黄金时代电影票房低的原因

『壹』 绣春刀2票房能破四亿么 为什么武侠片票房都不高

绣春刀2质量还是可以的，但是票房只有2.6亿，票房低原因如下：

1、绣春刀2的档期太失败了。前有悟空传、绝世高手也就罢了，关键是后面战狼2、建军大业基本没给绣春刀留多少空间，战狼2绝对是2017年战斗力爆棚的第一高手。

2、我觉得大幂幂对票房和影片整体质量的伤害，要远大于对票房的提振作用。

3、第三，中国古装戏太多了，电视就有上一大堆，每年都有好多部精良的IP电视剧，女主角也不比杨 幂差，有这些在前，谁还愿意看古装电影！

另外，武侠电影的黄金时代已经过去了。现在看电影的主力都是90后，00后，这些人是不看武侠小说的，武侠小说的黄金年代是80-90年代（对应的读者就是70后，80后的人），而到了00年以后，武侠基本上退出舞台了，改为网络小说进入舞台。所以，武侠电影的基础已经消失了。
同样的，1980年出生的人今年已经37岁，上有老下有小，很少有兴趣跑出来看电影。而新生代看玄幻片的可能性更大一些，所以玄幻片、奇幻片就算再差票房也是比武侠片高的。

最后。个人觉得绣春刀名字也不够大气！

『贰』 都说香港电影的黄金时代已死，您认为致使电影界低迷的主要原因是什么您认为这样的局面还会持续多久

综观20世纪90年代的香港电影，基本上仍可称之为百花齐放，我们不但有从80年代顺利跨向90年代的新一代导演：张婉婷(《秋天的童话》)、王家卫(《旺角卡门》)、关锦鹏(《胭脂扣》)、陈嘉上(《小男人周记》)等等，还有90年代的奇迹周星驰、刘德华、张国荣、梁朝伟以及几个国际知名的名字：张曼玉、周润发、李连杰、成龙等等。 然而，我们不得不承认的是相对于20世纪80年代电影公司大洒金钱，演员一天九组戏的好景日子来说，90年代的香港电影的确危机重重，阴霾满布。 首先是90年代初盛行武侠动作片，《黄飞鸿》和《东方不败》相继掀起打风热潮，一时间李连杰、林青霞成为卖埠保证。可是，依照香港电影的传统，卖座的片种总有跟风者，而当跟风者众、水准参差的时候，亦即该电影类型走向死亡之路。武侠动作片热潮如是，赌片热潮及后期的古惑仔系列也没有例外。 到了90年代中期，港产片票房连续下挫，西片逐步抬头。《侏罗纪公园》(Jurassic Park)先在93年创下六千万元票房佳绩，1998年的《泰坦尼克号》(Titanic)更以一亿一千万元攀上顶峰，这部映了195天的好莱坞A级大制作还占了“本世纪百部卖座片”中的榜首位置，完全压倒了在80年代威风一时的新艺城作品《最佳拍挡》系列。香港电影另一个令90年代香港电影褪色的原因是盗版问题。80年代录影带市场兴起已经令电影收入大打折扣，到了90年代后期，盗版VCD更为香港电影市道带来了重击。不少电影在午夜场或首映过后便出现盗版，海关和警方又互相推卸责任，后来香港政府才开始正视这个问题，海关逐渐加强扫荡，才使盗版VCD活动略为收敛。 香港电影界曾多次组团访京，与港澳办及电影局商讨创作自由、版权问题等，亦促请中央政府开放市场。1997年回归后，香港特别行政区首长董建华先生首次在《施政报告》中提到香港电影，并拨出一亿港元开发电影科技及接受资助申请，令香港电影人略为安慰，更把2000年的香港电影金像奖搞得有声有色。 可喜的是，香港电影人扬威国际，张曼玉、萧芳芳、王家卫先后在柏林、戛纳等国际影展中获奖，香港电影渐受国际影坛重视。可惜的是，这也导致影圈人才外流，吴宇森、唐季礼、袁和平、林岭东等著名导演纷纷前往好莱坞发展，周润发、成龙、李连杰及杨紫琼等巨星级演员亦被好莱坞罗致。 有外流亦有外援加入，香港电影人在亚洲区寻找了不少新面孔，成绩最突出的是在台湾一脱成名的舒淇，在香港成功转型，由脱星变性格演技派，成绩斐然。还有90年代中期之后，香港掀起日本电视剧热潮，连带电影界亦多找了日本演员参与港产片，其中又以女星为主，包括《星月童话》、《东京攻略》和《阿虎》，当然亦少不得成龙电影里插科打诨的一众日本美女。 20世纪90年代的卖座保证是“双周一成”(周润发、周星驰及成龙)，周星驰独有的“无厘头”喜剧深得民心，有人认为他的“无厘头”文化和"XX"后港人逃避现实的心态相通，他的作品如《逃学威龙》、《唐伯虎点秋香》、《食神》等等都是90年代的喜剧经典。近年，周星驰明显减产，一边休养生息，一边走上幕后之路。 周润发在80年代中后期凭《英雄本色》肯定他在香港影坛至尊无上的地位，之后拍了一连串英雄片、动作片，虽偶有票房失利，但基本上依然甚有观众缘。近年进军好莱坞，除拍一贯的动作片(如《血仍未冷》) ，还尝试拍如《安娜与国王》这类文艺片，似乎仍未有打算回归拍港产片之意。 至于成龙则大致维持一年一部大制作，票房上依然不俗(但相对于80年代的成绩，近年成龙作品已不算大卖)，惜在电影风格上难求突破。 导演方面，“双王”王晶和王家卫可谓双映成趣，一个擅拍商业味道极重的电影，更被揶揄为“屎尿屁”导演；一个专挑大明星合并，产量少、艺术味浓，往往得到国际影展的垂青，两人电影风格回异，但在九十年代的香港电影占着举足轻重的地位。 另外，新浪潮创将之一杜琪峰近年颇受瞩目，作品叫好又叫座，愈来愈有个人风格。还有凭《香港制造》打出名堂的陈果亦成功地从独立电影导演变为香港主流电影导演之一。 科幻特技也顺着世界性的大趋势融入香港电影之中，《风云之雄霸天下》与《中华英雄》是其中成功的例子，而动作片 《特警新人类》及《紫雨风暴》、《蓝血人》更特别邀请外国特技效果专家设计爆炸场面，令观众叹为观止。 总括来说，20世纪90年代的香港电影虽然较诸于80年代有所失色，但似乎在创作意念及电影制作方面则有过之而无不及。一些小成本制作的独立电影如《过海隧道》、《天上人间》等亦有公映的机会，加上数码电影的冒起，而剧本创作亦得到应有的重视。相信踏入新纪元，香港电影将会追求更高的质素，并带领整个亚洲区的电影业迈向国际影坛。 2003年是香港电影业最黑暗的一年。除了经济继续低迷之外，非典型性肺炎（SARS）病毒爆发，使许多戏院空空如也，并令电影制作停顿四个月；该年只共拍摄54部电影。香港的两位著名歌手兼演员张国荣(46岁)和梅艳芳(40岁)的死，对电影业更是雪上加霜。
《剑雨》由小马奔腾影业和香港寰亚综艺共同投资，高额的成本，据悉耗资1400万美元，重量级的制作班底，加上12位国际大牌演员的加盟使得其成为一部最具期待的大片。此外，大S、林熙蕾、吴佩慈、江一燕几位性感女星的出演，也为这部武侠悬疑爱情巨制增添了几分“春色”。

『叁』 现在的香港电影为何越来越差，都是哪些原因引起的

1985-1996年。香港涌现大批优秀电影香港涌现大批优秀电影，票房冠军成绩上涨到5700万元，达到了阶段历史的顶峰。这个时代可以说是香港电影的黄金时代。 强大的明星魅力，出色的商业片制作能力，相同的文化背景，使得香港电影在台湾、新马泰等海外华人社会同样获得认同。同样，出色的电影为香港电影带来大量的资源。使得香港电影更加繁荣，但为什么从97年开始，香港电影就开始没落，鲜有优秀的电影出现呢。
内因：1.邵氏对香港电影业的垄断，提及香港电影，必定跳不过邵氏。当时的邵氏电影可以说是独大，有演员有片场有影院，全产业联动。而且当时的演员全靠工资生活，任你的电影再火也不会有太多的额外收入。这些大量减少了电影拍摄的投入，所以纵然电影票房不好也不会有太多的回本压力。但这也让邵氏并没有继续加大电影的投资，尽管香港电影那时一片繁荣，但是成本的限制却让其没有足够的进步。虽然邵氏对香港电影做出了贡献，但是以其体量，是否做的足够多呢？
2.资金问题：粗制滥造的电影导致资金回本困难，无法尽快投入新电影的拍摄。本土经济不景气，外商开始撤资寻找新的市场。当时的年代，虽然大陆已经定下对西开放的基本政策，但是中西方在政策，贸易，法律上仍有很多问题出现，这时候，被英国统治一个多世纪的香港就成为大陆同西方及台湾的经贸中转地。但是随着大陆开发政策的逐渐实行和落实，香港的经济也收到冲击。3.演职人员：提起香港电影的衰落，估计第一个想到的就是好演员好导演青黄不急，但为什么我放在后边说，因为这其中有这因果关系，正是因为香港市场受到冲击，周润发，成龙等投身好莱坞，但当时的香港环境却没法迅速造一匹新星出来。
香港电影的衰落，很重要的一方面是外因：外因：1.国外电影业的崛起：1997年，《泰坦尼克号》获得21亿美元的票房。而同年的香港票房冠军只有4500万。从97年开始，香港的海外市场败退，本土市场也受到挤压。而在国外电影蓬勃发展的同时，香港电影却仍是踏步不前，票房冠军仍然在三四千万左右徘徊。2.观众喜好的变化：经济发展的同时，人们的需求也发生了变化，加上美国大片的冲击，观众开始追求更高制作，更新颖的电影。而香港电影仍是那几样，并没有出现真正的创新。3.国际经济局势的影响：97后，国际经济的发展带动了各国电影的发展，韩国，美国都出现了不少优秀的电影，而原先投资香港电影的台湾金主也开始撤资，香港电影的市场和资金供应都受到影响。
这些原因也形成了恶性循环，让香港电影的崛起变得更难，也很难重现当初的繁荣景象，再涌现出往日的经典电影了。

『肆』 如何评价电影《黄金时代》

1、电影的缺陷皆源于这是一部根据真实人物所拍的传记片，编剧过于尊重史实乃至缩手缩脚。

2、影片的缺陷来自编剧，优点来自导演。冤有头债有主，大家要找对人。

演员不断的打破屏幕间隔的间离式叙事手法招致很多人的批评，我并不觉得这是问题。同样是“被嫌弃的一生”，中岛哲也在《被嫌弃的松子的一生》中玩得嗨多了：音乐剧、舞台剧、MV、剥洋葱式非线性叙事结构...你不会觉得《松子》难以理解，甚至觉得很好看。同样，我不觉得《黄金时代》非线性叙事结构难懂，当然“去高潮化”的拍摄手法使其并不"好看"。为什么你能接受《松子》的表达方式而不能接受《黄金时代》的表达方式？因为《黄金时代》的传主是真实人物，编剧乃至观众潜意识中拒绝用过于“夸张”的表达方式。

我所不满的在于编剧过于谨慎。整部电影象影像化的“亲朋好友忆萧红”，几乎每个角色的每句台词都有出处，可见编剧的确在搜集资料方面下了大功夫。当角色们念出台词或者对着镜头讲述时，我甚至觉得屏幕下方会出现“XXX（人名），《XXXXX》（回忆录书名），XX—XX页”的字幕。越是知名的人物越尊重史实，这点在鲁迅身上体现得尤为明显。他的台词完全是文本式而非口语化，听着这个“人物”大段大段说出文章中的“台词”，这种处理方式我觉得“过了”。

编剧事无巨细的客观的描述萧红何年何月在何地作了何事，但是他忘了最关键的一点：萧红为什么这么做？或者更进一步：萧红是怎样的女子？这才是很多非萧红迷关注的事。我说我想去看《黄金时代》，亲友不屑的说：“萧红的电影有什么好看的？”言外之意自然指她身上的“破事”。而我想了解的并非那些“破事”——虽然这些“破事”很具传奇性——而是萧红这个“人”。很遗憾，这正是影片的缺陷。它忠实的表现萧红作为，比如她依附于各个男人，她对“政治”的抗拒，却忽略了她的所思，即人物动机。为何她这样做？影片语焉不详。《松子》虽然戏谑，但对人物动机的挖掘相当深入。松子童年缺爱，因此一生寻爱，这使观众能对角色有代入感——有趣的是，很多虚拟传记片都将人物动机归结为家庭和童年，比如《公民凯恩》。而萧红，我们知道她父亲对她不好，这在片头片尾略为提及，但通过影片，我们找不到根源动机。如果你是萧红粉丝，对其经历感同身受，自然能分析其动机；但我不是，通过电影我没看到我想了解的内容。

这使《黄金时代》夹在两头不讨好的尴尬境地：不接受其叙事方式的（这其中可能包括萧红迷），觉得这电影装逼且难看；接受其叙事方式的，觉得不够深入、流于表面。归根结底，如前所说：这是真实人物的传记片，编剧不敢表露其态度，因为这可能会招致不同意见者的批评。所以他尽量客观、尊重历史，不越雷池一步。如果编剧大胆一些，干脆用《天鹅绒金矿》的表现手法：影射，真实人物与虚构人物、真实经历与虚构经历夹杂在一起，拍摄手法更随心所欲。观众对传主感兴趣？看完电影自己去查资料吧！

作为一部带有强烈编剧印记的电影，许鞍华作为导演是否好选择？我个人认为，在技术方面，许鞍华无可指摘。影片节奏舒缓而不拖沓，结构扎实而不松散，一些剪辑段落颇有亮点，可见导演的基本功。许鞍华甚至忠实复制了剧本的疏离态度。在三个小时的观看过程中，我没有走神。采用非线性叙事结构的国产电影不多，《黄金时代》是一个良好尝试。如果将剧本交于其他导演之手，可能呈现效果更差。不过对于可以预见的票房失败，身为导演的许鞍华将会背负主要责任，令人惋惜。

就像《一代宗师》的野心并非《叶问传》，《黄金时代》也并非聚焦于萧红一人。但由于上述问题，出场人物犹如一个个纸片，我们看见他们的经历，听见他们的言语，但他们究竟是什么人？我们不知道（《一代宗师》中，王家卫好歹通过那么多“金句”把人物立起来了）。也许萧红的经历于你心有戚戚，你会由于自己与萧红的相似经历与处境，而将自己的情感代入电影中的萧红。但这并非电影展现于你的。编导选择“不表达态度”，这也算是一种态度吧。

『伍』 这部港片删减了30分钟，上映后票房惨淡，为何在海外大受欢迎

《喋血街头》最初的失败并不能说明这部电影是一部烂片，恰恰相反，是因为这部电影一开始并没有得到大家的认可。

可惜的是，即使影片有张学友和黎明两位天王，还有李嘉欣和李嘉欣两位女神，票房成绩依然不容乐观。虽然没有《财叔之横扫千军》那么惨淡，但票房也只过千万。究其原因，其实是当年香港电影的通病。

李嘉欣的表现打破了标准，剪辑后才上映。这部电影成了徐克心中的遗憾。从此，徐老怪在换人电影的道路上也停止了前进。时隔多年再看《妖兽都市》，别具一格的风采依旧闪耀。

『陆』 好莱坞大片票房在中国市场缩水，是什么原因

由于社会压力的关系，内地年轻人口的比例逐年减少，这是社会趋势。随之而来的也就中老年人口增多，退休的人员比例增大。所以能够坐在影院里消费、为电影提供收视率的是中老年观众，并非年轻观众。那么年轻观众对于电影的消费为什么降低了呢？一方面是年轻人的基数变少 ，另一方面也是社会压力导致内地年轻人的经济压力变大，在娱乐方面的消费也就减少了，毕竟他们有着养家、承担更多社会责任的重任。所以说，内地观众的受众体变化，是导致好莱坞电影在内地的宣传投入增大，销量却在逐渐下降的原因。

有些人可能觉得奇怪，中老年观众就一定喜欢国产电影？现实还真的是这样。现在这批已经退休的中老年影迷，他们在价值观形成的时期并没有接受过外来文化的熏陶，所以他们对于进口的影片、好莱坞的文化根本就不感兴趣。也许他们对好莱坞黄金时代的电影比较认可，但是现在的好莱坞电影离那个时代相差甚远，尤其是宇宙电影完全不在老观众的接受范围内。好莱坞在内地的宣传的确增加投资了，但是从宣传策略来看，好莱坞想“抓牢”内地的年轻观众，引进的西方文化都是年轻人所接受的。无奈现在内地年轻观众的购买力、数量都在下降，所以好莱坞电影在内地的销量逐年下降。

『柒』 互联网进入影视业的利弊

互联网思维中，电影是产品，而观众则是用户。随着互联网经济的深层次介入，传统电影的行业模式和游戏规则也发生着潜移默化的改变。
但究竟何为“网生代”？清华大学影视传播研究中心主任尹鸿表示，网生的电影产品、网生的电影观众、网生的电影导演和网生的电影公司共同构成了所谓的“网生代”。和以前电影的代际划分不一样，它不是时间化的，而是空间化的。在尹鸿看来，“网生代”对电影产业的改变主要体现在5个方面：电影产品的网民化、电影生产的网络化、电影营销的社交化、电影文化的部落化，以及电影市场的多屏化。
北京师范大学艺术与传媒学院教授陈晓云也认为，互联网改变了之前的电影概念，“电影最早是科技，后来是艺术、是文化，但今天电影终于回到了它的原生时期——媒介。”
乐视影业CEO张昭以从业者的角度分析了互联网对传统电影业的改造。“在内容上来讲，电影是由制造业转向服务业。任何一个导演、编剧、投资人，都在为观众服务。之前大家说起电影公司，第一反应就是拍电影的，而现在重要的则是为谁拍电影。”谈到近期的文艺电影《黄金时代》票房走低的原因，张昭认为，这部片子没有很好地回答“为谁而拍”的问题，“为观众服务”是互联网时代电影制作首要考虑的问题。
同在暑期档上映的影片《分手大师》，票房表现不俗，该电影执行制片人成丽就网络时代的电影创作分享了她的经验。她提到，在制作《分手大师》过程中，他们更加注重观众的主观感受，也就是把观众想看到的东西拿到银幕上。“对电影公司来讲，这是一个反向创作。通过对观众的抽样调查，确定观众感兴趣的电影类型和话题，然后反馈给主创。”成丽说，现在的主流电影观众给电影公司提供了生存和发展的土壤，制作方应把用户至上的观念加入电影创作过程中来。
变化的商业模式
互联网和电影的关系，不但改变了电影的概念和创作方式，也为电影市场带来了新话题。
北京师范大学艺术与传媒学院院长周星表示，当下的电影从投资，到策划、宣发、档期、放映形式等都已嵌入到互联网中。从电影《后会无期》和《小时代》系列就可以看出，在微博上拥有逾4000万粉丝的韩寒与3400万粉丝的郭敬明，让影片在宣传之初就风光无限。
尹鸿将互联网对电影市场的改变总结为“产品的互文”。他认为，互联网与电影互相影响、互相链接，使得电影内容更娱乐化，电影市场也更加多元。
张昭将互联网对电影市场的改变称之为“颠覆”，其宣传、推广、发行，乃至衍生品营销都和传统电影业不再相同。宣传推广不仅要注重线上线下的宣传，甚至还要考虑不同场景下的宣传手段。比如在不同时间、地点浏览手机，场景不同，接受信息的方式也会不同。这就是张昭所谓的“O2O场景营销”，他认为这是未来电影行业核心的营销方式。在张昭看来，互联网对电影发行行业的颠覆，体现在多屏互动上。未来五屏联动，可以让观众随时随地看完一部电影。
对此，中国艺术研究院文化发展战略研究中心副研究员刘藩表示赞同，他认为互联网对电影商业模式的改变是全方位的。“从上游来说，互联网介入以后，众筹等模式的出现对电影企业来说是很好的营销方式。从中游来看，在线售票大规模进入，实现了发行功能。而从衍生品环节来说，借由互联网做衍生品营销比传统模式更有优势。”
不变的标准：高品质与文化价值
当下互联网与电影的结合对电影业带来的改变毋庸置疑，而基于互联网思维创作出的电影也更能受到主流观影群体的欢迎。然而，由于互联网的核心受众在14岁到24岁之间，电影创作的网民化必然倾向于青少年的娱乐偏好，这种娱乐需求会令“网生代”电影的娱乐偏向非常明显，甚至出现“娱乐至死”的倾向。实际上，已有很多业内人士开始对“网生代”电影的内容和品质忧心忡忡。
周星也提出，“网生代”给人们的审美和电影品质的标准带来了混乱。今年的电影市场上，部分票房火爆的影片在内容上却饱受诟病：《后会无期》缺乏完整的戏剧性的故事结构，《小时代》系列电影不过是一场场奢华秀的拼接……影评人周黎明认为，电影有两重标准，一方面是商业客观标准，另一方面是思想艺术主观标准。在中国电影产业发展迅猛的当下，这两个观念经常被混淆，才造成了目前电影市场的乱象。
针对这一现象，尹鸿表示，当“网生代”观众成为电影市场支配者的时候，要防止过度娱乐、内容低俗、急功近利等几种偏向。“电影文化不是普通商品，它是文化商品，既要娱乐，也要有文化底线。绿色票房是底线，文化担当是责任。”尹鸿认为，票房很重要，但它不是电影的一切。
融合大于颠覆，互促而非取代
论坛上，与会嘉宾一致认为互联网与电影的融合使得电影的盈利模式有了更多的实现方式，传统电影与互联网电影呈现出各自不同的特征，总体上融合大于颠覆，而并非一些业内人士所预言的传统电影产业模式将被互联网电影取代。
华夏电影发行有限公司常务副总经理黄群飞认为，真正的互联网电影还没有出现，目前只是互联网加入了电影产业。传统电影模式最大的优势是有一个发行窗口，而现在被互联网打破，但是电影通过互联网盈利的部分，还达不到传统电影盈利模式带来的总收入。
中国传媒大学副教授索亚斌认为，互联网电影与传统影院电影实现共赢，还有很长的一段道路，但两者融合是趋势。互联网电影内容与传统影院影片的内容如何做到互补，值得探讨。

『捌』 《东邪西毒》被誉为是港片黄金时代的巨作，为何当年它的口碑与票房却不佳

其实他在当年失败的原因和《大话西游》是一样的，不明白看不懂是主要的原因。王家卫的电影在当时不卖座的有很多，但是这也依旧无法阻止他成为那个时代极具影响力的导演。《东邪西毒》很多人初看都会看得一头雾水，但是如果细细的品味的话，就会发现很多惊喜。

第一遍看《东邪西毒》的时候还是八年前，那个时候也是一头雾水，但是我每年基本上都会再看一遍这个电影，每次看都会发现新的东西，而且每次看都会发现以往看不懂的东西，现在居然懂了。而懂了的我，其实并不觉得快乐。

『玖』 《黄金时代》：我将与蓝天碧水永处

萧红，原名张乃莹，1911年6月1日，农历端午节，出生于黑龙江呼兰县一个地主家庭，1942年1月22日中午11时，病逝于香港红十字会设于圣士提反女校的临时医院，享年31岁。

这短短几十字言，像焚烧的冥纸，随风残尽，送别了萧红，地理空间上跨越天南海北，从呼兰县到香港，孤雁一般；而时间上的字眼又隐现出了无尽的落寞和不甘。

关于萧红与她所的时代，仿佛乱世奔波时偶然遇见的一张深刻的脸，总也难以忘记。你很难想象在中国作家群落里，有这样一个女子，一生颠沛流离，饱经苦难，却又肆意昂扬，你总也不明白，这个女子的内心是怎样的密麻。

在中国，你找不到这样一个既尝无限苦，爱字里不得心，终生漂泊无依，内心却依然像个明星一样闪亮的女子。

萧红像个不谙世事的江湖人，但她的情感又使得她是一个多情的江湖人。漂泊的经历造就了她的文学，但这种文学同时也是苦痛的，满身伤痕，作为一个女子，在抗日的时代，所有人书写抗争，铁一般表现着刚硬时，萧红却书写着为人不满的小说，但如今看来那些文字都是不死的花。

所以，萧红的文字是独属于女人的坚强和任性。萧红就像一道荧光，在漂泊中一点点失去光亮。

我热爱萧红的文字，但我却无法对其人产生爱。

萧红

萧红的一生是和文学紧紧捆绑在一起的，她的文学与生活几乎没有界限，两者共生在一起，这种在苦难中生存的惬意，和对生活独特的注视，是其他文学家所难以具备的。

“生活”在萧红的文字中，像是被嚼了无数遍，已经分解的物质，你可以看见千丝万绪。而对于萧红本身，这个江湖女子，野马一样，又如野花一般，扑面而来的凉意，来自于她的哈尔滨，来自于她的弃儿，这种风霜里的生活，使我感受不到温暖，只有难过。这种难过进而变异为一种恶心。

对于电影开头部分萧红所过的那种凄惨、决裂的生活，在寒冷的哈尔滨，抛弃孩子与家乡，与一个又一个的男人纠缠不休，我不钟情于这种的爱情生活，甚至于有点恶心，我不反感在困顿潦倒的生活中坚挺着的爱情，前提时这种相互扶持的存在是一种道义上的正确，绝非这种四处沾惹，小孩子一般。萧红最终的结果也应证了，这种缺少信仰，只是因为激情，就去义无反顾就相互缠绕的爱，尤其在那个年代，显得多么脆弱和可怜。

电影所表现的不单单是萧红的个人传记，更是一种群像，是以萧红为主体的以及那个时代，那是一个崇尚文学的时代，那是一个热血赤诚的时代，总而言之，那是一个黄金时代。

这种时代背景包括两个方面：抗日战争的时代，以及文学激情的时代，这两个时代在身体与灵魂的两个方面塑造了萧红。

在影片中，导演也意欲最大力度的寻找那个时代，于是昏黄深沉的色调，回到历史坐标的物件，文人的对话。令我最印象深刻的是，电影中表现出来的那个时代对于文学的态度：毫不矫揉造作，热情洋溢的书写，讨论，夸赞。

萧红看似是一个很洒脱，很肆意的文艺女青年，她逃脱家门安排的婚姻，逃开故乡，甚至于可以“轻松”的抛弃自己的孩子，大多数人似乎都在佩服这个野马一般的江湖女子。但其实，在这种表象的自由和洒脱之下，其实是一个极其被动且无助的女人，她被无情地挤压着，被那个时代牵着走，被爱着的男人牵着走，被病痛牵着走，从东北到日本，再到山西，延安，武汉，到香港……

在这种无可奈何伤心人的意义上，似乎才更能明白萧红拼命去寻找写作，寻找文学，而更悲哀的想，萧红也只剩下了写作这个孤孤单单的权力。所以，文学和写作是萧红的一切，她不愿意跟随那个时代作家的脚步，去写一些政治意义上的东西，她也不愿意成为一个左翼作家，在所有的潮流都遵循抗战的指示时，萧红拿起纸笔，在生命最后的那几年，写出了《呼兰河传》，这部被誉为80年代中国最重要的小说。

萧红的作品更接近文学的本质，这种文学的原始和纯度是萧红内心深处唯一的明灯，它点亮和温暖着萧红。电影《黄金时代》中，萧军与萧红闲聊问她为什么还眷恋这个世界，她现在自杀的条件如此充足。

萧红回答，因为在这个世界上，还有一点能让我死不瞑目的东西存在。

我想那应该是文学。

生命的经历成就了萧红，她的文字敏感而又绵长，正如她出生的呼兰河水一样。萧红对于幸福是追求的，但她反观自己的一生，却也产生怀疑和害怕。

萧红其实是一个被文学意义放大了的，那个时代的悲惨女人。如果时代安好，作为作家的萧红或许更顺利，因为31年的岁月，萧红就已经写出了百万字高质量的作品。但我们不能自私的想，她的内心和性格，注定也过不了平凡的生活，波折给她的写作灵魂注入了养料，同时也在物理上销毁了她；同时她经历的那个时代也是整个民族的伤痕。

萧红与萧军、端木蕻良

毫无疑问，萧红与萧军的情感最深，但他们不是一条路上的人。萧军充满精力，热爱战斗，不想这一生只是写作；而萧红静悄悄，渴望过平凡安定的生活（这很讽刺，这一生萧红都在漂泊），安心写作，有人爱自己。萧军欣赏萧红的才华使得他们相识，他们两个人的存在像两个刺猬，仅靠文学上的一点养料，拥有着不同的价值观和文学观，使得他们常常会扎伤对方。

更重要的是，萧军带领萧红走上了文学的道路，在启蒙的起点上，这一段深刻的记忆与爱长久的盘旋在萧红的内心。令人唏嘘的是，萧红与萧军在一起时，怀着别人的孩子，而离开萧军与端木在一起时，又怀着萧军的孩子。

至于端木蕻良，他们之间的爱应该是更平常的爱。因为与萧红在一起，端木被后人指责多年，那时萧红与萧军正经历感情的变革，在分手的临界点，这时候端木出现了。他崇拜和仰慕萧红的才华，二人的文学风格也是相近的，这时两人在文学上产生灵魂的共鸣。萧红将爱转移到萧军身上，半真半假，萧红似乎应该是想用另一个自己还挺喜欢的男人，在心里去代替萧军的位置。

但事实证明，并没有。他们之间还有密密麻麻的东西，简直太多太多，说不清道不明。这两个男人，一个带领她走进了黄金时代的起点，一个陪伴她生命最后的时光。他们与萧红都不是最好的结合，但在最好的年华，萧红遇见了他们。

以上这些是在电影浮面上的一些情感的言说，并未太关注于电影本身。说回到电影，许鞍华被萧红的传奇性所吸引，31的年华逝世，就已经蜚声文坛了，在这个年纪很多作家连第一本小说还没写。此外，许鞍华在艺术追求上看到一个与自己相似的人。

这部电影许鞍华做的很庞大，似乎想填满整个人物的一生。在光影上，除了寻找时代感与文学气息之外，导演更多的是遵循与萧红一样的创作方式：没有太多变化或者变形的镜头，一切在规则之内，也没有束缚和指导演员的表演，只是给予一个框子发挥，这个框子是历史传记片的基本，在框子之内都遵循演员自我的表演。因为萧红的写作就是这般，将生命中的细腻托给你看，并不加以修饰，不让其本性改变。

此外电影被观众不能接受的就是断断续续，贯穿全片的与镜头对话的“间离”。

电影中的“间离”效果：

间离效果，即欣赏者与欣赏对象之间产生一定的隔离，从而使欣赏者处于一种独立思考的状态。

电影《黄金时代》中的间离产生着好几种的特质，这种若隐若现，在电影和现实之间游离的这种状态，使得电影在很大程度上成为一种先锋意识，在过往也不是没有过这种间离的表现，但如此大程度的，贯穿全片近三个小时的间离，使得影片整体呈现一种极致的追求，同时这在影片的心中也是不稳定的。

1.这种间离首先发生在演员与角色之间：

电影中，经常是角色在情节中突然转向了镜头，与观众进行对话，从开篇开始即是如此，大段的且多角色的间离，使得演员与角色之间产生一种若即若离的感觉，表演和随时随地间离的独白，将人物与现实中的观众连接起来，看来导演并不想让观众以一种感性的方式深陷在电影之中，这中间离更像是一中魔力的邀请，将欲以轻松姿态的观众邀请在整个庞大的时代之中，从而解除掉观众客观悠闲观望的条件，我望着你，你就要思考。

在电影都在追求两者之间契合时，《黄金时代》的这种方式注定成为一种先锋。

2.这种间离还表现在叙事时空上：

在剧情的前进和发展中，人物脱离情节与镜头对话，那一瞬间所有的东西是被搁置的，只有人物与镜头的交流。正常的叙事被暂时打断，让人忘记这是一个电影，这刚刚发生的剧情，这更像是听一个故事，来自于主人公萧红的朋友。

《黄金时代》票房上的惨淡昭示出大部分观众对于这部较先锋的文艺片的不待见，除了近三个小时的“不知所云”，还应该就是这种直接面对镜头间离的缘故。大众对于这种间离的分析很多是关于导演想更客观，不愿意得到一个影视作品创作出来的主观形象。这可能是一个原因，但我对此有别的看法。

《黄金时代》很大程度上在靠近文学，因为无论是主人公的文学意义，还是那个时代的文学气息，这个黄金时代，文学是第一位的。因此这种直接与镜头产生交流的间离，更像是小说中的情节之外的评论和论述语言。小说中，除了剧情产生的主体描写之外，会有很多作者表达出来的非情节的论述语言，它不是情节描写，却和主题挂钩。

导演做出来的这部《黄金时代》整体可以看作一部小说，小说主体部分是电影的情节表演，而这种间离就是小说中作者的评论。这是形式上的统一，电影成为小说。

再有，这种间离看似使得观众离开电影，抽离出来，但这种间离何尝又不是一种假的间离呢？萧红的一生是靠文学与绯闻出名的，她太传奇，本身就像一部编排成的电影，她的一生都混迹在那些朋友之间，所以这种间离更像是世事飞转，云淡风轻之后，我们坐下来听和看萧红的那些朋友们说过往的故事。所以整部电影表现萧红传奇的一生靠的不仅是电影本身，还有观众。

所以，主体情节、“朋友”的讲述、间离造成的观众的围听，形成整体。虽然编剧李樯说，他刻意而为之这是一部故意扮演的传记片，这种间离是将历史观带进电影中。但我想，这种间离是有真真假假的意味的，意外的将观众连接起来。

这种看似任性的间离，或许也是导演的“心机”，大量的与镜头的交流，迫使观众进入情境，进行思考。

风云人物的故事总要有人听，否则风云人物的魅力从何而来。导演让我们用这种方式倾听，从而成全萧红的传奇性。观众与整部电影的关系，就像桥身和桥的支架，我们托起整部电影中萧红的人生。

我有时候觉得，像萧红这样的作家，活着的时候就受尽苦难，而多年之后作为后人的我们在阅读她的书籍和相关电影时，还在感受这种苦难。仿佛她们永生永世都与苦难有关，这仿佛已经成了一种“诅咒”。

『拾』 刘德华的影响力那么大，为何有些他主演的电影票房却不是很高

在华语娱乐圈，刘德华是一个神奇的存在，说他是传奇也不为过。

不过对于如今的年轻观众来说，刘德华这个名字肯定是听说过，而且有一定人气，但如果说到作品尤其是电影，这些年却没有什么值得关注，尤其有些还口碑票房扑街。

比起那些年轻的当红演员，刘德华的很多电影确实票房不高，但不要忘记刘德华也曾经创造过那么多经典之作，而现在这个市场没有为他准备好足够多的好作品，他也只能勉为其难。

期待刘德华能够拿到更多适合他的电影，好让他的魅力持续在大银幕上展现出来。