節奏感，利於影片的結構完整。

（二）表現蒙太奇

它以鏡頭的對列為基礎，通過相連或相疊鏡頭在形式上或內容上的相互對照沖擊，產生一種單個鏡頭所不具有的豐富含義，以表現某種情感情緒、心理或思想，給觀眾造成心理上的沖擊，激發觀眾的聯想，啟迪觀眾的思考。表現蒙太奇的目的不是敘述情節，而是表達情感，表現寓意，揭示含義。

1、對比蒙太奇

通過鏡頭(或場面、段落)之間在內容上(如貧與富、苦與樂、生與死、高尚與卑下等)或形式上(如景別的大小、色彩的冷暖和濃淡、光線的明暗、聲音的強弱、動與靜)的強烈對比，產生相互強調、相互沖突的作用，以凸現創作者的某種寓意或強化所表現的思想內容。

2、隱喻蒙太奇

它相當於文學的比喻手法。即通過鏡頭或場面的對列進行類比，含蓄而形象地表達創作者的某種寓意或事件的某種情緒色彩。它的要點在於將類比的不同事物之間具有的某種類似特徵突現出來，以引起觀眾聯想，領悟其中的寓意與情緒色彩。

3、心理蒙太奇

這是人物心理描寫的重要手段。它通過鏡頭的組接或聲畫的有機結合，生動展示人物的精神世界，比如夢境、回憶、閃念、幻覺、遐想等，其特徵是聲畫形象的片斷性、敘述的不連續性、節奏的跳躍性，故而在剪接上多用並列、交叉、穿插的手法，聲畫形象的主觀色彩濃郁。現代電影比較廣泛地運用這一手法。

4、抒情蒙太奇

通過畫面的組接，創造意境，使劇情的發展富有詩意，故而又被稱作「詩意蒙太奇」。

三、長鏡頭的概念

（一）長鏡頭的基本概念

1．什麼是長鏡頭

所謂「長鏡頭」，就是指影片中的單個鏡頭的膠片超過17米或延續時間30秒的鏡頭。即在一個鏡頭內部通過演員和場面調度以及鏡頭的運動(推、拉、搖、移等視距和視角的變化)，在畫面上形成各種不同的景別和構圖。它以基本上等同於實際時空的鏡頭畫面來表現所攝對象的全過程，

2．長鏡頭的產生和發展

長鏡頭理論最早系統地出現是在20世紀50年代。受義大利新現實主義電影運動的影響，同時也由於變焦距鏡頭和手提式攝影機的出現，多景別、多視角等手法被藝術家們廣泛運用，長鏡頭也隨著進一步得到發展。於是，便產生了以安德列·巴贊為代表的「長鏡頭理論」體系。

（二）長鏡頭的美學特徵及運用

1、長鏡頭的美學特徵

長鏡頭的出現，不僅是攝影技巧的發展，而且有著突出的電影美學價值。長鏡頭作為一種表現手段，盡管早在巴贊之前就已經流行於電影創作之中，但巴贊並不僅僅把長鏡頭當作一種表現手段或技巧來對待，而是從其美學價值來進行理解。巴贊長鏡頭電影理論美學體系的核心和實質，即強調電影特性是它的照相性，或者叫做紀實性、記錄性。巴贊提出了電影是現實的「漸近線」的主張，意思是電影並不是讓現實直接出現在屏幕上，而是「不斷向現實接近，永遠依附於現實」。

2．長鏡頭的運用

長鏡頭作為一種藝術表現形態，最大的功能就在於逼真地記錄現實——自然、生活和情緒。所以，在影片中運用長鏡頭手法可以保持整體效果，保持劇情空間、時間的完整性和統一性；可以如實、完整地再現現實影像，增加影片的可信性、說服力和感染力；還可以渲染氣氛、表現人物的心理活動。

① 紀實性長鏡頭的運用

應該說，紀實性長鏡頭在以紀實為使命的新聞片和紀錄片中更有發揮餘地。

② 場面調度長鏡頭的運用

場面調度長鏡頭即通過精心設置的景別、場面、人物動作、構圖以及光影、色彩等造型因素的變化，來體現和強調創作者為這個鏡頭所規定的思想含義。實際上，它是一口氣拍下來的一種多場面的鏡頭，所以又叫鏡頭內部蒙太奇性質的長鏡頭。

四、無縫剪輯

（一）什麼是無縫剪輯

在數字技術的參與下，許多畫格與畫格、鏡頭與鏡頭間的接縫被取消，從而產生了一種新的轉場方式。數字技術可以把形成影像的不同成分分解開，單獨拍攝下來，然後再把這些分別拍攝下來的影像成分經過處理後有機地、按照人的意志隨心所欲地復合在一起，形成一個天衣無縫、如同單一鏡頭拍攝下來的電影影像。

（二）無縫剪輯的運用

1．模仿人眼無法看到的運動走向

2．展現時空的無限綿延

3．將夢幻般的運動構造成現實的自然形態

（三）「無縫剪輯」的意義

1、敘事意義

對於電影的鏡頭敘事功能而言，無論多麼復雜的故事，現在已經可以由一個數字化成像技術生成的、不露中斷痕跡的「超」長鏡頭完成，鏡頭與鏡頭之間的銜接意義在這樣的一種技術手段中，將要被消解得無影無蹤。

2、美學意義

幾乎所有使用數字特技製作出來的鏡頭，與傳統影視鏡頭比較，其美學向度，均指向人類潛意識的深層慾望：窺視、探索未知的世界、挑戰極限、生命永恆等等。

外國電影理論部分

一、 電影理論發展概況
80年代總結觀點：經典和現代理論（20年代～75年左右）；
經典：傳統美學來表述電影，作品與社會背景分離。研究的主題都是——電影是藝術？電影與其它藝術的關系；
現代：符號學、精神分析學、馬克思主義等的混合；研究的主題都是——電影是不是語言？觀眾和影像的關系是什麼；
※ 邵牧君的概括：
1、 30年代以前稱為早期電影理論；
2、 30年代～二戰前；
3、 二戰後～60年代前；
4、 60年以後；
（其實就是60年以前是經典，60年以後是現代）
※ 96年 鮑德威爾和卡羅爾提出把現代理論分為兩種：（見《後理論——重建電影研究》）
1、 60年～70年 主體位置理論；主要內容是結構主義、精神分析、符號學、女性主義、意識形態批評；
2、 80年～至今 文化主義理論；主要內容是法蘭克福文化主義、後現代主義、文化研究等；
以上兩種理論共稱為宏大理論（Grand Theory）。他們認為真正的電影理論研究只開始了30年，即從60年到90年。
80年以後，他們又開始了一種「中間層面的研究」（middle level），反對宏大理論。即在主體位置理論和文化主義理論崛起時，另一種中間層面理論出現，堅持既要對理論從經驗出發的研究，又不排除理論性。
※ 結論：
1、 60年前，是小（低）理論，經驗性強；
2、 60年～70年，宏大理論；
3、 80年～至今 中理論；
形成多姿多彩的別具一格的電影研究，如敘事電影研究、文體電影研究、文類電影研究、民族電影研究、後殖民電影等研究等。

二、 經典電影理論
在一戰前後，對電影的藝術地位、特徵、規律的研究；
著作：
1、 1911年，卡努杜《第七藝術宣言》 第一次論證了電影作為藝術，是在時空之間填補鴻溝的藝術；《第七藝術美學》「光與影的交響樂」。
2、 1915年，美國的林賽《活動畫面的藝術》，他把「活動畫面」看作電影的根本特徵。
3、 1916年，美國的雨果•明斯特貝格《電影：一次心理學研究》探討了電影手段的心理根源、藝術特徵、美學特徵。
概念：
1、「上鏡頭性」——
是20年代法國流行的時髦詞眼兒，卡努杜創造，先鋒派重要用語。1920年，路易•德呂克在《上鏡頭性》一文中探討電影的藝術特徵，闡述其涵義：指適宜於用電影這一新表現手段所獨有的方法來表現人或物的詩意狀態；
視覺表現：布景、照明、節奏、化妝；通過照相來表現神采——上鏡頭性，通過上面四個手段。是早期電影特徵概念。
2、 早期蒙太奇——
愛森斯坦指出：電影與舞台不同，電影導演更主觀，能選擇不同時空的重點現實片段。
電影選擇和組合這些片段，集中表現劇情。
把現實壓縮具有特徵的東西，展現經過壓縮、重整、剪裁的電影的時空。
3、 愛森斯坦（1898～1948）和普多夫金在早期的不同——
愛森斯坦講究沖突，如「雜耍」、「理性蒙太奇」等手法；普多夫金強調連接作用。
愛森斯坦認為沖突是蒙太奇的特性，沖突後產生新的表象和概念。普多夫金強調連貫性，他認為蒙太奇意味著多個鏡頭組成一個場面，多個場面組成一個段落，多個段落組成一個部分，一個個片段間具有顯而易見的聯系。人們不覺得中斷和跳躍，得到一種無意的刺激。
愛森斯坦在晚期對蒙太奇有新的理解：
他認為蒙太奇應該表達一種連貫的、有條理的主題、情節、動作、行為，以及一種最大限度賦予感情的敘述。研究涉及到了聲畫蒙太奇和色彩的問題。
4、 庫里肖夫效應——
為控制蒙太奇表現力所做的試驗。
5、 雜耍蒙太奇——
愛森斯坦在1923年，從戲劇創作中總結的一個原則，「雜耍」構成一場演出獨立的原始因素，是戲劇效果和任何戲劇的分子單位。雜耍和噱頭沒有任何共同之處，雜耍更注重表現主題和思想。
～ 是把一切因素匯到一起傳達和表現思想的一種感染手段。不合乎劇情發展，甚至脫離劇情發展，實際是有內在聯系的。
自由剪輯一起造成有目的的主題效果。產生奇跡性、超越敘事，展現真正要表達的主題。
6、 理性電影——
愛森斯坦在20年代後期提出的概念。他認為電影的藝術目的不僅在於形象表現之實，還要能表現概念，增加電影手段表現力，增加認識現實手段可能性。但在具體的創作中，這種想法與創作過於超前，結果不能成功，受到理論家的否定。
如匈牙利批評家巴拉茲指出這種「電影藝術征服純觀念」的想法是行不通的。
愛森斯坦在這種思想指導下的代表作是1927年的《十月》和1929年的《總路線》（《新與舊》）。
愛森斯坦試圖用蒙太奇表達從視覺形象達到理性認識的過程，他曾在30年在一所大學講課時提出要把《資本論》拍成電影的想法，來實現他想像的又一步驟。
他認為理性電影是克服邏輯語言與形象活動不協調的唯一手段。在電影辨證法基礎上，理性電影不是故事的、軼聞的電影，而是概念的電影，是思想體系、概念體系的直覺體現。
7、 電影眼睛派——
由蘇聯記錄片導演維爾托夫提出。
在1922年，列寧發表了《所有藝術中，電影對我們最重要》《反映蘇聯現實，必須從新聞電影開始》的文章，維爾托夫響應創辦了《電影真理報》雜志片。
他的主要觀點：要出其不意的抓取生活，不讓被拍者知道，運用蒙太奇技巧，將這些抓取的素材在意識形態上從新組接。
他於1924年的《電影——眼睛》中應用這一理論。
他認為攝影機是比人眼更完美、可靠的電影眼睛，反對劇本、演員、照明、布景、化妝等一切手段。
「電影眼睛」是電影中一種運動，畫下來而不用演技，直面生活和真實，用偷拍記錄各個生活事件，在現實中發掘戲劇性。
維爾托夫注重剪輯，他認為電影是解釋客觀世界的工具。
8、《電影作為藝術》愛因漢姆——
此書分別在1932、1957年分兩部分完成。書中觀點是技術主義傾向，或畫面至上主義。
愛因漢姆認為電影在技術上的局限性是電影作為藝術的根源，這與他研究的格式塔心理學背景有關。（《藝術與視知覺》）
格式塔：視覺過程不是機械的攝錄外在世界，而是用簡單、規則、平衡等原則創造的組織感官材料。
電影不能完美再現現實的特性，成為它作為藝術的必要手段。
愛因漢姆認為電影的局限性包括：
⑴ 立體在平面上的投影；
⑵ 深度感減弱；
⑶ 照明與無色；
⑷ 畫面界限與物體的距離；
⑸ 時空連續性不存在；
⑹ 沒有聲音，視覺以外其它感覺失去作用。
9、《電影美學》巴拉茲——
1945年出德語版，也稱《電影理論：新藝術特性與成長》，是《可見的人：電影文化》（24年出版）和《電影精神》（30年出版）兩本書的合集。
1952年出英文版。
書中分析電影和戲劇在形式表現原則上的差別，分析電影藝術特徵。
他認為戲劇表現原則：
⑴ 看到整個演出劇場；
⑵ 觀眾視距不發生變化；
⑶ 觀眾的視角不發生變化；
電影表現原則：
⑴ 被拍場景可被分割；
⑵ 被記錄場景視距可變；
⑶ 觀眾視角縱深可變，觀眾與銀幕的想像距離是可改變的。
他認為上面電影的表現原則是電影藝術的革命性創新。
10、攝影機自來水筆——
由法國的阿斯特里克在1948年文章《新先鋒派的誕生——攝影筆》中提出。
他認為電影迅速成為一種思想表達工具，保存時代形象的好方法，電影漸漸成為一種語言。藝術家掌握了這種語言後，表達自己的思想、抽象的概念就像寫隨筆、小說一樣流暢自然。
讓攝影機像筆一樣自由可以表達自己個人思想，現代電影已成為一種同書面語言一樣精細的思想表達方法。為50年代法國《電影手冊》電影作者論提供了理論基礎。
11、電影作者論——
特呂弗等人提出，認為不是所有導演都能稱為「作者」。具備電影作者論資格所拍的電影才是「作者電影」。
法國新浪潮主要人物：特呂弗、戈達爾、夏布洛爾。
作者政策要求電影像小說、音樂、繪畫一樣是一個人的作品，電影作家的作品——即導演個人的作品。
此理論產生廣泛的影響。其作者資格條件如下：
⑴ 在一批影片中體現出導演個性和個人風格特徵，把個人的東西帶入題材，導演不是一個執行者。
⑵ 影片應具有某種內在涵義，是後天形成而非先前存在的。
⑶ 電影作者是對電影製作全面控制的人，無導演、編劇的區分。
戈達爾、特呂弗、安東尼奧尼、費里尼、希區柯克等人是電影作者代表人物。
此理論確定美國一批導演的作者地位，其電影為作者電影。
作者論的實質：強調電影導演是主要創作人和最終定稿人。判定依據是導演對作品的控制。
作者電影與類型電影相對，也稱藝術片。
12、巴贊、克拉考爾的寫實主義和物象至上主義——
（與愛因漢姆的技術主義、畫面至上相反）
※ 巴贊理論：
巴贊的長鏡頭理論，是美國理論界對巴贊觀點的非嚴格的概括（主要指巴贊對景深鏡頭的贊賞）。
＃ 長鏡頭：
單個鏡頭達到一定長度，也叫單長鏡頭。包括變焦、景深長鏡頭。
長鏡頭理論與蒙太奇理論是相對的理論。長鏡頭理論強調單個鏡頭內部的表現力（連接表現力），運動、景深、變焦。
＃ 蒙太奇禁用原則（屬巴贊的影像本體論）：
若一個事件主要內容要求兩個和多個動作元素同時存在，蒙太奇被禁用。否則，蒙太奇遠非電影的本性，而是對其的否定。
＃ 長鏡頭的本體論立場（客觀的）、美學立場（傾向性）提出此理論的社會背景是因為：
⑴ 電影在技術上的一系列發展，膠片、鏡頭的改變，提高了單個鏡頭的內容質量和容量；
⑵ 移動攝影更加靈巧多變，大大豐富了單個鏡頭的鏡頭內變化。
長鏡頭理論貢獻：開掘了一種新的審美表現手段，提高了人們對電影鏡頭內部空間的復雜構成的自覺性。
＃ 影像本體論：
由巴贊在1945年《攝影影像本體論》中提出。
他提出影像基本特徵：
由機械作用產生的攝影影像與客觀中的被攝物等同。攝影影像獨特性在於其本質上的客觀性，它產生了被攝物體的本體，它就是被攝物的原形。
理論根據：
⑴ 攝影有不讓人介入的特權；
⑵ 人具有用逼真模擬物代替外部世界的願望，即排除人在外，單靠機械再現原物的需要。
影像具有令人信服的力量。
＃ 木乃伊情節：
巴贊提出，藉助精神分析，分析電影起源的嘗試，雕刻、繪畫藝術的起源，人具有永久保存自己軀體的沖動。最早的雕像是木乃伊，雕刻、繪畫成了後來的替代品。同樣起源於上面的沖動和願望。用形式的永恆克服歲月的流逝的原始需求，但雕刻、繪畫不能滿足人的願望。
攝影真正滿足人們再現原物的需要。「攝影是對事件塗上香料，是自然造物的補充，而不是替代」。
影像的產生第一次映現了事物時間的延續——可變的木乃伊。
＃ 完整電影：
巴贊表達電影起源用語。
根本原因是心理的需要，稱為「完整電影的神話」。再現一個聲音色彩立體感等外部世界的幻景。
※ 克拉考爾理論：
＃ 《電影的本性——物質現實的復原》
1960年出版
美學是一種實體的美，不是形式的美。克拉考爾闡述了「電影化的」這一概念。
電影，就其本性來說是照相的一次外延，它跟周圍的世界有明顯的近親性。影片記錄和揭示物質現實的時候，才是名副其實的影片。
近親性：
⑴ 電影對於未經扮演的事物有一種近親性。扮演能引起現實幻覺就是合理的。如果違反電影特性，任何扮演都是非電影化的。
⑵ 喜歡偶然的事物（意外：相對於必然）。美國無聲戲劇中，意外的事件代替了命運，強大的決定性的力量出現。一切不是註定而是恰好碰上。
⑶ 喜歡再現外部世界的連續性（與巴贊相似）進入攝影機視野內一切都拍下來，無窮盡程度。要求我們承認這是我們生活的世界的一部分。
⑷ 偏愛含義模糊的事物。自然界現象多含義，這與無限心理和精神上的無限性相對應。銀幕傾向反映這些含義模糊的東西，含義不能太確定。
⑸ 生活流。指具體情境和世界，是指物質現象而非精神現象。經常提到街道，因為在街道上生活的原生形態經常出現、不是扮演，是偶然事件薈萃之所，任何斷面都是不完整的。
＃ 電影不適合表現悲劇
這是克拉考爾對電影藝術特性的理解，是他基本觀點的引申，指出悲劇是「非電影化的」。
他認為悲劇主題與舞台故事具有天然的近親性：
⑴ 悲劇主題必然要求一個有目的的、整體的故事形式來展現，與電影特性相違背。
⑵ 悲劇只關心人物之間的相互影響，無生命物體只能是道具，對發展戲劇起支撐、調節作用。
⑶ 悲劇要求對外部的東西進行安排，舞台劇的環境反映心境，舞台劇一定要有暴風雨。
⑷ 悲劇要求有限、次序井然的世界。電影是以廣闊世界為中心的藝術，電影中沒有宇宙，只有一片土地、天空、街道。總之是廣袤的物質，死亡的結局與這物質現實的廣袤無相同點。
在悲劇世界中，命運排斥意外、偶然。
⑸ 悲劇性內容在物質世界總無所表現。因為悲劇內容是純精神世界。
悲劇可以出現在電影中，但電影的悲劇就不完全是電影化的了。
※ 克拉考爾與巴贊理論觀點異同
相同點：都強調電影對現實的記錄功能；
不同點：
⑴ 身份不同。克拉考爾是理論家身份，巴贊是批評家身份。
⑵ 體系不同。克拉考爾是演繹體系（理論化的），巴贊是批評體系、史學體系。
⑶ 影響不同。克拉考爾對電影實踐無多大影響，巴贊對電影實踐產生重大世界性影響。
⑷ 出發點不同。克拉考爾出發點單一（理論），巴贊出發點較復雜（精神分析、木乃伊等）。
⑸ 克拉考爾缺乏歷史意識，巴贊有強烈的歷史意識。
三、 現代電影理論：
1、電影語言——
用此術語把電影當作自然語言一樣對待。50年代末前後，「電影語言」一詞的使用是在一種比喻意義上使用的。主要含義是指電影的各種表現手段，如攝影、照明、化妝等，當從結構主義語言學看來，電影語言是對電影這一表現手段在什麼方式上具備語言資格進行檢查。
索緒爾在《普通語言學》中的觀點認為：語言＝語言系統＋言語
米特里認為「電影不等於語言」（結構主義要慎重）
麥茨的觀點是電影是沒有語言系統的言語。
1、 第一符號學和第二符號學關系——
第二符號學不是取代語言學，而是把精神分析研究結合進去，而且不意味著第一符號學的完成，只是第二符號學是新的研究方向，擴展深層觀眾心理學方面。
尼克•布朗認為第二符號學系統是根據觀眾和影像的心理關系而建立起來的。
4、「想像的能指」（imaginary signifier）——
麥茨提出的術語。
「想像的」來源於拉康，「能指」來源於索緒爾，能指，即表現手段。麥茨用精神分析和語言學方法結合來研究電影，研究意圖是把電影當成夢和語言的結合體來研究。
「想像的能指」，即電影的能指是視聽手段，通過視聽手段表現一個想像的世界，而能指本身就是想像的，即視聽手段即是想像的。
5、鏡像階段——
拉康的精神分析用語。
人們把電影理解為鏡子，一個人個體心理具有類似的鏡子功能，在人格形成早期階段起到決定性作用。在於自我形成，發生在嬰兒期6～18個月，嬰兒不會說話，動作無能，對成年具有依賴型，具備了視覺早熟性，逐漸把自己和母親的身體分開。
這一過程因為人類個體有一個鏡子功能。自我不能與個體，自我是對個體的反應：
⑴ 對自己、大人不能區分；
⑵ 能區分鏡像是自己的，高興這一發現。
電影是觀眾的一面鏡子。
6、二次認同——
拉康理論用語。
鏡像階段，嬰兒認出自己，肢體是整體，初次認同，包括對其母親的認同。母子關系期到父親的介入，分離嬰兒和母親，二次認同即對父親的認同。
銀幕是鏡子的隱喻。
【法】博德里 《基本電影機器的意識形態效果》
對二次認同的理解，他認為觀眾對電影影像的認同是一次認同，觀眾承認銀幕的可信性、真實性。
二次認同是觀眾對攝影機的認同，攝影機規定銀幕客體，又規定觀眾的視點、位置。
不是純粹客觀現實。
9、電影時空的特殊性——
在於電影時空的特殊綜合性。
電影既是一種時間藝術，又是一種空間藝術。時空結合包括戲劇、舞蹈，電影式一種一維時間、二維空間的特殊的三維時空藝術。
而戲劇、舞蹈式一維時間、三維空間的藝術，正是電影在空間少了一維，使電影具有巨大的表現力和想像空間。

⑶ 為什麼電影《穿條紋睡衣的男孩》評分很高

《穿條紋睡衣的男孩》評分很高的主要原因在於它所講述的故事能夠帶給觀眾諸多的反思，同時故事以一個年幼的孩子的視角來講述也是頗具新意的點。

全片中並沒有半點與「戰爭」相關聯的血腥畫面與場景，但是卻讓觀眾感受到了無力和絕望之感。兩個孩子每一個動作和眼神都在刺痛著每一位觀眾內心中最柔軟的部分。因此也深感生活在這個和平年代的我們有多麼的幸福！

⑷ 電影史上有哪些著名的電影長鏡頭

作為一個喜歡看電影的人，來給你回答這個問題。電影史上有哪些著名的電影長鏡頭？讓我用我的經驗來給你回答吧。

《職業：記者》

從根本上來說，《老男孩》追求一種打鬥情緒多過了打鬥快感，它在長鏡頭里拍出了蒙太奇的效果和感覺，讓整個鏡頭的感覺比實際時間長得多。這種外在「單純」而內在「波濤洶涌」的方法加強了本鏡頭的力度，使其作為幕高潮具備了應有的沖擊力。

⑸ 關於《霸王別姬》《海上鋼琴師》的蒙太奇手法和長鏡頭的影評類文字

《霸王別姬》

在《霸王別姬》里，陳凱歌依然體現出第五代對「空間語言和映像語言的強烈意識」，刻意「用空間因素強化造型情節」，達到「映像構成中再現性和表現性手法的結合」（倪震《起跳的高度》）。總的說《霸王別姬》在空間環境的描述是偏重於再現的；但是，濃重的主觀色調常常鋪滿了畫框的上下左右，把再現性的空間構成上升到風格化的層次，成為包涵著巨大理性和感性容量的「意象」。在《孩子王》、《邊走邊唱》里，陳凱歌多用抽象化的色塊組合、冷峻對峙的構圖完成視覺造型，但在本片里陳氏無疑在藝術表現的分寸感方面進了一大步，整體氣氛的營造取代了單個造型的突兀，當然，顧長衛的攝影指導亦功不可沒。影片中以濃墨重彩潑灑情感，冷暖兩極色調的交叉混用，將本來就五色斑斕的京劇造型（臉譜、服裝、動作）推到形式美的頂端，觀眾又何從抗拒這近似終極體驗般的頹廢美感呢？
作為導演，陳凱歌在影像風味的控制和處理上，很成功地實現了「兩手」策略。一是在重頭戲里憑借「斯坦尼康」對人物的奔走行動作長距離的前後跟拍，其美學功能包括：既完整地展現出極具真實感的空間布景，又可以讓觀眾感受到當事人的某種臨場體驗（強化表演效果）；使一場戲的的著重點高度集中，氣韻激盪，凝而不散；加強影片的節奏感，而節奏的張弛變化可以引導、調節觀眾的注意力，避免冗長枯燥，樹立鮮明的電影語法風格等。而且，不同的長鏡頭跟拍段落，效果也不盡相同：像影片一開始，前跟「霸王」與「虞姬」緩步走進體育場，長長的過道，相對固定的拍攝距離，使這樣的一個運動鏡頭 產生了「動中取靜」的沉重抑鬱感，一下子將人帶進真幻難辨的頹舊氛圍里恍若隔世一般。另一場小豆子被母親砍斷手指，疼痛難忍，在戲園子奔跑大叫，其餘角色在不同景深位置也相應地急速移動，劇烈狂暴的畫面處理再配以撕心裂肺的尖叫，可謂先聲奪人——學戲之艱難嚴苛，從導演安排的這個「下馬威」便足見一斑了。

由於影片中人物經常處於歇斯底里式的情緒狀態，攝影師實在太有理由大用特用誇張的、變形的短焦距鏡頭了，但顧長衛「我求我道」，不趕時髦，不效皮相，另覓蹊徑，從用色入手來烘托畫面情緒，可謂自成一家。比如花滿樓「相親」一場，鋪天蓋地的大紅色調，幾乎能把銀幕點燃；而程蝶衣和袁四爺扮裝調戲的場面則用清冷陰郁的調子，加上淡淡的放煙效果——醉後漫舞，雌雄難分，真假莫測，一派迷離情色。影片里多處可見表現主義的大反差布光，以及模擬舞台效果的分光、追光，反映出顧長衛深厚的影像掌控能力和豐富的影像創造經驗。尤為難得的是，他還是一位既能把握導演意圖又心思細膩敏銳的優秀攝影師。原來，陳凱歌一貫的執導作風通常使演員的表演偏向抽象理性一端，故人物的情感表達往往流於粗線條，而顧長衛恰好能予以彌補和潤色，在本片多處利用光色的細部微調，襯託人物的微妙心理變化，給觀者幾多回味之處。

為了給顧長衛的精彩攝影錦上添花，在剪接手法上，陳凱歌常常有意反常規而行，作動接靜或靜接動式的跳躍式組接，對比強烈，不乏令人色變的沖擊震撼；鏡語的又准又狠，再加上音響突如其來的闖入，凌厲逼人，大有不可一世的氣概。

與之相匹配的還有張國榮精緻細膩、出神入化的表演，他特別能夠把握程蝶衣在飽受苦難極度迷戀的性格之下，既有出奇的平靜和委婉，又蓄積著難以遏制的心理能量，爆發之後又不得不苦苦地哀求，讓觀眾感覺到程蝶衣彷彿在自我傷害、自我施虐，大有不勝忍之意，正所謂蓄之既久，發之愈烈；發之愈烈，傷之愈深。影片里還設計了大量的鏡像呈現，鑒照和提示程蝶衣受盡壓抑的多重人格，所以程蝶衣每次的爆發性動作，都被賦予充分的心理動機以引發觀眾的認同。張國榮借鑒京劇程式動作的寫意風格，充分發揮眼神的傳情之效，一顰一笑，眉目含情，表現程蝶衣的言談舉止，如行雲流水，揚巧避拙，以少為多，簡約之中，已神形合一。一切混合在一起，就這么化生出《霸王別姬》凄美迷狂的影像風格

《海上鋼琴師》

＜海上鋼琴師＞）之一．這部義大利９０年代的電影，無論是在片長還是獲得獎項都是創舉．三個小時的展示和多個獎項的獲得，證明了歐洲電影的非凡能力．
影片從輕柔舒緩的主題音樂開始，倒敘的方式，從義大利人不得不面對的那段歷史開始．二戰的結束，電影這一學派竟然突起於在經濟，軍事和政治上面臨全面崩潰的法西斯國家中．
當多多與母親走過廢墟的街道，斷壁殘牆上依然還有著破爛的電影海報．當每次小鎮上的天堂電影院放映電影時，都是坐無虛席．只有古板的教父因為不看所謂的＂色情片＂而命令老放映員艾佛特剪去影片中的吻戲，所以隨之而來的還有人們看到剪輯後的影片的憤怒．電影所帶給小鎮的不只是快樂，人們在精神上需要得到撫慰與滿足．
片中的蒙太奇技術運用得十分到位，當中年多多躺在床上開始回憶，海風輕輕吹入屋內，屋內風鈴叮當做響，鏡頭轉換，閃回到童年多多身穿白色教服，在教堂里睡覺，手裡拿著祭祀用的搖鈴．當艾佛特手輕撫在多多臉上，再展開時，童年多多已經變成了少年多多．
影片同時還具有許多象徵意義．老放映員艾佛特就像是老電影的發展歷程；小鎮的海邊銹跡斑斑的鐵錨，像是展示小鎮生活的枯燥；當古板的神父趕到車站送外出闖世界的多多，又像是一個時代已經結束；正如坐在電影院二樓的一位戴眼鏡的觀眾，喜歡往樓下吐痰，而最終被人用垃圾擊中．其中還有新舊天堂電影院中的聖女塑像．
伴隨影片的還有多多的愛情故事．年少時的迷茫，在電影院中與妓女作愛，當遇到他命中所愛的女孩，他可以天天晚上去姑娘家門口，等待那扇窗開，連新年也不例外．可是由於姑娘父親－－一個銀行家的極力阻撓．美好初戀的破滅，出去闖盪的多多由懵懂少年變成了一名知名的導演．
影片中有許多精彩鏡頭，對不同時代同一時石獅子頭的特寫．當門鈴響起，正在織毛衣的母親起身去開門＂我知道一定是多多回來了＂鏡頭切換，多多與母親相擁，毛線從樓上繞到了院子．還有一位在電影院中逝去的觀眾，當再去拍到那排座位時，上面有一支花，代表著那位觀眾還在全神貫注地欣賞電影．還有一位總在電影中主角之前准確無誤地說出台詞，連＂FINE＂（結束）都不放過．這些鏡頭或讓人捧腹大笑，或讓人深思感動．而這些更多的是一種真情的流露，真實與藝術的高度結合．
s在故事的最後，曾經無比輝煌的天堂電影院被迫轟然倒下，愛湊熱鬧的年輕人在嬉戲，奔跑，成年人更多的是凝視沉沒．到底是天堂被人們拋棄，還是人們拋棄了天堂．美好的東西沒有被保留，或許有更美好的東西會被創造．結尾以艾佛特送給多多的禮物－－老電影中的吻戲剪輯展示為結束，這不僅僅是艾佛特對多多的愛，還有那些讓人們重溫的老電影讓＊雷諾阿的＜底層＞，維斯康蒂＜大地在波動＞，約翰＊福特＜關山飛渡＞．這些戲中之戲，影中之影，構成了＂天堂＂之夢的獨特夢境．讓人沉思，懷想，感慨．

⑹ 美國內戰三部曲 電影

1、《我們曾是戰士》該片改編自哈爾·摩爾與約瑟芬·蓋洛威合著的回憶錄《一個美國大兵親歷的越南戰爭》，講述了1965年越戰初期，美軍入侵越南中部高地德浪河谷時所發生的真實故事，即德浪河谷戰役。

2、《葛底士堡》葛底士堡之戰是整個美國南北戰爭的轉折點。在此役的開始，南方部隊統帥李將軍意圖北上，希望以此次戰役來激發北方的和平意願。

或者至少阻止北方聯盟統一南方的企圖。他率領75000南方將士北上，在葛底士堡附近正碰上北方聯邦由梅德將軍率領的97000士兵，雙方就此展開一場惡戰。

3、《眾神與將軍》該片根據傑夫·沙拉的同名小說改編，講述了美國南北戰爭時期幾位傳奇般的將軍率領著各自的軍隊，為了自由和理想而英勇作戰的故事。

(6)二戰電影長鏡頭擴展閱讀

1、《我們曾是戰士》由派拉蒙影業公司發行的戰爭片，由蘭道爾·華萊士自編自導，梅爾·吉布森主演，於2002年3月1日在美國上映。

2、《葛底士堡》為一部戰爭、紀錄片，由羅納德·麥克斯韋爾導演，湯姆·貝倫傑、馬丁·西恩、斯蒂芬·朗恩、傑夫·丹尼爾斯、理查德·喬丹主演。

3、《眾神與將軍》是由羅納德·F·麥克斯維爾執導，傑夫·丹尼爾斯、羅伯特·杜瓦爾、斯蒂芬·朗、米拉·索維諾主演的戰爭電影，於2003年2月10日在美國上映。

⑺ 二戰電影沃倫劇情解析 結局是什麼 女主死了嗎

該片講述了波蘭一個女孩愛上了一個烏克蘭男孩，父母卻決定讓她嫁給一個波蘭鰥夫，此時二戰正要爆發，她不得不在死神面前末路狂奔的故事 。

女主死了，影片的最後場景里，女主和自己的孩子在森林中被狼咬死了，她在最後的彌留之際看到她逝去的心上人駕著馬車來接她和孩子。

影片以索菲婭姐姐的婚禮為開端。

身為波蘭人的姐姐嫁給了一個英俊的烏克蘭男孩，兩族人民在喜慶的婚禮上載歌載舞歡慶著。

但喜慶之下，民族矛盾已經逐漸開始激化。索菲婭的姐夫因為娶了波蘭姑娘被歧視，賓客們也在議論紛紛。平靜之下暗藏著危機。

索菲婭愛上了一個烏克蘭男孩，但是她的父母卻為了豐厚的嫁妝將她嫁給一個波蘭鰥夫。不久，二戰爆發，局勢緊張，戰爭很快激化了兩個民族之間的矛盾，身處戰亂中的索菲婭開始了苦難的生活。

短短時間內，沃倫地區政權不斷更替，在此生活的各族人民生活在水深火熱之中。

第一次更換政權：

1939年-1941年，布爾什維克紅色政權席捲沃倫地區。

打倒地主，的口號響徹整個地區，索菲亞丈夫一家遭到流放。

索菲婭被烏克蘭男友救下，但男友卻在索菲亞生產因給不出贖回索菲亞的伏加特，慘遭俄軍官殺害。

第二次更換政權：

1941-1943年，德軍納粹佔領沃倫地區，視猶太人為低等級人的德軍開始了洗劫式屠殺。

飢餓恐慌屠殺籠罩著沃倫上空，索菲亞丈夫因為砍掉偷雞賊的一直手臂遭到報復，被砍掉腦袋送回索菲亞的面前，索菲亞成為寡婦，日子更加艱難。

第三次更換政權次：

1943-1944年，德軍撤退後，烏克蘭起義軍開始了針對波蘭人的種族滅絕性大屠殺。

索菲婭目睹了身邊所有人被各種變態手段殘害致死，姐姐姐夫也慘遭殺害，姐姐被當場砍掉頭顱。

逃亡過程中，只看得到四周屍橫遍野，血腥遍地。

最終，索菲亞絕望的帶著兒子逃進森林。

在缺衣少食的情況下，母子最終倒下了，被飢餓的野狼分屍。女主在最後的彌留之際看到她逝去的心上人駕著馬車來接她和孩子。這是女主美好的幻想，也是她最奢侈，最大的期望。

(7)二戰電影長鏡頭擴展閱讀：

取材自二戰期間烏克蘭人在沃倫地區對波蘭人的種族清洗——沃倫大屠殺。

8-9萬波蘭人被殘忍地殺害，大多是手無寸鐵的婦女和兒童。

波蘭導演沃吉西奇把發生在沃倫省這場種族殺戮拍成了這部電影。

獲波蘭電影獎最佳影片、導演、剪輯等八項大獎。

⑻ 二戰珍珠港觀後感範文5篇

珍珠港電影的 觀後感

昨天晚上中央六台放《珍珠港》，三個小時的大片23：00才開始，中間還插了30分鍾的 廣告 ，害我一看看到凌晨兩點。

這不是我第一次看《珍珠港》。幾年前剛剛播映時，我就借過D版看，還一看就是好幾遍。

但是那時候還小，看這部電影就是沖著裡面的大場面去看的，可以說無論影片敘述的感情 故事 還是戰爭背景，都沒有引起我的注意，因為我的時間都花在期待和欣賞那些爆炸場面上了。

昨天晚上再看，我卻第一次發現了這部片子的一大特點美國與中國一樣，都曾經與日本為敵、與日本交戰，但是在這部片子中反映出來的日本軍人，並非如同中國的抗日戰爭影片中那般猙獰可怕、醜陋不堪，相反地，看片的人會不由地贊賞他們精妙的戰略部署，以及面對戰爭時忘我的犧牲精神。

反觀中國的抗日戰爭影片，我們都是從小看到大的了。片中的反角日本人的典型形象，就是留著兩撇八字小胡須，嘴裡叫著「八格牙魯」，動作粗魯、形象猥瑣，最後被我們神勇的八路軍戰士打得屁滾尿流，倉皇逃竄。

小時候的我愚昧無知，還真以為日本人都這副德行。現在想想，先不說抗戰八年有幾場像摸象樣的仗是八路軍新四軍打出來的(他們不就是在那兒游擊么?)，就說日本軍人要真是那麼一副猥瑣像，真是那麼沒有紀律隨意散漫，這么大一片東亞、東南亞，憑他一小小日本島，能打得下來嗎?

二站期間的歐洲戰場，德國是最強，要不是盟軍諾曼底登陸成功外加令人難以置信的瞎指揮，最後鹿死誰手還指不定呢。

同樣的道理在亞洲，要不是最後美國丟的那兩顆原子彈，還有蘇聯出兵東北，這東亞、東南亞地區能夠靠自己的力量戰勝日本嗎?難道還真以為那小米加步槍能打得過大炮鐵騎了?這又不是魔幻故事!

可是直到今天啊，中國人還是不願正視這個問題。一拍電影就把日本軍隊塑造成一副窩囊像，把我軍塑造成不怕槍林彈雨的「仙人」!

一個不願意正視自己的弱點與缺點的人，永遠也不可能進步，因為他沒有辦法認識真正的自己!

同理，一個不願意正視自己的過去事實的民族，也不可能進步，因為他們只會自我吹噓自以為是!

在《珍珠港》片尾，羅斯福總統說了這么一句話：「我們總以為自己是不可戰勝的，事實告訴我們，我們的自負和驕傲帶給我們多麼慘痛的代價。」勇於承認自己的錯誤，才能認識到真的不足;而勇於正視對手的強大，並且給予對方客觀正確的評價與表現，則是一個人、一個民族、一個國家獲取世界尊重的基礎!

珍珠港電影的觀後感

這些天一個人的日子有些無聊，又拿出《珍珠港》來打發三個小時被 雨水 淹沒的時間。

誰都知道我愛《珍珠港》，誰都知道我對《珍珠港》百看不厭。

我不管在那些所謂的影評人對它是貶是褒，我不是專業人士，我只是一個普普通通看電影的人。只要是觸動觀眾心靈的、能引發觀眾深思的就是好片。《珍珠港》它確實是部商業片，但又有幾部商業片能讓人這么震撼，能讓那麼多人一遍又一遍地去重復感受。

作為電影，三角戀確實是個惡俗的話題，但放在戰爭這個大背景下，又顯得是十足的無奈。為了有一個算的上圓滿的結局，看到一半處大概都會猜到結局Rafe與Danny必須有一個面對死亡。

頭幾次看電影對兩個男性人物，我是沒有偏愛的。Rafe作為主角中的主角，自然要盡可能的包含優點。他英俊帥氣，他的飛行技術一流，他是空軍軍官，他有飽滿的自信，他嚮往飛向真正的戰場，他對愛情忠貞不二，他對朋友處處保護與包容，他有時候會有小男孩兒的可愛與沖動，他在臨行的前夜為了責任自願放棄了幸福的一夜。他幾乎是完美的，所以吸引了美麗的Evelyn。

再看Danny，也許就覺得不是那麼完美。起初我也是不太喜歡他的，膽小，懦弱，不太敢去追求。他總是活在Rafe的光芒之下，飛行技術沒有Rafe高，處處要受Rafe的保護，甚至連愛情都掩蓋在Rafe之下。面對飛機Danny總是很自信，可以鎮定地指揮，但轉身遇到Evelyn，立刻就會語無倫次、面帶紅暈。漸漸就有些喜歡這個帶點悲情色彩的人物，這樣的有著缺點的人物才顯得真實，靦腆的Danny或許更招人憐愛。有一句話，男一號是女一號來愛的，而男二號是大家來愛的。Danny雖然處處需要Rafe的支持與保護，但最後他卻用生命保護了Rafe。

還有很多人在批判Danny和Evelyn不該在Rafe離開之後就展開新的愛情，但畢竟那時候都因為情報的不準確以為Rafe已經犧牲了，大家都需要新的生活、如果Rafe真的離開了人世，他也一定會希望自己最好的朋友用一生去替代自己照顧愛人。難道Evelyn非要像梁祝那樣殉情、或者在思念中孤獨終老大家才滿意?凄美的愛情只是 傳說 ，而我們需要的是生活，誰能說他們倆在一起了就對Rafe沒感情了，就忘掉Rafe了。只能說錯誤、不及時的信息造成了後來的尷尬局面。為了電影的結局，也許只有Danny離開，小Danny來延續他的生命是最完美的。別在說什麼Danny搶了Rafe的女友，Rafe還得替他養兒子之類的無恥話題。Danny用生命拯救了Rafe，小Danny是Danny生命的延續，Rafe和Evelyn會傾盡所有感情去愛小Danny，小Danny可以說他們三個人共同的孩子，他代表了戰爭結束後美國的未來。他會為自己的父親感到驕傲，會繼承父輩們的影響繼續為祖國而戰。

在那個時代的大背景下，一切感情都是放在愛情熱情之後，所有的矛盾都可以拋在國家利益之後。電影之初，Rafe為了自己飛上雲霄的夢想，離開了深愛的Evelyn遠去英國參戰。電影之後，Danny也同樣為了自己的夢想和國家的尊嚴，與Rafe一起參加危險的「奇襲東京」計劃，甚至以生命為代價保護了最好的兄弟，沒能活著回國見自己的愛人，沒能見到自己的兒子出世。

Rafe與Danny一起生長在戰爭的年代，有同樣的沖上雲霄作戰的夢想，甚至還會愛上同樣的女人。他們早就不單單只是朋友，更是兄弟，是親人。不管有什麼矛盾，什麼誤會，最後還是會解開，還是會共同飛向東京的上空為祖國為尊嚴而戰。

除了這三個主角，羅斯福總統不讓你震撼?杜立特將軍不讓你欽佩?那個黑人水手多利米勒不讓你感動?當杜立特將軍清清楚楚地告訴被挑選出的空軍士兵，「奇襲東京」計劃是冒著生命的危險，那一排士兵毫不猶豫地邁出的堅定地一步，那個特寫，那鏗鏘有力的腳步聲沒震到你的心上?那十六架轟炸機成功地從航母起飛，那電影中的氣氛沒讓你感同身受?就是這部電影，讓我第一次了解了羅斯福總統，並且從此成為我的偶像。

再說日軍方面。這部電影只是為了弘揚美國人民的愛國情感，沒有必要重新勾起日美兩國的矛盾，對日軍方面的描述也並不是單純的醜化。當然，作為商業片，為了打入日本市場也要求必須這么做。但是這樣的處理並沒有引起觀看者的不舒服，總比那些中國的很多作品裡把日軍當傻子寫強很多，那樣描述反而會被認為你當年被一個傻子國家打的爬不起來不覺得自己很丟臉么?片中那個日本士兵給寫家信的那個片段很真實。日軍也是人，也有感情，他們忠於自己的國家接受上級的命令是軍人的天職，他們又有濃重的武士道精神，更是要求自身必須為國家奉獻生命。當然，想南京大屠殺、細菌戰那類慘無人道的行為不在之列。還有一個很感人的地方就是，一個日本士兵在轟炸珍珠港時看到小孩子在玩耍，打手勢告訴他們要蹲下，防止傷害到無辜的 兒童 。

我們必須要面對歷史，中國你現在為什麼不願意太多的宣傳8.15日本投降日，難道就因為日本向中國投降書上寫著中國戰區最高統帥特級上將蔣中正。當時中國的正式政府就是中華民國，最高領袖就是蔣介石，簽字的代表就是何應欽。蔣介石確實做了很多不利人民的事情，但你不得不承認他曾經是一個國家的最高統帥。成者王敗者寇，難道六十多年前的中國跟兩千多年前劉無賴與楚霸王楚漢之爭的歷史是不同的?怪只怪歷史總是勝利者書寫的。歷史總是相同的，但當代人總是看不到當代真實的歷史。

這部電影還有太多太多感人的細節與鏡頭。電影是沒有國界的，從電影中得到的震撼更是沒有國界的。Evelyn說American suffered,but American grew stronger。同樣的We suffered,But we grew stronger。作為經歷了這么多大災大難中國人，同樣可以從苦難與傷害中走出來，變得更堅強。

珍珠港電影的觀後感

如果所有的商業片都有這樣的水準，那商業片就不會老被罵得體無完膚了。商業沒有錯誤，特技也沒有錯誤，砸錢甚至也不算錯誤，只要故事好看，電影好看，創作者投入真誠在裡面，觀眾就會買賬，自然也會買單。

十年前就可以看出邁克爾貝對技術的熱衷，戰火紛飛的場面著實令人震撼，即便多年後的今天只是在電視屏幕前看，依然可以想見大熒幕前會有多麼令人嘆服的效果，特別是這種低空飛行的鏡頭，在影院里是最有感覺的。

把刻骨的愛情放到宏大的背景中，屢試不爽。一方面，愛情顯得尤其珍貴尤其美好，可以撫慰每一個在歷史中迷失的人的靈魂，成為人的精神支柱，支撐人們度過一切困難;另一方面，在戰爭面前，愛情又顯得尤其渺小尤其脆弱，在數萬人的生命面臨威脅時，情愛自然而然退居次席，在家國面前，個人情感只能放在一邊。

電影故事流暢，場面壯觀。在描寫愛情時，無論是前一段情還是後一段情都讓人非常動容，特別是danny帶著心愛的女孩飛上天在落日中旋轉的鏡頭極度唯美。這本就是個糾結的故事，兩個生死相照的朋友愛上了一個女人，因為一個人的死亡使另外兩個人走到一起，當rafe又出現時，三個人都陷入了痛苦。而戰爭，使這問題從主要矛盾變為次要矛盾，任何事情必須給戰爭讓路。戰斗過程驚心動魄，導演客觀地記錄著兩軍交戰的事實，在這一過程中並沒有偏頗的感情傾向，日軍和美軍同樣在為自己的國家而戰。但在美國的人物故事中，更深刻地弘揚了為了保衛祖國而不惜犧牲自己的精神，有了這種精神，就有了戰無不勝的基礎，沉睡的巨人被喚醒。在大戰背景下，danny死去了，沒有畏懼地死去了，死在rafe的面前，知道了自己成為父親，並把這個職責託付給了rafe。這一結局也最好地解釋和化解了之前danny愛上Ivy的事實。

本阿弗萊克和喬什哈奈特風格完全不同。一個女人一生能被其中的一個愛上是很幸運和幸福的事，而被兩個同時上真不知是幸或不幸，不過貝金賽爾得到電影中的這個機會絕對是幸運盒幸福的。詹妮弗迦納竟然在裡面出演一個戲份很少的配角，而且打扮也絕不美艷，難道這是促成她和阿弗萊克結緣的片子?

音樂非常好聽，以至於看完電影還老老實實講片尾看完，而寫下這些文字，也是在原聲音樂的陪伴下完成的。

珍珠港電影觀後感

很久沒有這么感動和激動過了。一部壯麗的戰爭史詩大片<珍珠港>，激起了我埋藏心裡很久，幾乎被忘卻了的震撼和感動。美國人把他們曾經失敗的歷史展現的如此真實、震撼和感人，使我的心情久久難以平靜。

影片的開始，可能讓我們感受到的不是嚴陣以待、摩拳擦掌的緊張。但輕松、幽默、甚至有些玩世不恭場景展示的卻是人性真實的獨白。影片隨著男女主人公感情的深化和變化，刻畫出了戰爭的殘酷和人性光華。一個個鮮活的人物形象感動著我、一個個慘烈的戰爭場面震感著我。美國人敢於正視歷史、 反思 曾經的失誤的勇氣，值得我們學習。

<珍珠港>沒有迴避當時美國國防部自身的失誤和錯誤的判斷，在敵人真的出現在眼前的時候，果斷出手、奮起抗擊。士兵們立刻拋棄了之前和平環境下結成的恩怨情仇，將國家、民族的利益至於首位;在生死關頭，爭相把生的希望留給戰友、把死的危險留給自己。彰顯了一個成熟的民族和大國的風范。

忘記了過去，就意味著背叛。大至一個國家、一個民族，小到一個人，都應該在生活中學會反思和成長。沒有失誤的政府是不可能的，自己不說、不反思，不代表事實的不存在。只有正視失誤、反思過錯、記住傷痛，才會使自己不再陷入屢錯屢犯的泥潭;才會在慘痛的教訓中得到鍛煉和成長;才會將失誤、過錯、傷痛化作完善自己，奮起直追的動力。如果這樣，失敗的成本就是我們勇於擔當的力量。

在XX年 春節 即將到來之際我祈禱，我的祖國，在發展中得到鍛煉;在失誤中勇於擔當;在擔當後能得到進步。我祝願，我的同胞，會在生活中得到歷練;在歷練中勇於奮進;在奮進中得到成長。

珍珠港電影觀後感

一直以來，美國好萊塢出產的電影稱得上汗牛充棟，他不管在電影的立意、創作上，還是在電影拍攝的恢弘場面和震撼氣勢，他全方位沖擊著人們的視覺感受。一個世紀以來他不僅影響著全球的電影業，還讓全球的電影觀眾至今留下深刻的印象。但是美國好萊塢的電影得以生存的，並不是因為他是人們不可缺少的娛樂項目，也不是美國要在國外樹立他所需要的形象，他主要是表現在不同時期滿足不同人的慾望，以此來征服全球電影觀眾的眼球。經常變著法子來迎合影迷，及時捕捉某一時期大眾關注的社會信息，來迎合觀眾的潛在慾望。

電影《珍珠港》以「二戰」期間法西斯日本為了侵佔太平洋而偷襲珍珠港為背景，講述了從小一起長大的一對死黨雷夫、丹尼和護士伊弗琳三人之間的一段浪漫的 愛情故事 。雷夫和丹尼既是好朋友又是情敵，隨著二次世界大戰的爆發，兩人只能將兒女私情暫時拋在一旁，一起並肩作戰，共同為自由、正義而戰......

從商業角度來看，無疑是成功的。從影片中俯瞰珍珠港，那蔚藍的海面上搖曳著各類的戰艦，一個長鏡頭捕捉到戰艦上休閑的人們，海風輕輕的吹起年輕護士的秀發，草地上游戲的的孩子們，一切是那麼的溫馨、自然、安逸。還有那動人的音樂，這顯然得益於《泰坦尼克號》的啟發，一首《THERE YOU'LL BE》將影片的浪漫與溫馨表現得淋漓盡致......

風雲突變!與之形成鮮明對比的是：

那40分鍾的精彩爆炸場面，慢鏡頭和晃動的攝像機向電影觀眾展現出可怕、血腥的畫面，猶如身臨其境的感覺。無論是海戰、空戰的場面，都是驚心動魄。飛機、大炮、戰艦和爆炸交織組成的火焰，在強烈的視覺沖擊中，戰艦被炸成直立起來，飛機瞬間的炸毀，成群的美國士兵被炮彈炸飛在天空中，尤其是炮彈在人堆里爆炸，以及天空中如捅了馬蜂窩氣勢洶洶的日軍轟炸機，視覺上絕對令人震撼，氣氛上令人壓抑、恐怖......

所有這一切，都符合好萊塢的一貫作風，他為了吸引更多的觀眾走進電影院，進行消費的慾望，會使出渾身解術，善於將各種各樣的題材娛樂化。文的、武的、哭的、笑的、驚悚恐怖、驚險刺激......各種各樣一應俱全，這也是好萊塢影片經久不衰的緣故吧。

從製作內容上講，他只能停留在一般的層次上。不能作為經典，也不能作為史詩。從某種意義上講，電影製作出一部又一部，在經過「叫好」和「批評」後，一部分電影在人們的記憶中慢慢遺忘了。因為沒有什麼記憶猶新的感覺，也沒有多少感染力和感人的線索。

電影《珍珠港》中把愛情和戰爭結合起來作為故事的線索，本來是個很好的立意，編導們也是絞盡了腦汁。但珍珠港只是「二戰」中的一個點，一個布景。顯然結合得有些牽強，愛情故事和戰爭事件也顯得格格不入，好象兩個孤立體，怎麼也聯系不到一塊，而且這個愛情故事的力量也比較薄弱，雖然很煽情。

一段三角戀愛，在女主角不明的情況下發生，是寂寞難當是日久生情還是對戰爭的發泄。女主角伊弗琳的愛情世界也是一片空白，缺少熱情，沒有生死離別的感覺;缺少真誠，左右搖擺不定;缺少耐心，沒有情感的堆積。讓電影觀眾覺得她有點水性揚花的味道，所以就成不了傳世之作。

從電影的硬傷上，影片存在著幾處明顯的漏洞。

影片開始長島有一處寫「Witchell Field」，而實際上正確的拼寫是「Witchel Field」。 丹尼帶伊芙琳乘飛機看日出時，你會發現太陽的位置變化了好幾次，一會兒太陽落下一半，一會兒太陽又剛剛升出地平線等等。

總之，《珍珠港》應該突出的是戰爭，描述的應該是美軍戰士英勇不屈的精神。而實際上《珍珠港》既不是戰爭片，也不是歷史片，既不是動作片，也不是愛情片，很讓人失望和遺憾。

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