美国电影城市摄影后期

❶ 试分析美国电影各发展阶段的特点

一、起源

有记录的第二张捕捉并再现运动的照片记录为埃德沃德·迈布里奇在加利福尼亚的帕罗奥多拍摄的一组奔马照片。在拍摄时，他将一组静止的照相机摆于一排。他的成就促使各地的发明家开始尝试制作类似功能的装置，以捕捉此类运动。

在美国，托马斯·阿尔瓦·爱迪生就是最早开始制作这类装置的人之一，他制成了活动电影放映机，但由于该装置的专利实施很严格，致使早期的电影制作人只能寻找替代品。

在美国，最初只是在轻歌剧的间歇为许多观众放映电影。企业家的各种电影展示活动，促使了戏剧性电影制作的首次世界范围性的尝试。

在美国电影业发展的早期，纽约是电影制作的中心。位于皇后区的考夫曼·阿斯托里亚制片厂（Kaufman Astoria Studios）创建于无声电影时期，那时马克思兄弟和费尔兹（W. C. Fields）在那里工作。

此外，曼哈顿的切尔西也是电影制片的主要场所。奥斯卡最佳女主角玛丽·毕克馥的很多早期电影也是在这个地区拍摄的。但是，因一年四季的宜人气候，好莱坞成为电影拍摄的更佳选择。

二、好莱坞的崛起

在1910年初，美国电影放映机与传记公司（American Mutoscope and Biograph Company）派导演大卫·格里菲斯带着他的演员团队到西海岸去拍摄电影，演员包括巴兰彻·斯威特（Blanche Sweet）、吕伦居殊、玛丽·碧克馥、莱昂纳尔·巴里摩尔等。

他们在洛杉矶市中心乔治亚街附近的一个空旷外景地开始了拍摄。当时，公司又决定开发新地区。于是他们又向北前进了几英里，到达好莱坞。当时还是小村庄的好莱坞，非常愿意让电影公司在那里拍电影。

之后，格里菲斯完成了在好莱坞拍摄的第一部电影。这部电影叫做《在古老的加利福尼亚》（In Old California），是一部传记式情节剧，描述18世纪初的加利福尼亚，当时还隶属于墨西哥。美国电影放映机与传记公司的人员在好莱坞呆了数月，又继续拍摄了几部电影，才返回纽约。

当时是1913年，在听说了该公司在好莱坞取得的成功后，很多电影制作公司也纷纷向西挺进，以避免托马斯·爱迪生的电影制作工艺的专利费。在加利福尼亚的洛杉矶，电影公司和好莱坞同步发展起来。第一次世界大战前，电影仅能在几个美国的城市完成。

但随着电影业的发展，电影制作公司被吸引到加利福尼亚南部，因为那里气候温和、阳光明媚，一年四季都可在户外拍摄，那里还有各种各样的布景。虽然电影（特别是美国电影）的起始点众说纷纭，但是格里菲斯于1915年拍摄的史诗电影《一个国家的诞生》，成为全世界第一个电影词汇，至今仍在胶片史上占据重要地位。

在20世纪早期，当媒体还是新事物的时候，很多犹太移民在美国电影业中找到了工作，并留下了自己的足迹：在临街的五分钱剧院（Nickelodeon）中放映电影短片（剧院取此名是因为当时的门票价格为五分钱）。

一些年后，其中有抱负的电影人，如塞缪尔·戈尔德温、威廉·福克斯、卡尔·拉姆勒、阿道夫·朱克尔（Adolph Zukor）、路易斯·B·迈尔（Louis B. Mayer）和华纳兄弟（即哈利、亚伯特和杰克）纷纷转到电影制作上，很快就成为了新型企业，即电影公司的巨头。

（当时还有一位身兼女导演、也是制作人和电影公司巨头的人物爱丽丝·盖·布兰琪（Alice Guy-Blaché））他们为电影业的国际化奠定基础；不过美国电影业常被指责为以美国为中心的偏狭观念。

一战后，一些欧洲导演恩斯特·刘别谦、阿尔弗雷德·希区柯克、弗里茨·朗、让·雷诺阿，以及演员鲁道夫·范伦铁诺、玛莲娜·迪特里茜、罗纳德·考尔曼和查尔斯·鲍育（Charles Boyer）等电影人纷纷来到美国。

他们加入了一个演员的自我发掘时代——在有声电影诞生后，纽约城剧院的演员纷纷加盟了这个20世纪最受瞩目的发展行业。20世纪40年代中期，电影行业达到高峰期——美国影院每年上映约400部电影，每周有近9000万美国民众前去影院观看。

“威廉·海斯拯救美国电影业”，出自美国漫画家赛勒斯·亨格福德（Cy Hungerford），1922年

20世纪20年代后期，有声电影在好莱坞逐渐升起。1927年，首部有声电影《爵士歌手》使用维他风唱片机，同年5月，西方电气公司旗下分部电器研究产品有限责任公司（简称ERPI）在电影配音方面获得垄断权。

有声电影一方面的影响就是许多无声电影演员接不到工作，因为他们多数人的嗓音糟糕或是记不住台词。1922年，美国政客威廉·哈里森·海斯（Will H. Hays）离开政坛，组建了前身为电影制作室组织的美国电影制片发行商协会（MPDAA），该协会在其退休后改为美国电影协会。

有声电影的发展早期，美国的电影制片厂发现他们的有声作品不为非英语国家的电影市场所接受，甚至在其他的英语国家中也遭到冷遇，原因是那时的同步配音技术仍相当不成熟。解决办法之一是制作与之对应的外文版好莱坞电影。

1930年左右，美国公司在法国桥连城建立了一家电影制片厂。多个不同的电影摄制组在那里分时工作，他们使用相同场地，穿着相同服装，甚至绝大部分的场景也是相同的。国外的失业演员、剧作家、选秀比赛中的优胜者经过筛选后被派往好莱坞去拍摄好莱坞英语电影对应的非英语版电影。

这些版本的电影的拍摄预算不高，由二流的只会讲英语的美国导演执导，通常在晚上拍摄。西班牙语摄制组中包括了路易斯·布努埃尔，恩里克·嘉蒂耳·彭塞拉（Enrique Jardiel Poncela），莎维尔·库加（Xavier Cugat）和埃德加·内维列（Edgar Neville）等人。

一些外文版的好莱坞电影绝对可以和它们的原声版相媲美，西班牙文版的《惊情四百年》就是其中一。到了20世纪30年代中期，同步配音技术已经发展得相当成熟了，外文配音就变得很寻常了。

三、好莱坞的黄金时代

所谓好莱坞“黄金时代”，是指从1920年代末，即无声电影时代末期，至1950年代末这段时间。成千上万部电影在此期间产生。其开始标志是1927年出品《爵士歌手》，其中音效的使用不仅结束了无声电影时代，同时也增加票房收入。

不管是西部片、闹剧、音乐剧、动画片还是传记片，好莱坞影片几乎都遵循一个模式——每个电影公司出品的电影，都有自己特定制片团队。

例如，塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）和赫伯特·史托哈特（Herbert Stothart）效力于米高梅电影公司，艾佛瑞·纽曼在二十世纪福克斯电影公司工作了20年，赛西尔·德米尔的电影大多由派拉蒙电影公司制作，而导演亨利·金（Henry King）的电影则大多由福克斯出品。

同时，人们根据影片中的演员阵容就可以大致猜出该部电影的出品公司，米高梅声称“旗下的电影明星比天堂里的还要多”。每个电影公司的电影题材和独特风格也使得人们猜到每部电影的出品公司——这一现象在今已不复存在。但是每部电影都与其他电影有着些许区别。

不像汽车制造者，拍摄电影的人都是一些艺术家。譬如，1944年的电影《逃亡》（To Have and Have Not）之所以出名，并不仅仅是因为男一号的扮演者亨弗莱·鲍嘉和劳伦·巴尔考，而且是因为这部电影的剧本出自两位诺贝尔文学奖作家：电影原著小说作者海明威和该剧本改编者威廉·福克纳。

在整个1930年代以及黄金时代的大部分时间里，米高梅主宰着电影市场，并拥有大量好莱坞超级明星。同时，米高梅也因创造了好莱坞明星制而备受好评。

米高梅的明星包括“好莱坞之王”克拉克·盖博、莱昂内尔·巴里莫尔、珍·哈露、诺玛·舒利亚、葛丽泰·嘉宝、珍妮特·麦克唐纳（Jeanette MacDonald）及其丈夫金·雷蒙德（Gene Raymond）、斯宾塞·屈赛、朱迪·加兰以及金·凯利。

在这一时期美国电影业取得的另一个伟大成就是华特迪士尼公司。1937年，迪士尼制作了当时最成功的电影，《白雪公主与七个小矮人》。1939年，米高梅创作了历史上最成功的电影——《乱世佳人》，尽管在大萧条时期，这部电影仍然是史上票房最高的。

很多电影历史学家对这一电影高产时期创作出的许多伟大电影作品都做出了评价。其中一个原因可能是：制作了这么多部电影，并不是每一部都必须成为热门。

电影厂可以在一部有着优秀剧本与相对不是那么出名的演员的中等预算故事片身上冒险：而由奥森·威尔斯导演的《公民凯恩》符合以上描述，它也被视为史上最伟大的电影。另一些情况下，像霍华·霍克斯、希区柯克及法兰克·卡普拉等坚定的导演们为了达到他们的艺术理念，而与片厂进行“斗争”。

1939年是片厂制度的鼎盛时期，有很多经典电影在这一年发行，如：《绿野仙踪》、《乱世佳人》、《驿马车》、《史密斯先生上美京》、《呼啸山庄》、《天使之翼》、《异国鸳鸯》与《午夜》等。

黄金时代以来的电影中，现在被誉为经典的有：《卡萨布兰卡》、《风云人物》、《一夜风流》、原版《金刚》、《叛舰喋血案》（Mutiny on the Bounty）、《城市之光》、《红河》与《大礼帽》等。

四、片厂制度的没落

“小三”(环球影城，美国艺术家和哥伦比亚影业)没有自己的剧院，拒绝分享同意裁判书。许多独立制片人也对折衷和形成一个众所周知的独立运作电影制片人的体系，控告派拉蒙垄断底特律剧院不满意-因为派拉蒙通过控制演员，像鲍勃霍普，波莱特戈达德，维朗妮卡湖，贝蒂赫顿；

经纪人透露宾克罗斯比，艾伦拉德和长期为加里库珀工作室工作的长期演员-自1942年开始。在二战期间，五大电影公司没有达到同意裁判书的要求，没有发生重大后果。但是二战结束后，在好莱坞反垄断案中，他们作为被告加入了派拉蒙。

最高法院最终裁决主要制片厂电影院的所有权和影片发行是违反谢尔曼反托拉斯法。结果，工作室开始释放演员和技术人员通过与他们的合同。好莱坞主要的工作室改变了电影的模式，因为每个工作室都挺有一个完全不同的演员阵容和创新团队。

这导致了逐渐失去特色，米高梅电影制片公司、派拉蒙公司、宇宙公司，哥伦比亚公司，RKO公司和福克斯电影公司很快认识到这一点。

但是某些电影人，例如塞西尔B德米尔公司同演员的合同也是到他们职业生涯的最后或者电影使用相同的创意团队，以至于德米勒电影无论是1932年制造还是1956年制造看起来仍然像是一个模式。并且每年电影制作的数量随着平均预算猛增而下降，在行业策略上标志一个重大变化。

现在工作室目的在于生产娱乐，而这种娱乐是电视无法提供的： 壮观的，有英雄色彩的影片。工作室还开始出售部分电影胶片库给其他公司去销售电视。到1949年，所有大型电影制片厂放弃了他们剧院的所有权。

电视也有助于好莱坞黄金时代的下降，因为它打破了电影业在美国娱乐界的霸权地位。尽管电影业在19世纪50年代随着长期政府检查制度淡化，在未来电影中能够获得一些影响力。在派拉蒙反垄断案结束后，好莱坞电影制片厂不再拥有电影院，因此致使美国影片能够在美国电影院不需要审查制度。

这补充了1952年奇迹在斯泰因公司同约瑟夫威尔逊事件的决定。 美国最高法院改变了其早期的立场。从1915年的相互电影公司同俄亥俄州案工业委员会的案件中，陈述了电影是艺术的形式，有权保护第一修正案；美国法律不再审查电影。

到1968年，美国电影协会（MPAA）代替了海斯法典-在政府威胁检查后，其现在极大侵犯了美国电影协会，证明准则的起源已经同电影分级制度一起结束了。

五、新好莱坞和后经典电影

后经典电影这词用来形容新好莱坞变化的故事叙述方式。人们认为新的剧本与塑造人物的新方式利用观众在经典时期培养起的期望：打乱的年份，以结局出人意料为特色的故事情节，主角与反派间模糊的台词。

后经典故事叙述的本质展现在黑色电影中，如1955年《无因的反抗》，以及希区柯克情节支离破碎的《惊魂记》。

“新好莱坞”一词用来描述新一代电影学院培养的导演的崛起。他们掌握了六十年代欧洲发展起来的技巧。1967年电影《邦尼和克莱德》标志着美国电影重振的开端，也意味着此后新一代电影，在票房上能够取得成功。

好莱坞一直坚守制片人中心制的原则，新好莱坞独立制片的出现，开创了导演和制片人融合的趋势，形成导演资本制。

同时担任电影制片人和导演的法兰西斯·福特·柯波拉、佐治·卢卡斯、布莱恩·德·帕尔玛、马田·史高西斯、威廉·弗莱德金、史蒂芬·斯皮尔伯格开始拍摄向电影历史致敬的影片，并发展了现有的电影体裁与技巧。七十年代早期，他们的电影不仅受到好评，还取得票房成功。

早期的新好莱坞电影，例如邦尼与克莱德，逍遥骑士是成本较低的影片，没有道德上的英雄而是增加了性和暴力，然而，哥普拉，斯皮尔伯格与卢卡斯各自凭借《教父》，《大白鲨》以及《星际大战》取得了巨大成功，这有助于现代大片的产生，也吸引制片厂更加关注制作更多大片。

这些年轻导演的更多投入并没有带来好处。通常，他们把时间表排的太满，预算超支，因此导致自己或摄影棚破产。最有名的两个例子是科波拉的《旧爱新欢》，最典型的是迈克尔·西米诺的《天堂之门》，单是这部影片就使美国联艺电影公司破产。

Sir Alfred Hitchcock，（1899年8月13日－1980年4月29日）原籍英国，是一位闻名世界的电影导演，尤其擅长于拍摄惊悚悬疑片。

这位世界所公认的恐怖大师，事实上也是由他发明了“惊悚文艺类影片”（the thriller genre）这一电影类型。阿佛莱德·希区柯克同时也是个优秀的技师，熟练的把性感、悬疑、幽默都融合在一部电影里。

(1)美国电影城市摄影后期扩展阅读：

今日好莱坞

一、运作特色

好莱坞电影常会有透过片厂（电影发行商）与制作人签约合作的方式，分别让片商负责贩售的通路，而制作人则专注于电影本身，出产行销全球的大型制作影片。

二、叙事美学

在好莱坞影片的剧情铺陈，少有文化或语言的障碍，其主题多是可跨文化传播的高概念电影，这样的作品因为主题符合主流市场，故全球都容易推销。因此现在好莱坞也成为世界许多地方电影的代名词。

虽然此类电影票房好、跨文化，但也有文化评论者批判若独尊高概念电影，会造成电影叙事风格如出一辙，了无新意，“是一种商业化和专断化，最终将导致多样化的消失。面对这样的全球霸权，负责任的电影人和批评家应该让眼光超越好莱坞，建设多元的电影模式”。

三、产业规模

美国因为电影相关的文化产业，造就了许多的工作机会与庞大的商机。据美国电影协会报告指出，2011年美国电影业造就的就业总数超过220万人，其中约有70万名为直接的电影行业从业人员，另外150万名为间接受雇支援电影制作工作的各种人员，2012年美国电影业收入为107亿美元。

❷ 美国比较优秀的影视院校有哪些

1、加州艺术学院

加州艺术学院，位于美国加利福尼亚旧金山湾区。在US NEWS 2016年美国设计院校排名中位于第6位。由艺术家和设计师 弗雷德里克·梅尔（Frederick Meyer）于1907年所建立，至今已有110多年的悠久历史。

2、哥伦比亚大学

哥伦比亚大学（Columbia University），正式名称为纽约市哥伦比亚大学（Columbia University in the City of New York），简称为哥大，是一所位于美国纽约曼哈顿的世界顶级私立研究型大学，为美国大学协会的十四所创始院校之一，常春藤盟校之一。

3、南加利福尼亚大学

南加利福尼亚大学（University of Southern California），又译南加州大学，简称南加大（USC），是美国西海岸最古老的顶尖私立研究型大学，位于美国洛杉矶市，1880年由监理会创立，是美国大学协会和环太平洋大学联盟成员。

4、纽约大学

纽约大学（New York University）简称NYU，是一所位于纽约州的世界顶尖私立研究型大学，成立于1831年，由18个学院和研究所组成，是全美办学规模最大的私立名校之一，同时还在中国和阿联酋建有上海纽约大学和纽约大学阿布扎比分校。

5、佛罗里达州立大学

佛罗里达州立大学（Florida State University）创校于1851年，它是一所公立研究型的高等学府，它位于美国佛罗里达州首府塔拉哈希（Tallahassee），并为佛罗里达州公立大学Florida State University体系中的一员，是美国最具活力的高等教育机构之一。

❸ 美国的电影之城叫什么

好莱坞(Hollywood)，位于美国加利福尼亚州洛杉矶市的西北部。作为美国电影电视工业的中心。这是一个同巨大的财富和梦幻联系在一起的地方。 好莱坞最初只是一片小村庄。20世纪初，美国电影制作中心由纽约逐渐移向阳光明媚的西海岸。1913年西席·地密尔在好莱坞大规模的拍摄活动和派拉蒙公司建成的第一个名副其实的摄影棚，标志着电影城好莱坞的诞生。随后，好莱坞迅速成长为美国和世界电影制片业的中心，它不再仅仅是一个地名，而成为美国电影工业体系的代名词。这一工业体系的发展是建立在大制片厂制和明星制基础上的。大制片厂制作为好莱坞电影独特的制作方式，其特点是：发展大而全的垄断性企业，例如米高梅、派拉蒙、华纳兄弟、20世纪福克斯等八大公司就大多是集制片、发行和放映于一体的大型垄断企业；制片厂内部分工精细，强调集体合作，消解个人作用；实行制片人专权制；突出演员作用，这便形成了所谓的明星制。明星制是制片厂为保证高额票房收入而创制的，对明星而言则意味着名利双收和长期被固定于某一类型的角色中。 直到40年代，好莱坞一直保持着世界最大的电影梦幻基地的地位。第二次世界大战后好莱坞开始衰落，电视的兴起和反垄断法的实施导致了大制片厂制度的解体。好莱坞在衰退中，顺应时代潮流发展了电视制作。60年代末70年代初，好莱坞电影业开始复兴。从80年代中期直到今天，美国电影业又以其巨额的投资和高科技手段的运用，使好莱坞重又恢复了世界影业霸主的地位。

❹ 美国大片中的特效是怎样制作的

电子动画学
Animatronics Animatronics是Animation和Electronics的合成词，是利用电气、电子控制等手段制作电影需要的动物、怪物、机器人等的技术。一句话就是制作机器人演员的技术。 “星球大战”中的R2D2，“侏罗纪公园”中的恐龙，“勇敢者的游戏”中的狮子和蜘蛛，都是用Animatronics制作的演员。在Animatronics领域中，最有权威的人士当数费尔·提贝，他在电影“侏罗纪公园”和“星舰骑兵”中担任过电子动画效果监督。 目前Animatronics在Motion Capture(运动捕捉)领域里也在跃跃欲试。要用电脑图形非常自然地表现人体不可能表现出来的形态，靠Key-Frame Animation（关键帧动画）是不容易得到自然移动的效果的。结果就要靠机器人演员来做需要的动作，然后在电脑里利用机器人演员的数据制作出很自然的动作。如果想想Stan Winston制作的 Mouse Hunter就容易理解了。
计算机图形
Computer Graphics 从1977年制作的电影“星球大战”开始，Computer Graphics在电影中占的比例越来越大。如今电脑特技技术有了相当的发展。卢卡斯原以为因电脑特技技术的落后，他所策划的9部“星球大战”系列电影不可能在有生之年完成了。但是如今电脑和CG技术取得了飞跃性的发展，电脑特技能表现的领域也越来越广阔，“星球大战”系列电影也可以全部完成了。 电影中的巨大水柱和恐龙等都是利用CG进行再创造的形象。如今通过这种影像，人们可以感受到Computer Graphics技术离我们如此之近，在这些创作中，制作“蚂蚁”的PDI公司和制作“玩具总动员”、“昆虫总动员”等影片的Pixar公司都是不断开发利用新技术、开拓CG应用领域的先锋。
[编辑本段]影像合成
Compositing 这是影视剧特殊效果制作中占最大比例的部分。影视剧中的2D效果基本使用Dissowe或Wipe.Pan以及Matte Painting等合成影像。这对形象的自然表现非常重要。 过去用传统的光学方式进行影像合成，合成的影像越多，画面质量越差。为了克服画面质量下降，ILM用了Vista Vision摄像机。而如今因数字技术的应用，影像合成质量和特殊效果等都使电影的表现力得到很大的提高。“阿甘正传”中跟总统握手的场面是展示数字合成技术无限应用潜力的最好的例子。

Miniature 把不可能实际拍摄到的布景、建筑物、城市景观、宇宙飞船等做成微缩模型的叫做Miniature。Miniature是电影史上使用历史很长的传统特殊效果。这种特殊效果将来也会在影视剧中继续使用。 理论上可以用CG来代替Miniature，但是，现在CG比模型摄影质量和真实感都差，比例和细节部分都不够理想。因此电影制作中还是把Miniature作为首选。只有用Miniature无法拍摄到的场面才用CG制作。因此CG的利用还是有限的。举个例子， 影片Lost in Space没有用Miniature 摄影，而把大部分场面用CG来表现。因此影片的真实感和深度感都很差，看电影的感觉就像玩电子游戏时的感觉一样。 因此，目前业内人士不赞成使用CG模特。简单举个例子，电影中所有有关纽约市的Miniature都是由Hunter Gratzner来制作的。而如果用CG来表现纽约市的话，如何管理那么多的数据量,对CG工作者们来说还是难题。
爆破效果
Pyrotechnic 爆破效果是利用化工技术表现出的效果，在特殊效果领域中占很重要的地位。一般用爆破Miniature或用CG合成渲染影像，跟其它部分连起来使用。 因火药的制作方法不同，火焰的形态和颜色也不同。炸药的安装位置和用量决定爆炸时场面的形态。因此这是相当依赖经验和理论的专业领域。在互联网中查找跟Pyrotechnic有关的站点就很容易找到详细说明爆破效果理论的主页。 拍摄真正的爆破场面不是件容易的事情。因此利用装有Real Motion, Pyromania, Fire Effect等爆破场面的CD-ROM或 Max的After Burn, Light Wave的Hyper Boxell等也是一种办法。Hyper Boxell或 After Burn是应用Volume Metric和Shaer的插件。因此使用得当，就能得到非常逼真的效果。特别是After Burn, 在电影“Armageddon(绝世天劫，华纳，1998)”中用过，很有名气。但是After Burn 的渲染时间比Hyper Boxell慢得多，质量方面因很久没有做过比较，不能断定，可能不相上下。
摄影]
特殊摄影属于专业摄影技法，据说是某位电影制作者在偶然的失误中发现的。 特殊摄影方法可分为四大类。 1.摄像机的操作方式； 2.在摄像机上安装光学装置，如摄像机的滤镜； 3.在后期制作（Post Proction）期间，在显像或光学处理过程中利用特殊处理办法； 4.拍摄Miniature时用的Go-Motion, 休诺盖尔，Motion Control等技法。 在制作Block Burster时，如果特殊效果场面很多，除了一般的摄影监督以外还要选一位特殊影像摄影监督，专门负责特殊摄影。因为特殊摄影本身需要摄影高手，摄影技术也跟一般的剧情摄影完全不同。ILM著名的丹尼斯·缪伦原先也是特殊效果摄影的监督。 以“独立日”等影片颇有名气的Roland Amorich社团，也聘用了叫Anna Foster的特殊摄影监督。Anna Foster虽然是女性，但她忠实地履行许多男性都感到不好做的特殊摄影监督的职责，而且其实力也被业内人士们所认可，因此很有名气。
高速摄影
要通过操作摄像机摄得Slow Motion Scene或者拍摄Miniature时，为了调整比例，可以采用高速摄影。 这种技法常见于吴宇森执导的电影，如“喋血双雄”中周润发双手拿着手枪以慢动作打枪战的镜头等。这个电影用操作摄像机的手段，每秒 24帧以上的速度拍摄，然后放映机以正常的每秒24帧的速度放映。这样，被摄体的移动相对于帧数变得慢一些。 一般每秒50/28 帧的速度拍摄，而得到Slow Motion。Miniature的爆炸场面和戏剧性动作场面主要使用高速摄影。
低速摄影
这也是通过操作摄像机得到特殊效果的拍摄方式。跟高速摄影相反，用这种方式可以得到Fast Motion效果。 每秒 24 帧以下的速度拍摄后，以正常速度放映就会得到影像相对于摄影帧速度变快的效果。要在短时间内给人们展示花开的过程或日出的过程时就用低速摄影。
]缩影摄影
Miniature 目前，Miniature摄影中普遍使用Motion Control摄像机，有时也用一般的摄像机，而过去用的是休诺盖尔摄像机。 休诺盖尔摄像机利用潜望镜的原理把配有小透镜和反射镜的长管跟TV摄像机和一般摄像机连在一起拍摄物体。附在休诺盖尔透镜上的反射镜像潜望镜一样把影像反射到附在摄像机透镜上的反射镜，摄像机就把反射到反射镜上的影像拍摄下来。 这样可以得到原始的Motion Control拍摄效果。这种拍摄方法一般在物体快速进入直接用摄像机无法拍到的狭窄空间时用得比较多。 休诺盖尔摄像中比较有代表性的是“星球大战” 第一集中X wing 冲向帝国军的Das Star表面的镜头。
Goal Motion摄影
Goal Motion摄影跟Clay Animation一样，是Staff Motion Animation技法中应用的Miniature摄影方式。这种技法是利用人们照相时用的单镜头Reflex Camera，边移动照相机，边一张一张地拍摄Miniature的技法。这是ILM为了“星球大战”的拍摄开发的技法。Goal Motion摄影的代表镜头是影片“印第安那·琼斯”里的坑道镜头。这跟原始的Motion Control技法非常相似。
Staff Motion 摄影
这里要说的Staff Motion摄影不是像Clay Animation那种Staff Motion摄影技法。Clay Animation那种 Staff Motion是一边一点一点移动被摄体，一边一张一张地拍摄画面的方式拍摄动画的。 而这里要说的是休玛广告里出现过的360°静止场面摄影技法。当然，像“圣诞节的恶梦”这样的Staff Motion Animation摄影也叫作Staff Motion 摄影。但休玛广告中出现的Staff Motion摄影是以被摄体为中心，把Still Camera即人们照相时常用的单镜头Reflex Camera按一定的间隔排成一圈或一排，在同一瞬间里进行拍摄的。这样Still Camera就能制作出从多个角度拍摄的静止画面。在编辑这些画面时把它们粘在一起，做成相联接的影像。 这是一位英国的特殊效果摄影监督1996年新开发的。它要求非常精确的摄影技法。目前全世界只有两三个人能使用这种技法。 因此，休玛CF制作费用的35%付给了负责Staff Motion摄影的英国人。在Block Burster中可以看到这种技法的是最近拍摄的Lost in Space等影片。
[游戏]
身为攻系，特技的搭配： 攻系的武器和衣服是绝对属性为主的，寒建议让鞋子和项链也尽量以属性为主，因为这两个装备会因为特技而大大降低属性，建议高等级装备才搭配特技。所以特技应该归属于头盔和腰带为主。之所以腰带上搭配特技，是因为腰带上的特技价格比较低，属性差距不大，同时愤怒这个超昂贵的特技对攻系需求不大。所以攻系可以为特技而稍微牺牲头盔或者腰带的属性。 攻系最常规的特技也是大家最熟悉并且最昂贵的——破碎无双，弱点击破，破血狂攻。 首选破碎无双， 寒认为破碎应该是常备装备，比起弱点和破血来说，其更具备战术性，无论是制约封系、stl等贫蓝门派，还是制约高血高神孩子，使用得当时具备了扣血扣篮并且部分象形的效果（封系高速，无蓝时必然浪费一个回合补蓝）。 同时应该具备弱点/破血其中之一，为什么是之一，因为愤怒有限，无论破血还是弱点都有其适合攻击的对象，比如弱防者，破血伤害结果高，高防者弱点伤害结果高。但是这两个特技都是昂贵非常的，因此为其中之一降低装备属性即可，没必要为了同类特技而牺牲两件装备的属性。——当然如果你有2个并且都是130装备上的那又另当别论。 攻系的辅助特技野兽之力，个人认为不应该由攻系来佩带该特技，当然如果是130装备的另当别论。 身为法术系列，特技的搭配： 法系的武器和衣服是绝对属性为主的，因为武器伤害也绝对了法术伤害的一部分，不要小看这一部分，伤害结果都是由一部分一部分组合起来的。其腰带是否选择愤怒决定于其自身是否搭配有大型特技，所以法术系的装备技能搭配很随意也很难决断，呵呵。 法术系不像攻系一样有伤害特技，因此他们选择的大多是对方封系的清系列——晶清，玉清，冰清，水清，也选择群加系列——四海，群加属性的特技等，所以请法术系的朋友看下一个封系/辅助系的特技介绍，与之相仿即可。 身为封系/辅助系，特技的搭配： 封系和辅助系的衣服是绝对属性为主的，高封系的鞋子也是绝对属性为主的，而腰带是绝对以愤怒为主的。其余装备大可以随便套上种种特技，那么如何更合理搭配有限的特技，就相当丰富了。 封系的作用就是控制与反控制，封系首先要保证自己的出手能力，那么除了高速上的优势，以特技为搭配控制的特技就有——心如明镜，流云诀，啸风诀，凝滞术，停陷术。以特技为反控制的特技有——晶清，玉清，冰清，水清。以特技控制对方特技的特技有——笑里藏刀，绝幻魔音。 个人首推，封系必备特技，心如明镜！无论哪个特技，解封只有一回合（门派技能毕竟少），只有心如明镜，使用后一共4回合让你持续抗封。在这4回合里，你完成可以从一个低速封，完整制约对方的高速封！因此心如明镜是封系的王牌特技。使用方法，人物使用心如明镜，若自己已经被封状态，则bb喂自己一个五龙丹，此后4回合掌握控制权。 其次，晶清、玉清，此两个特技都是在全体被封时，一个完整的解封，使对方封系的努力化为流水，此两个特技，一个队伍中必备2个。 其余，流云诀，啸风诀，凝滞术，停陷术这些调整速度的特技，绝对作用较小，巧合性居多，因此遇则有之，无则不求。只有高属性装备搭配类似特技才可取之。 水清也是同上，遇则有之，而冰清理应弃之，愤怒可贵，不能浪费于冰清。 笑里与绝幻，都是属于控制对方使用大型特技的制约型特技，纯pk用的。笑里的特点是，必中，以自己低愤怒去换取对方高愤怒，用于打断对方特技非常有效，属于群p队伍必备特技（寒自己也在找该特技装备，前两天居然写忘了）；而绝幻是则不是必中的，当然几率也较大，是以自己高愤怒换取对方连续几回合无法使用大型特技（消耗加倍则大型特技就无法使用了）。所以笑里比较容易运用，绝幻则属奇兵类特技了。 辅助系的选择比封系大，除了封系可选择的特技外，四海升平，圣灵之甲，野兽之力等特技也是非常可取的。即不必拘泥于个别特技，选择面大，以装备属性和寻觅时的巧合为主要选择手段。 这里说明一下为什么仅推荐圣灵之甲和野兽之力而不推荐光辉之甲和魔兽之印。首先圣灵之甲是全体加防5%，野兽之力是单体加伤10%,加防这个效果是每个人都需要的，但是又不存在非常的必须性，所以，加防选择群体加一次，不浪费回合，每个人收益。但是野兽之力加伤害，并非每个人都需要，而是仅仅针对攻系，因此10%的单加效果比5%的群加效果有利许多。所以加防选择群加特技，加伤选择单加特技。同理减防选择群减碎甲术，减伤选择单减放下屠刀。 最后高速封系的最重要的特技——慈航普渡，这个运用大家应该看见比较多，就是迟钝宠最后复活封系，封系吃高品醉生梦死补充愤怒120以上，次回合第一个出手慈航普渡复活全体。所以有高速封，慈航普渡容易逆转乾坤。 讲了常规特技，也讲下现在异军突起的另类特技——移形换影，该特技一直拘泥于自己20%血以上，对方80%以下，并且容易被高躲避者miss。但是这不妨碍其成为黑马特技！一次成功的移形换影，可以让龙宫贫蓝，可以让地府低血。但是一次失败的移形换影也就是让自己发呆一个回合或者换回差不多血蓝的结果。所以寒的看法，高属性装备上有他也可，无他不求。千万不要为了冷门特技而牺牲了装备的属性。 最后顺便说一点，特技的搭配是多样化的，并不用死板的组合。同时如果你已经拥有了某个高属性的装备搭有特技，就没必要再将其换掉去苦苦寻觅期望的特技搭配，因为每个特技都有其发挥的地方，而且属性永远是第一位.

❺ 看了美国电影“永无止境”，想知道里面那么多的街道穿越镜头是怎么拍也来的

主要样片都是在Final Cut Pro中完成制作的。同时，Comen的艺术家们运用Nuke对场景进行模糊测试。“我们早期做了许多有关动态模糊的测试，这与通常的180度快门动态模糊毫无瓜葛，你必须通过变焦促成放射式的模糊形式，为了营造良好的过渡的同时，也是为其增加风格性元素。但是导演尼尔在这上面显得十分特殊——他并不需要系列中出现任何的模糊。电影整体的视觉美感就在于Eddie服药后的状态，事物变得触手可及，带有幻动的色彩，而这也是我们制作中的侧重点。” Carras继续说道，“除了在不同街区放置的摄像机相互结合，这些镜头其实没有远景的变化。假设是相机通过变焦拍摄的话，那么这个镜头的焦距大概在25毫米到10的36次方毫米之间。” 变焦摄制完成后，就可以继续修缮一些因为拉伸图像损失的细节。“我们随着镜头将很多素材多样的动画化，同时也剔除一些原始画面中受干扰的素材。”
下一步则是添加字幕，究竟哪些文字要怎么移动呢？Carras说：“将其放置在街道上确实不失为一个突破性的尝试，可以参考同一距离的其他事物进行变焦摄制。但是这个很不容易，毕竟场景中的内容太多了，很难制作那么久的画面。”
最后Comen VFX让字幕采用了缓和式的渐进效果，首先采用了Blair字体，随之转而采用一款更高更瘦的字体来迎合导演对标题醒目的寄望。“我们采用了Franklin Gothic Condensed，一款常用于书籍编辑的字体。标题中也存在着效果上的制作，发红和腐蚀让其看起来更像是在古典时尚的氛围中炙热灼烧。”

“无限放大”的长镜头

这是电影中最富有视觉刺激，最有代表性的镜头。Eddie Morra刚吃了药，精力无限，仿佛世界上的一切都唾手可得，他撒开双腿在纽约市中忘情奔跑。Look Effects的视觉特效主管Dan Schrecker经过前期商议，运用摄影技术帮助实现这个概念化的长焦镜头，并制作一系列后期药物刺激的镜头。一切是通过在4k上运用三摄像机编辑模式下的短、中、长镜头拍摄制作而成。镜头跟随Eddie奔跑穿越，从夜总会到布鲁克林大桥，将Eddie对时空的茫然感通过银幕的“无限放大”体现出来。
Schrecker解释道，“使用RED摄影装置可以拍摄高分辨率的画面，这就是我们可以实现更长镜头的原因。我们将画面按照相应比例联结贯通，摄像机不会在一个拍摄的区域中有角度的变动，因为所有东西都要放大。”在对RED装置整合前，变焦摄影的镜头测试是在佳能5Ds上进行的。专业人员用三角架上的灯光装置，自由轻易的调转方位来寻找拍摄点，使得最后变焦摄影的速度和比例达到一个恰如其分的切合点。
除了单个变焦摄影中多种素材合成的镜头，其它镜头更显瞬息万变。在电影中有一场戏，Eddie路过商铺，从玻璃窗中看到自己处在多个情境里：在发廊理发、在健身房锻炼、购买新西装，镜头落到最后，他完成了一部看似不可能完成的小说——这一切都是NZT所产生的效用。Schrecker说道，“我们对这些原始镜头的速度和动势不太满意，所以挑选一些可用的素材，并在发廊里增加来往的顾客，在健身房中增添了健身器材。”

变幻般位移的背景

Eddie第一次服用NZT之后，与房东女士在楼梯层间相遇，很快这位女士被Eddie的智慧和魅力折服。Dan Schrecker谈到，“俩人谈话的这场戏，我们特意运用了特写镜头，将其拉远表现Eddie所在的房间，最终以420度的全景呈现全貌。摄制组先用三个鱼眼镜头确保证从三个方位的拍摄，获得360度的抓拍，但是由于镜头间没有足够的重叠，所以每个镜头都有一定扭曲度，间隙和盲点。因此，我们进行了再摄制，去除扭曲效果，然后整理取鱼眼镜头的资料，将其还原，从而获得一种不稳定、但真实的空间感。”
另一个特效制作稍稍有些跳转剪辑的意味：Eddie与女友重逢，很快他们开始亲吻。“这是用3台35mm的摄像机排成一列进行拍摄，一台摄影机手推车或稳定器在厨房和起居室移动，最后定像在沙发上。这是由三个不同角度同时拍摄完成，而且随着摄影机的移动，拍摄角度也随之变化。我们从三个角度中各自选取出镜头剪辑，制作了变形效果，最后再将角色从背景中独立出来，修改一些不流畅的部分。这样，我们完成了角色动作流畅，而背景不停变幻的效果。”

翻飞的文字

当Eddie发现了NZT的能量后，他面对世界的姿态也发生了改变。为了展现通过药物改变并摆脱小说创作的烦恼，电影中成篇的单词从天而降。
Schrecker说道，“文字的掉落与实景发生互动，有的落在桌子上，有的落在书架上。虽然是特效制作，但参考的空间确实来自实际拍摄的镜头。”
3D部门的Shawn Lipowski编写了一个调整信息传送速度的小程序，让文字流动速度各有不同，营造出流水一般不规则自然效果。这个文字特效的CG通道也在随后用在了制作Eddie首尝证券市场的场景中。他仰视天花板，成堆的信息迸出如同铁路或机场的标志信号，字母和数字不断翻动，直到Eddie作出正确购买选择。

俯瞰全纽约

掐指一算，Comen VFX公司共为电影完成了212个镜头的特效制作，Eddie的购买的豪华公寓有俯瞰全纽约的壮观视觉效果也是其中之一。窗外纽约景象与背景合成素材通过各自独立的手法完成制作，“我们在合成的深度上花费了大量的时间，为了保证透光率，你只能在背景中放置影像素材或是画幕素材。几乎每个隔窗相望的场景中，我们都对其添加了成群的飞鸟或飞机云雾，还有穿行于道路的车辆和上班族，这些都是为了表现得更鲜活。”