2018日本电影市场分析

A. 2018年中国电影市场的发展前景如何

中国电影行业发展前景分析

2012-2018年，中国电影票房呈逐年递增趋势;2016年以来，电影票房增速回归到理性阶段，连续三年保持在10%上下波动。此外，随着2018年《关于加快电影院建设促进电影市场繁荣发展的意见》政策的出台，电影市场进入规范化发展阶段。但整体来看，我国年平均观影人次较发达国家水平仍然较低，我国电影产业依然有较大的市场发展空间。综上，前瞻预测2019年我国电影票房收入将超过670亿元。

随着我国电影制作水平的进一步提高，我国电影产量将继续保持增长态势。目前，总投资近20亿元的"国家中影数字制作基地"已经在北京市怀柔区正式投入使用，该基地具有年生产制作80部电影故事片、200部电视电影、500集电视剧的能力，结束了我国大片需要到海外加工的历史，打造了中国电影制作业的新品牌。2016-2018年，我国电影产量由944部增加至1082部，年均复合增长率为7.06%，在此发展速度及我国电影产业规范化发展的影响下，前瞻产业研究院保守预计，2019年中国电影产量将达到1140部。

中国电影行业发展趋势分析

中国电影行业发展趋势也多样化，从制作、放映、观众体验等多层面，都将面临新变革。

电影产业向规范化发展，影院发展面临诸多变化

2018 年12 月11
日，国家电影局向各省、自治区、直辖市电影主管部门，各电影院线公司下发《关于加快电影院建设促进电影市场繁荣发展的意见》。意见中进一步明确了电影院线市场的规范和扶持方向。截止2018年底，我国电影院线银幕数量为60079快，要实现2020年银幕数量超过8万块，2018-2020年银幕数量复合增长率至少为15.39%。

总而言之，此次扶持政策或在中长期提振电影行业景气度，监管新规将促进行业得到更加明确的规范和整治，长期看利好行业良性健康发展。新规将推动我国电影行业整体规模的发展，内容公司单片产出能力有望不断提升，院线产业整合有望提速。电影院的发展也面临着诸多可能性，电影院发展趋势总结为以下几点：

强体验感影院技术成为主导趋势

电影及影院技术的长足进步是中国实现从电影大国到电影强国跨越的重要推动力。近几年，电影新技术正在不断实践，从而更广泛地应用到电影院中，如：激光放映技术、巨幕放映高动态范围放映技术、沉浸式声音技术、4D技术和智慧影院等，未来电影院技术将逐步向高端化、舒适化和强体验感发展。

云计算、互联网促进电影制作全球化

近年来，电影由多个工作室协同剪辑制作已成常态。而如何用较低的成本让位于世界各地的工作室协同工作，成为人们关注的焦点。电影后期制作是一个计算密集型工作，而云计算采用虚拟化技术，可实现更好的系统资源复用，让多个工作室同时同步使用资源，并利用云计算强大的计算处理能力，在提升效率、压缩时间的同时降低制作成本。

而分布面广且速度快的全球光纤网络使得任何人在任何时间和地点都能够互动交流与合作，通过云计算技术制作电影能够大幅度减少拍摄时间和后期制作时间。目前，数据采集、更高的分辨率、高动态范围、云计算、IP技术和大格式文件等都是好莱坞正在使用的新兴发展的技术。

事实上，云计算除了能够节约时间和资金外，还为电影渲染等制作提供了技术支持。未来，随着观众对特效的要求越来越严苛，电影特效制作所需的计算量呈几何倍数增长，而云计算可为影视作品提供制作、存储和处理平台，为电影渲染等制作提供很大的便利。

以上数据来源参考前瞻产业研究院发布的《中国电影产业市场前瞻与投资战略规划分析报告》。

B. 2018年电影院上映的电影最值得去电影院的有哪些

2018年是电影市场看似繁荣的一年，但在票补减少的情况下，很多电影的票房都掺杂着水份。尤其在豆瓣、猫眼等专业电影网站上，更是存在着水军、团队操作的痕迹。2018年不乏有一些好看的影片，大概做个评价，哪些值得去影院观看！

不得不说，随着观众审美水平的不断提升，对电影的整体水平要求更高了，而不仅仅是请来一批明星大牌就会买账，个人始终认为，所有的片子都没什么商业文艺之分，而只有好看与否，好看才会吸引观众进影院去看！

C. 世界影视行业发展现状

全球电影市场近年来保持着稳定增长的基本态势。虽然美国电影在全球的优势地位依然明显，但是许多国家本土电影产业的发展显示出强大活力。其中，中国、印度、日本、韩国等亚洲国家电影市场增长领跑全球。

在这一趋势下，好莱坞等成熟电影工业更加重视中国等新兴电影市场所爆发出的巨大市场潜力，而中国、印度、韩国等新兴电影工业也因国内市场的蓬勃而变得更有底气，将目光投向了海外市场。这种双向流动的趋势正在影响着全球电影产业格局。

全球电影市场稳定增长。

2010-2018年，全球电影票房收入虽然总体保持增长趋势，但增速呈波动变化。根据美国电影协会数据。

2017年，在中国电影市场回暖等因素的影响下，较2016年增长了4.4%，增速较2015年有明显提升。

2018年，尽管全球电影票房收入再创新高，但增速再次下滑至1.5%。

D. 想问下2019年电影行业趋势，大家觉得前景如何

随着时代的发展，影视市场越来越火热，电影票房持续走高，国家对于文化产业的重视程度节节高升，国家经济快速的发展，使人们现在的经济水平日益提高，简单的物质生活已然满足不了现今社会人们的要求，人们也越来越注重精神生活所带来的美妙，电影也逐渐走进了千家万户。

从逐年攀升的票房数据、不断突破的现象级电影数据中我们就不难看出，文化产业正在腾飞，并且向着国民经济支柱的方向发展。同时，影视文化产业占世界文化市场的比重：美国占 43%， 中国不到 5%！影视文化产业在 GDP 中的占比：美国占 21% ，中国只有 2.5%！在中国电影市场成为全球第二的基础上，我们依然还有很大的发展空间。

02 中式大片表现突出；

中国影视产业在国际影响方面也正呈现出良好态势。一方面，中式大片在产量和社会效果两个方面都越来越好，赢得了国内观众的信任；另一方面，在海外市场的拓展也出现持续上升的趋势，对于推广我国文化价值体系及其软实力起到积极作用。

03 票房口碑正相关，好电影春天到来；

018年影视行业增量更保质，年度满意度明显提升。早在2017年底，电影主管部门就把2018年命名为“中国电影质量促进年”。一年过去了，2018年中国电影市场不但以破600亿元的票房成绩顺利收官，年度观众对重点国产影片的满意度大有增长。

综上所述，目前国内电影投资市场非常具有投资潜力，可以说电影版权投资就是近几年国内的风口之一。雷军说“站在风口上，猪都会飞”，所以如果大家看到电影市场的投资潜力，那顺势而为就可以了。

E. 求一个电影名，古装片，里面的猫是一个妖精，专门吃人的，是皇帝的宠物

《妖猫传》是由新丽传媒股份有限公司、角川公司、二十一世纪盛凯影业、英皇影业有限公司出品的古装电影，由陈凯歌执导，王蕙玲编剧，黄轩、染谷将太、张雨绮、秦昊、阿部宽、张榕容、刘昊然、欧豪、张天爱等主演。
该片改编自日本魔幻系列小说《沙门空海之大唐鬼宴》，讲述了一只口吐人语的妖猫搅动长安城，诗人白乐天与僧人空海联手探查，令一段被人刻意掩埋的真相浮出水面的故事。
影片于2017年12月22日中国上映 。2018年2月24日日本上映。
截至2018年3月18日，观影人次超过113万，创下近十年华语片在日本电影市场的票房新高。

F. 日本纯爱电影《念念手纪》在中国上映，票房会高吗

《念念手纪》这部电影改编自住野夜的同名小说，和《反贪风暴3》、《未择之路》以及同样是来自日本的电影《镰仓物语》一样于本月14日在内地上映。通常对于一部电影来说，最担心的就是与其他关注度较高的作品撞档于同一天。而这一次《念念手纪》在知名度和宣传力度上都相对薄弱的状况下，又与其他三部作品同时撞档，必然会受到不小的影响。

虽然《念念手纪》在国内并没有取得很好的成绩，但是看过这部电影的观众普遍对它的评价还是比较高的。伙哥倒是觉得对于这样的一部电影来说，票房的多少真的没那么重要，观众所给出的高评价才是对它真正的认可！

G. 影视国内外现状和发展趋势

论现代影视制作的发展趋势—融技术艺术为一体

作者：季伟 深圳有线电视台制作中心 主任

当今时代是高科技迅猛发展的时代，随着大型计算机、数字化智能化摄像机、编辑机、视频切换台、数字三维特技机、非线性编辑系统、电脑灯控系统、MD音频制作系统等先进的电视制作设备的问世，为影视艺术的发展提供了强大的制作功能。电子技术的发展是电视事业腾飞的基础，也可以说是电视艺术的不断提高和创新的要求，带动和促进了电视技术的快速发展。同时，电视播出形式的多样化如大型现场直播、异地双向直播等的推广运用，充分体现出各电视台的综合能力和整体水平，也对电视从业人员的职业技能不断提出更高的要求。

近年来，我国各级电视台在电视制作方面都有长足发展，各类电视制作设备更新换代的频率也越来越快，但我们与世界先进国家仍有相当的距离，究其主要原因，不仅是硬件——设备的落后，更是软件——专业人才的缺乏。那么，目前我国电视业最缺乏的是什么类型的人才呢？针对我国电视业的现状和走势进行分析，可明显看出主要是缺乏能将艺术和技术汇集于一身的综合性人才，也就是说既有艺术创作才能又掌握娴熟的电视制作技术的软硬件合二为一的人才，这类人才目前在世界影视制作界被称为“电子画家”或“制作设计师”。

由于历史原因，我国的影视界一直以来都是将技术和艺术分为两个行业，技术人员只注意硬件（电视设备）的开发和运用，对艺术缺乏关注和研究；而大多数编导人员也仅注重在艺术领域的发挥和创新，对现代电子技术方面至多也只有一点粗浅的了解，这种建立在旧体制上的分工与合作，在很大程度上限制了电视节目的创造向更高层次发展。由于我国电视行业长期以来形成的这样一个不良状态，人员分工越来越细，工作环节和部门越来越多，机构越来越庞大，推委扯皮情况越来越严重，而技术与艺术互通的问题始终未被重视，使得电视从业人员在技术和艺术方面的能力过于单一，综合能力差，跟不上电视业发展的需求。例如，搞一场大型的综艺晚会就得几个部门、五六十号人马齐齐上阵，节目尾名单一大串，工作起来协调指挥不灵，目前国内许多电视台这种状况日趋严重。

其实，在如何培养一支人员高效、少而精、一专多能、知识结构多样的影视专业化队伍方面，国外早就有不少先进经验，他们的做法不是把制作技术人员与艺术编导人员人为地分为两大块，而是有机地结合在一起，合为一个节目制作部门，这个部门的工作人员均有很强的电视技术功底，又具备相当的艺术创作才华。前苏联的中央电视台节目制作部就拥有20多位称为电子画家（多数为工程师）的制作人员，制作各种大型晚会节目的导演和摄像人员不仅懂舞台艺术、摄影构图，而且熟练掌握特技切换台 、不同摄像机的各项功能，甚至对电脑灯光的光效、三维特技、音响系统及几者间的配合使用都非常熟悉，对这些技术性设备功能的掌握和运用自如，使得导演们在艺术上发挥起来更加得心应手。而各环节的技术人员凭借自己的专业知识及自身的艺术修养，与编导配合得天衣无缝，使节目更加锦上添花。

将电子高科技技术广泛运用于制作动画片、电视剧、电影，在我国尚属初级阶段，而早在70年代末，美国已运用先进的电子技术制作出《星球大战》等科幻影片，达到了先进的电子技术与人类幻想最完美结合的顶峰，因而轰动全球。在美国的各类影视制作公司里，电子高科技技术已在影片制作的各个环节中被广泛而普遍地使用，同时电子技术与艺术均精通的人才比比皆是，这些融电子技术与艺术为一体的电子艺术家们又称制作设计师为人类的影视业开创了无限的发展空间，也使得好莱坞生产的影片无论从数量还是质量，几十年称雄世界。

我国电视界至今沿袭着50年代电影厂旧的制作体制，各工种分工明确、严格，以至不能为电子艺术家（制作设计师）的产生和成长提供所需的条件和环境，造成这类人才的奇缺。同时经济的不发达和生产模式仍以传统方式为主，与美国影片在制作的各个环节中广泛而普遍地使用计算机甚至用机器人、机械手的程度相差甚远，也使得我国影视业至今还无法生产出一部能与美国70年代的《星球大战》相媲美的影片。

随着高新科技的发展所带来的影视制作技术的日新月异，我国的影视界迫切需要培养造就一大批能融技术艺术于一体的电子艺术家（制作设计师）。而目前我国从事影视制作的人员，多数都是学技术出身，他们从跨进大学校门时，就被划归理工科，学习的范畴只局限于机械设备、无线电、电子技术，很少接触到艺术学科，走出校门，又定位在技术岗位，自然难于向全方位人才发展。鉴于电视业发展趋势，这种融技术艺术于一体人才的培养应考虑从上大学开始，在理工学科里，开设旨在加强学生艺术修养和提高鉴赏力的教学课程，在文科的课程里，对电脑知识的学习，不能仅仅停留在初步掌握，必须提高到能够进行三维技术的制作，以求未来的电视从业人员能够全方位、多角度、高起点，融技术艺术于一体，适应影视业未来发展的需求。在这方面，北京广播学院已率先迈出了一步，学校在学科的设置上，有的不再分文、理科，而是合为一体，对于培养全方位的人才提供了必要的环境和条件。

目前国内一些新兴的电视台，摈弃不少老台的传统设置，学习和借鉴国外的先进体制和经验，除了机构设置更趋合理外，对岗位的划分界定不再过于细致，吸收的工作人员不仅精明强干、工作效率高，而且知识面广，一岗多能，特别是制作人员，除了熟悉设备的技术性能和各类技术指标的调试外，还能担任电视制作导演、特技制作、动画制作、音乐编辑、艺术布光、特技台现场切换等等这类软硬件相结合的工作。在国外，这类软硬件相结合的工作很早以前便被人称为“边缘科学”。

如今的影视制作已迈进一个数字化的新时代，电脑制作技术和手法已逐步取代传统的制作设备、制作手法和制作方式，这种发展趋势已带来了影视制作的一场新与旧、现代与传统间深刻而广泛的革命。以往电视节目传统的后期制作系统是由分工不同的多个技术人员（电子编辑、电子字幕、普通特技、三维数字特技、混合配音等）按程序依照记者和编导的创作意图逐个完成，而技术人员只是承担设备操作。进入多媒体时代的电视制作行业，已将电视特技编辑、音响效果、电脑图像创作合为一体，因此制作人员以往纯技术性的技能已远不足够，而需要全方位地融技术与艺术为一身，这就促使技术人员必须注重和加强自身对音乐、美术及综合艺术方面的学习和提高，以不断适应发展的要求。（制作人员们因为占有熟知设备的各项功能的优势，只要注重提高自己艺术方面的素养，就能很快胜任这类软硬件相结合的工作，成为融技术艺术于一体的人才）。

目前一个多种知识结构的人才相互融合、电视制作队伍不断繁荣的局面正在形成，一批复合型的制作设计师在逐步涌现，由此也促进了电视制作行业向市场化、国际化方向发展。地处改革开放前沿的深圳两大电视台（有线电视台、无线电视台）也面临着突破沿用国内电视台的旧体制的局面，进行新的尝试和大胆改革的趋势，这就需要不仅是两台的决策层甚至是深圳市的主管部门能够为两台在机构和体制的改革方面，设计制定一条新路，不但使深圳的电视事业上一个新台阶，也使深圳的电视事业能走在全国的前列。

编者注：季伟1978年毕业于北京广播学院。1983于参预筹备深圳电视台，1995年参预筹备深圳有线电视台自办节目，现任深圳有线电视台制作中心主任。
一、现状分析
尽管电影与电视的相争已是龙虎斗的事实，但把影视作为艺术的一个整体来观照，依然还是一个相同的整体。中国影视艺术的剧烈动荡还是在90年代，此前随着电视及其它媒介的改革发展，跃进的气势已经逼使电影开始改弦更张，娱乐大潮山雨欲来，但随着90年代大众文化的兴盛，娱乐高潮的迭起，电影和电视的一高扬一低迷的的世纪现象已无可阻挡。于是，一方面，在世纪之交益发临近的时候，感慨中国电影危机的声音愈发响亮，日渐增多的警醒呼告和忧虑之心拳拳可见，特别是人们对中国电影进入WTO后的状况作了“死而后生”的悲壮预言，令人惊心动魄；另一方面，对电视由兴盛而转入危机的预言也不时可见，对网络热潮给电视冲击的忧虑明显出现。我们都似乎默认了这样的事实：电影遇到了转折的关节口，电视的好日子也未必长远，于是拯救影视和原本批评影视的议论就混杂在一起。不过，无论批评还是期望，都是本质上对中国影视的期待热望。
然而，关涉的复杂问题太多，三言两语不可能解决实际问题。尤其是对目前的状况，人们的反思和分析常常浅尝辄止，从哀叹者、忿忿者、极言者中考察，对待中国影视的态度似乎有明显的两类人：一是把自己划为局外人，评头品足，事不关己，毫无切肤之痛，甚至指桑骂槐，少了热切感；一是囿于行业利益，似乎热心十足，但不是商业味浓郁，把电影完全当机械的利润工具，就是不顾电影的生存条件，侈谈艺术或只重教化目的，弄得创作无所适从。我们谈论21世纪中国影视，首先应当明确是在分析和促进我们自己需要的艺术创造，它有强大的发展前景，是人民文化事业的组成部分，无论生存境地和形态怎样变化，它必然将生存发展下去。同时，我们又必须既正视商业利益又面对大众文化弥漫的现实，把影视的发展和问题做综合认真的分析，为它在新世纪的旅程提供新的助力。也由此，才可以看清面向21世纪的影视艺术发展趋势与时代特点，才可能把面向新世纪的影视艺术教育作为一个事业来真正有针对性地作好。
由此谈到教育和影视教育，传统的教育就是书面教育，它是通过阅读、讲说方式来延续的。但时代发生了多么巨大的变化。21世纪影视艺术的发展趋势是与时代特点相互关联的，从20世纪后半叶开始，从文学到影视的交融，使阅读消费习惯发生了巨大变化，应当说，20世纪就是传媒革命的飞跃时期，前所未有的传媒巨变，愈到世纪末愈发显得急促疾速，从早期的电影、电视，到现今时尚的电脑、多媒体、网络，加速度的变革显示着信息世界变化的匪夷所想，我们所习惯的几千年书籍文字传媒的传统，正被不断翻新的电子传媒遮蔽，传统的信息世界基础遭到猛烈动摇。归总这种变化的趋向，可以表述为：感官享受愈发明显，书籍阅读的静态消费被声画一体的动态消费所冲击，联想的阅读性质被直观的视听文化所影响改变。所以，书籍文化被音像消费所冲击、逐渐代替的大趋势是越来越显而易见。由此带来的文化观念变化则更为巨大。在21世纪，不可忽略的是：多元文化的消费内容必然形成，单一的文化指令遭到明显的质疑，人们更加趋近文化的融合，反对排他的狭隘文化限制。在消费方式的多样化上也无可阻挡。首先，以电子视听文化为主导的消费将成为中心，人们离书报更远，书籍和报纸、杂志藉电子传媒包括网络而实现消费的趋向越来常见，视觉阅读在足不出户中就可以实现；其次，信息资源的共享化，使地球村毫无秘密可言，个体可以瞬间掌握世界各个角落的大事小情，可以和不同的陌生人促膝相谈，任何人也可以在网络上随时造访自己，个体对多样群体与素昧平生的个体之间的交流将形成新的消费时尚。再有，阅读的分众、针对某一群体小众的阅读将更加明显，精英文化的发展势所必然。21世纪的影视艺术教育的新思路必须考虑上述背景才可能实现。
所以，21世纪影视艺术发展是在和传统矛盾角逐中展开的。判断新的影视艺术概念，需要从下述角度去关照思考：
1、综合化的交互性。21世纪的影视是明显走向综合化但又具有交互性，综合化指打破彼此界限和独特性，电影、电视、网络的结合，更不必说文学等的结合，使之在跨世纪的当口已经开始模糊界限，传统强调的电影优势未必就不是电视的优势，电视电影批量出现就是证明；电视手法的电影化（如MTV手法）也和电影手法的电视借鉴一样普遍被接受；网络介入电影、电视传播和电视大量介绍网络，电影对网络的诸多表现，已经使三者的亲近关系日益加深；网络的方式影响影视，影视的传播靠拢网络。这些综合化事态在新世纪只会加强而不可能减弱。
交互性的含义是指彼此融但又不可代替，尽管人们担心电影消亡、电视被网络钳制、网络把影视一网打尽（包括资金和统治权等），但实际上电影、电视、网络依然是遵循自己的独特规律在运行发展。综合化只是相对的一些特征在消失，共同化因素增强，分工鸿沟部分填平，其本质是人的视野和文化角度在扩大。但细细考察，如同中国画的濡染晕化之中的特征支脉仍然清晰可见。只不过多方交互影响、此长彼消而已。比如电影的大众化倾向，使原本精粹的艺术变得越来越世俗化，娱乐潮左右电影，电影更接近生活，但它还是保有自己的不同于电视的视听感染力。电视本能的接受电影的表现手法，在时空交接中丰富化，但它的家长里短的叙述依然不可消磨去，把小事抻长的电视本能不可能变为压缩时间的电影式精要，因为生存的商业性绝不可能答应。
综合化交互性对影视艺术教育的要求就带来新的问题，既要对各自艺术特点的分门别类的把握，又要对过于专业化的精雕细刻采取淡化态度，趋向彼此共同综合性的分析，才能适应时代心理要求。
2、私人化的公共性。我们所处的时代是信息化主宰的新时代，一切事物可以在瞬间被周围所探知，地球村中无秘密，但个人却迫切需要隐藏自己，强调私人的不可侵犯性。于是明显的矛盾在扩展，掌握先进的网络的人们在隐藏自己的神秘感中与他人虚拟交往，网络却无所不包的网尽世间个人的秘密；影视更加看中个体的生活，但创作却试图把大众的种种情怀作为票房的依据。影视使个人感受放大为公共性，影视让明星个人成为众人偶像，流行靠影视而传播，任何个性瞬间成为大众性，如早期的街上流行红裙子但如今的满街韩式化装，松糕鞋等。当然我们可以说，艺术个性可以概括大众的情怀，但影视的镜头使个性瞬间成为流行泛滥。我们已经难得见到万人空巷的《渴望》现象，也没有了众口一词的习惯，但影视受众的广泛性使千万百姓蜂拥而看“小燕子”的情景仍在重演。影视具有使越是个人化的越成为公共化的条件，于是影视教育的文化批判就必不可少。教育者需要从现象中看到近忧远虑，比如电视荧屏充斥欢乐游戏和拉郎配的婚约游戏，固然值得嘉奖，因为百姓欢颜，但无聊的性状和虚假的本色却不能不剖析，把个别人的生活潇洒态度放大为千万人的人生行为处世态度是危险的。电影的凶杀暴力情节和电视的拳击游戏展示，使满足了少数人的刺激，却不能不危及大众的精神生活。当电视培养起来的人们为酗酒而死的相声演员洛桑伤怀，为戴安娜号哭，为演技平平但一步戏火旺的刘丹之死如丧考妣时，我们有责任让观众看清极小的私人化感情俘获大众的隐忧，未必就不会比邪教的影响力小。
3、商业化的艺术性。对商业性的避讳随着行业生存危机的加重而不再成为艺术禁忌。于是一切以商业市场来衡量标准的认识基本笼罩了艺术创作。我们面临着商业无所不在，艺术臣服退缩的局面。当今影视的纯艺术是难得有市场的，孤芳自赏式的艺术加速了商业化统治的步伐。但艺术被放逐的结果是无论商业还是教育都没有支撑的骨架，也不能实现价值目的。商业与艺术不是比重多少的问题，商业要和艺术同样重要的认识是必要的，一个是生存需要，另一个也是生存需要。所以影视教育的艺术分析要与市场商业的评价结合，比如对长篇电视剧的分析不顾及商业广告主的需要，成本就不可能回来，那么，再好的分析也不会被创作所接纳，同样难以实现分析的价值；反过来，一味纵容电视剧的拖沓，巨大的投资也就付之东流，生存基础崩塌在所难免。商业化是时代潮流，作品被打上深深烙印是普遍现象。其实商业化的背后主要是投合百姓需求，赢得商业收益，而艺术的把握可能更好的和巧妙的获得观众的认可，尽管市场具有生杀予夺的威力，但艺术的重要性才是生存基础和根本所在。对影视教育而言，重视商业化的弊利，强调艺术性的要义，把商业手段和艺术本质各归其位，才可能真正理解创作的意义。
21世纪的影视是远比过去复杂多样了，由此，影视教育的责任就更为重大。但在影视教育的现有规模和对它意义的理解上却极为不足。中国影视教育体系建立的意义还有待宣传。

二、问题剖解
关联新世纪影视教育的问题很多，而认清影视艺术存在的问题则十分重要。特别需要注意的主要有几个倾向：
1、庸俗化。影视艺术的世纪问题没有比庸俗化更为可怕的。随着大众文化的兴盛，世俗文化对传统文化和精英文化的冲击日渐明显，影视首当其冲成为世俗文化的认同者和积极推广者。在80年代末期的娱乐电影倡导中，娱乐认同打破了一贯自谓艺术教化的传统电影格局，在强大的百姓大众化文化要求的推动下，中国电影步入了多元化、平民化的时期。随着时间推移，趋同世俗文化要求的现象日渐明显，包括娱乐贺岁片的时兴，喜剧片的大量出现，教化影片的不断翻新，在狭隘的艺术电影天地之外，更大的文化空间被占领。由于生存困难的逼迫，中国电影的庸俗化现象几成时潮，它们以消泯人类文化和精神品格为代价，换来市场的一度存在。90年代更是一个捉摸不定的年代，90年代中国电影变化在五色斑斓的改革时世左右下眼花缭乱，包括发行制作方式的变化，合作制片的时兴，国外大片引进的冲击，院线制与宣传操作方式的形成，都成为中国电影应接不暇的一次次冲击。尤其是社会生活的极大改变和人们观念的迅疾转向，对电影审美创作造成重要影响。在这一时期，涉及电影更多的话题集中在改革、票房、策划、档期、买断、盗版、明星、市场等等。和艺术欣赏直接相关的编剧、创新、手法、思想等则渐为鲜见。人们对电影艺术的概念已经转向，大众文化占据主要位置的时代，纯粹艺术的口吻显得软弱无力。在90年代，艺术单一化的消解带来下述显而易见的变化：电影更加融入平民化的视角，关注平凡生命的价值，着重人的生存状态和心理状态表现，把芸芸众生的喜怒哀乐作为至高无上的艺术表现对象，丑星、幽默形象代替了奶油小生主角地位，娱乐成为自觉追求等等，多元文化成为电影基本状况。我们愈来愈感受到艺术的通俗化和错杂状态，曾在过去某种状况下端着架子讲求艺术的中国电影，不知不觉中被大众文化催促着降低所求，把取悦大众作为自己的首要任务，赶潮逐浪，追踪着有票房或有获奖希望的模式、号召、节庆，于是有的企求商业的收益，有的靠拢主流形态的评价，有的制造传媒新闻等等，不一而足。放眼世纪末中国电影，英雄的冷落和凡人形象的走红，琐碎细节的放大和精致艺术概括的被忽视，淡漠阶级分野、好人坏人本质的人物与强调人性复杂多样性的形象的趋向，突出七情六欲合理性的存在而容忍英雄的弱点、展示凡人情爱的复杂状态，等等，过去多少有所顾忌的东西都堂皇登场，中国电影真正复杂多样了。评判这一世纪末时期，可以看到电影艺术激情的疲软和消退的共同现象。
电视天然是娱乐文化的大本营，但没有哪个时期像现在这样屈就娱乐世俗要求和感官享受。大同小异的游戏节目、娱乐参与节目层出不穷，赶潮似的电视娱乐一浪追赶一浪，似曾相识的欢跃内容，同样招数的花哨主持人，克隆一般的节目样式，以开朗耍弄为统一标记的明星参与，越来越古气的历史娱乐剧，游戏参与无处不在的各类节目，装模做样的婚恋游戏等，折腾得观众傻乐傻乐，传统文化教育的功能被现实实际所远远抛弃，感官享受的潮流不可阻挡。感官享受未必就是时代所必然需要的全部，嘈杂喧闹不会永远成为愈发高雅人们的必需品，在历史闹剧、宫闱戏连翩推出，眼花缭乱的MTV随处可见，综艺晚会闹腾得百姓已多少显示出倦态的时候，感官享受总会走到末路。事实上，人们决不会流连于感官刺激太久，世俗喧闹已经显露缺乏观赏兴趣的面貌，在克隆翻新的乏味背后，是庸俗培植起来的缺乏文化感的消费群体，他们也越来越不满足当今的电视，娱乐也许就是祸首。
追究电视的庸俗化和多重因素相关，比如急功近利的表现形态。其中包括器重收视率，电视传媒愈来愈看重收视率，这已是无可争辩的事实，收视率当然是衡量节目的刚性指标，有多大的收视率意味着吸引力的大小，所以，把收视的高低做为节目的衡量尺度是有一定道理的。面临激烈的节目竞争，收视率的高低预示着节目的受众数量多寡，而在很大程度上也就决定节目的重要与否，进而又有广告的受众面丰盈与否，以至于广告收入的升降等等。收视率当然是至关重要的问题。所以，收视率对于电视台的节目生存有决定影响，重视收视率有充分的正当理由。于是，为了收视率，就上演了节目撞车，以至某一时段20余家同时播出一个电视剧的奇观现象。也许各个电视台都从中利益均沾？但实际上既浪费了时间资源，也暴露了传媒共同的缺陷。在激烈竞争的时代，抓取观众肯定是对的，但没有个性的创造，永远不会创造出自己的品牌与天地。不能完全以收视率为取舍的标谁，是因为电视传媒的天地很大很大，似乎不属急功近利的新闻等节目照样有很高的收视效果，而赢得观众的电视娱乐需求仅仅是其诸多功能之一。一般而言，即便娱乐节目都有较好的收视率，却未必就有较好的收视“效果”，而且节目性质的不同决定收视率的标准也是相对的，有的节目不能简单的以收视率来衡定其价值，何况节目时段的设置本身无形地增减了收视的人数。问题还在于，当代人的需求是多方面的，欣赏口味的多样化使一统合一的传统大大改变。所以，传媒需要戒除急功近利的弊端，认真研究获取观众芳心的秘诀。要意识到电视屈就“娱乐需求”的心理实际是短视，世纪末电视人在频频改版、转换面孔以讨好观众的“充分理由”后面，是不是在过分的委曲求全？我们当然要以观众的需求为上帝，因而适应大众文化时代的节目也理当以百姓可以接受的方式来制作，但电视节目俯就时潮的趋向未必就是真正的切合广大百姓的心理需求，在改来改去反而愈离百姓愿望愈远的事实面前，应当冷静地沉下心来想一想，什么才是电视应有的品性、什么才是电视台赢得观众好感的本质东西。
总上而言，影视艺术不能成为孤芳自赏的花园宠物，但承受世俗风雨也不应成为改变艺术本质的理由。所以，一味追求娱乐效果，影视就开始失去它的价值，娱乐也就成了俗套，庸俗就必然产生。事实已经提醒我们单纯形式化的娱乐追求未必有良好的效果，形式创新的依据应当是内容的需要。事实还将告诉我们，影视迫切需要在文化内涵的培植上更下功夫。娱乐不可能成为观众的全部需要，文化的要求则是影视发展必须的前提。
2、模式化。在对影视艺术的探究中，最为人诟病的是模式化的弊端，尽管创新浪潮不断冲击着电影和电视，中国影视的艺术发展也的确较之以往有了相当大的飞跃，在世界电影格局中，中国电影的整体艺术成就为人称道，获奖数量也不在少数；中国电视的飞跃发展有目共睹，电视艺术的一些种类也得到世界同行的称赞，个别节目也陆续得到奖项褒奖，但这些依然遮掩不住世纪末的尴尬和批评。缺少艺术创造灵性的问题阻碍着影视艺术的全面进展。
电影的模式化是指艺术套路的死板僵化，包括传统叙述方式的缺少变革，主题教化的表面单一，人物形象的概念浮泛，艺术风格的含混矛盾等弊病。艺术套路的死板僵化体现在电影艺术表现方法的缺少创新，至今相当多的影片还重复着老套的思路，比如内心矛盾的表现法——空镜头的花开花谢，云卷雨骤等，人物冲突的对立法——正误对峙，性格对立冲撞等。传统叙述方式的缺少变革也是观众厌烦的一个原因，许多影片遵循着以事为主的架势，在叙述上面面俱到，故事的来龙去脉交代不厌其烦，整个故事似乎周圆方正，但人物主体的地位降为陪衬，故事缺少了动人的核。主题教化的表面单一是中国电影始终在克服而尚待努力的问题，由于过于注重教化功能，导致至今费解的一些现象：直露主题的创作往往只要蒙上“正确”的观念，无论艺术表现如何，都得以堂皇上市；具有艺术感化力的动人之作，无论实际效果，常成为批评的对象。由于一些评奖对主题教化性强而艺术感染力弱的作品的偏爱，导致中国电影艺术滑坡的明显趋向。我们绝对需要鲜明的政治倾向，但必须以出色的艺术表现来实现打动人心的目的，实现真正感化功能。模式化不破除，中国电影对世纪的挑战就难以获得成功。
电视的模式化并非是指栏目的一般规则和类型节目的固有格式，而是指普遍盛行的浮躁模仿的风气。过去的几年，电视仿佛进入了竞相模仿的魔洞中，在试图改版的良善动机下，上演的确实多是拾人牙慧的模仿剧，从无聊的侃戏，到遍地开花的情景喜剧，从千篇一律的扭捏独唱加伴舞到无所不用其极的耍弄游戏节目，一潮接续一潮。曾经创造过中国电视辉煌的电视人在收视率的杆杠面前，忽然变得莫名所以手足无措。举目所见，电视中充斥着模仿克隆之风，恍如商业行为的“你方唱罢我登场”，一个节目或栏目的好评引发的是四面八方的仿造，缺少文化见识和独立品格的弊病暴露无疑。一个以文化创造为本的事业不应当让投机取巧的商业劣质支配，充斥荧屏的雷同会导致艺术的衰败，即或从传播性质看，抄袭成风也将败坏事业。可惜，迅猛发展的电视在许多方面似乎陷入了黔驴技穷的境地，从最初对中央台综艺节目的仿造，产生出一个模子的晚会和其它综艺节目；到对港台的追风，大量引入、拍摄“戏说”的片子，造就屏幕矫情戏耍之风乱舞；再到对地

H. 当今电影市场的概况

当今电影市场概况
核心提示:从去年开始，几乎所有的中国电影人都开始把“我们这么好的市场”挂在了嘴上。当然，2010年中国电影的成绩的确不差，100亿的票房也的确是历史新高。但是，逐渐走高的市场背后却凸显出一个很让人悲哀的事实：如果说当年的中国电影人有着优秀的作品，却囿于市场无法得到观众的响应，那么现在在市场已经成熟的情况下，中国电影不论从制作还是发行都陷入了创意不足的境地。
并非危言耸听。因为从今年3月开始中国电影市场所展露的各种迹象来看，大家都已经丧失了创新的激情，进而引发了各种怪现状：在创作方面，大家扎堆去搞同样的题材，就算不扎堆去搞古典名著，也不约而同地扎堆来拍续集，甚至在发行电影方面，我们的发行商也开始懒得动脑子：大片来了就躲一下，没有大片的时候，大家一窝蜂地上映，而对于这种“一窝蜂”现象，有分析家认为，这对整个中国电影市场而言，绝对应该属于“狼来了”的警示信号。
怪现状:同样题材大撞车
3月22日的香港电影节上，由王宝强、叶璇等人主演的《蔡李佛拳2010》宣布在5月10日上映。仅仅过了两天，由洪金宝和其子洪天照一同出演的《蔡李佛拳》则宣布了他们4月2日的档期。虽然故事不同，主演也不同，但你绝对可以看出，这两部电影其实属于同类题材，都是在讲述关于蔡李佛拳的故事。两个月内上映两部《蔡李佛》，其实不过是今年华语电影界题材撞车的一个缩影。根据广电总局公布的今年立项及拍摄的电影名单，从4月份开始，观众们即将会看到五个关云长，四个孙悟空，三个穆桂英，三个白娘子，然后还要准备三桌鸿门宴。以至于有人评论说，“导演再这么撞车的话，观众们只能去撞墙了。”这其中，五个关云长最早跟大家见面的是4月份即将上映的甄子丹与姜文合作的《关云长》；而田壮壮执导的《关公》、杨子担任制片人的《武圣云长》、陈木胜执导的《武神传》以及高希希执导的《三国•关云长》虽然都没有拍完，但都开始了大肆宣传；四个孙悟空同样也都在争夺时间，甄子丹主演的《大闹天宫》、周星驰的《大话西游2》、张纪中的《美猴王》和另一部《孙悟空》都在筹备中，但谁能最先上映，现在还都没谱儿；至于“许仙与白娘子”的传说，除了由李连杰和黄圣依主演的《白蛇传说》，还有博纳影业的《新白蛇传》和另一部相关题材动画片；而三桌鸿门宴争夺得更离谱：陆川的《鸿门宴》甚至被逼着改成了《王的盛宴》，因为在他之前，李仁港已经在广电总局那里报备了《鸿门宴》这个名字，而与他们俩争夺的，还有一部同样性质的《刘邦和项羽》。而在这些传统名著题材改编的电影之外，周星驰和李连杰斗起了《太极》；吴宇森的《飞虎》则遭遇了安晓芬的《飞虎月亮花》。值得注意的是，这些撞车的题材里，几乎囊括了目前华语电影市场中的主流导演和演员。姜文、甄子丹、李连杰、陆川、周星驰、吴宇森……也就是说，这并不是一些小的制片方出于“捞一把就走”的心态进行的恶意干扰，而是华语电影界在创作题材方面，真的已经到了这种“肉搏”的地步了。
平心而论，在这些撞车题材之中，“手慢”的项目却很有可能是这一题材类型的最初创意来源。最简单的例子：2007年时，王家卫告诉大家，他接下来的电影会拍一个关于叶问的故事。但是，两年下来名字中含有《叶问》的电影已经出现了五六部，甚至甄子丹都凭借这个题材成了年度票房冠军，王家卫的《一代宗师》依然还在“拍摄中”。与之情形相似的还有陆川、周星驰和吴宇森。陆川此前的《南京！南京！》就是因为拍摄期拖得太长，导致被《拉贝日记》抢了风头；而周星驰两年前宣布要拍《太极》，结果到如今也没筹备完成，反倒被李连杰和陈国富抢先一步，宣称在今年年底前会把一部同名电影拍摄完成。
成因分析：编剧原创能力，是荒芜还是根本不存在？
如果仔细观察这些“撞车”的题材，你会发现一个很有趣的现象，除了周星驰的《太极》属于武侠片之外，其他提到的关羽、孙悟空、白娘子、穆桂英，无一例外地在中国传统文学名著中有所体现。关羽和孙悟空作为四大名著中的人物早已被我们熟知，关于白娘子和穆桂英的故事，也早在宋元话本中就已经出现。
为什么导演们如此青睐传统文学名著？导演们给出了自己的说法。甄子丹版《关云长》的导演麦兆辉和庄文强就曾经表示，选择这样的题材起码有以下几个好处：第一，相对安全。对于进军内地的香港导演而言，古装历史题材远比警匪片和现实主义题材电影更容易通过审查。第二，群众基础雄厚。因为大家就算对这些人物不是特别了解，起码也都知道这些角色的名字和部分事迹，在电影上映前更容易造成宣传方面的优势；第三，在中国国力日强的大背景下，整个社会都在呼吁重视中华传统文化，而电影作为一个载体，能够向全世界宣扬中国的文化精神，拍摄诸如关羽、孙悟空之类已经被全世界华人所认同的文化符号，更容易赚到钱，也更容易拉到投资。
不过，这样的一窝蜂扑上来拍古典名著，也有着显而易见的缺陷。根据上海大学影视学院教授葛颖的说法，这种题材撞车的最大缺陷在于，很多剧本都是在热钱涌入的情况下，以“短平快”的策略进行项目制作显然有着很大的局限，因为这样做起来，“只要某部作品火了，没人会去研究它为什么火，大家只是简单认为这是题材好，然后就有一群人围上去，照着这个题材如法炮制。古装片比较保险，也不用受意识形态上的限制。但翻开历史书，耳熟能详的故事来来回回也就那么几个，自然避免不了撞车。这样下去只有等到市场恶化的那天，大家才能觉悟。”葛颖说。而影评人郎诺林则认为，大家抢着啃这块骨头，除了证明华语电影人视野狭窄，更说明编剧的原创能力已经陷入荒芜。
针对编剧原创能力的“荒芜说”，影评人黄辰星的看法略显不同。在他看来，到目前为止，国内的电影编剧根本就不是原创能力下降的问题，而是根本就没有形成“原创”：“中国有多少真正的、通过原创剧本形成的经典电影？尤其是近三十年。盘点这些年来的经典中国电影，你会发现绝大多数都是导演们‘偶然’间发现了一个小说，然后拿去改编成了剧本。张艺谋的《红高粱》是莫言的小说，陈凯歌的《霸王别姬》是李碧华的小说，冯小刚早些年的代表作，都是改编自王朔的小说，姜文的《阳光灿烂的日子》也是王朔的小说，就连去年创造最高票房的《让子弹飞》也是马识途的小说。所以，如果单论中国内地电影，我们必须承认，编剧的原创能力从来就没有达到过可以支撑起票房的地步——— 必须有一个优秀的小说为蓝本。
怪现状:续集成风
续集当然不见得是坏事。但中国电影在2011年除了雷同的题材之外同时还出现诸多续集，一方面是同类题材的重复，另一方面又是同类题材的延续，很显然，这也不是一个正常的现象。是的，就像你不会愿意一年去看五次关云长，你同样也不会乐意每年都看一集《画皮》，《将爱》或者《武林外传》。毕竟这是电影院，这不是电视机，我们还没有奢侈到想在电影院里看电视剧——— 每次进去起码要80块钱呢。
对于电影市场而言，拍续集是一个很常见的事情。今年好莱坞就有27部续集上映，打破了2003年的24部续集的纪录，几乎每两周就有一部续集出现。但是，相比于好莱坞大片着力打造的“系列电影”，中国这些挂着“2”字头的电影，最缺乏的不仅是原创能力，而是一个系统的包装意识。最简单的例子，美国的《哈利•波特》系列电影，如今已经拍到了第七部，但从第一部开始，几乎所有人都知道这会是个系列电影。该片的投资方和发行方也会根据其中不同的电影制订不同的宣传策略。而在中国，到目前为止所有的续集电影都是被动而拍，不管是取得近4亿票房的《非诚勿扰2》还是口碑和票房双赢的《叶问2》，在第一部上映之前，导演给大家的回答都是“看第一部的票房如何，如果票房好的话，才会考虑拍续集。”
这种被动的典型，从2月底在香港宣布开拍的《窃听风云2》就可见一斑。在《窃听风云》的结尾，古天乐、吴彦祖两人的角色其实都已经死掉，刘青云也锒铛入狱。而由于该片之前的反响不错，监制尔冬升总结的原因是这三个人的组合能够带来好票房，所以在筹备新片的时候，最大的想法就是沿用这三个角色，但不论角色姓名还是身份都跟《窃听风云》没有任何关系，因为第一集根本就没有给他们留下任何“继续”的空间。而这一“续集”，其实完全就是在利用旧片的口碑，属于一种过度开发的类型。
与之相似的还有《画皮2》。2009年陈嘉上的《画皮》在结尾处同样没有留出多少余地：虽然主要正面角色并没有多大损伤，但最大的卖点、周迅扮演的狐妖已经散尽功力，几乎等于已经死掉了，所以如果再保留原班人马来拍摄关于“画皮”的故事，也已经几乎不太可能。
事实上，这种现象的出现，其实与中国编剧缺乏系列眼光也有很大关系，以目前世界上赚钱最多的系列电影《007》系列为例，几乎每一集的007故事，主角都会遭遇到新问题，而只要007本人不死，换掉其他任何主角这部电影都可以继续下去。而中国的续集电影目前最大的问题在于投资方对于单个主角的影响力估计不足，更希望保留第一集成功时正反角色的“原班人马”，而一旦在第一集里主角有所损伤，人们对这种“伪续集”的期待指数必然下降。

成因分析：想赚钱，又怕有风险

关于华语电影导演扎堆拍续集的问题，《窃听风云》的两位编剧兼导演麦兆辉、庄文强就表示，其实他们一开始写《窃听风云》的时候，曾经想过这个故事拍成一个系列电影，但由于对该片反映的经济犯罪题材前景并不明朗，所以根据投资方的意见，依然是着力打造好第一个故事。而在该片内地票房超过8000万之后，投资方才表态愿意拍摄续集，而这个时候原故事已经没有多少可发掘的空间，所以只能另起炉灶。
对于这种“短视”现象，《画皮2》导演乌尔善表示很正常，在他看来，这恰恰是中国电影市场开始走向成熟的标志之一，因为第一集已经被证明了适合这片市场，有了相应的观影人群，“如果仔细观察可以发现，现在诸多热钱涌入的华语电影，基本上拍摄的都是一些新故事，而拍摄续集的，大都是已经在市场中有过成功经验的投资商。这也就是说，投资方也开始转向谨慎，知道这种类型片、系列片可以赚到钱，才继续去投资。”成功的电影续集，往往不是第一集的导演拍的，这是成熟的电影工业的惯例。像《异形》系列的四集就有四个导演，体现的是成熟制片人制度保持着一个电影的系列存在。”
当然，内地电影人也不是没有主动打造系列电影的想法。比如目前最大的电影企业中影集团，其负责人韩三平就在各路电影中寻找适合拍成系列片的题材。但是他的这种选择模式存在着不小的争议。比如他很看好《硬汉》这部电影，虽然第一集本身只取得了1000万的成绩，不论票房还是口碑都反响平平，但他就是觉得这种城市英雄题材适合拍成系列电影，所以该片的导演丁晟几乎是被他赶鸭子上架一样地建议继续拍下去。而丁晟自己在接受记者采访时都承认，“说到续集，其实我自己都没准备好。”
而且，几乎所有被采访者都承认，如果要打造好一部成功的电影续集，最重要的是续集本身的风格要确立，要给观众保持新鲜感。“脱离第一集的存在也能成为一部完整的电影 ， 才 算 是 一 部 合 格 的 续集。”而从现在的状况看，由于投资方在目光上的欠缺，拍摄续集时往往要求跟第一部有一定联系，因此短时间内我们能看到的只会是一种低质量的重复，而这种重复对于之前那些经典商业片所造成的伤害，并不是投资方所要考虑的内容。
怪现状:“影院一日游”
如果说题材重复和续集泛滥只是会导致观众的观影热情下跌，那么为数众多的中小成本电影的“影院一日游”对于中国电影从百亿票房向更高目标迈进的伤害更大。因为不想去看关云长，我们还可以有其他的选择，但如果影院里充斥的都是“听都没听说过”的电影，作为观众而言，甚至连影院都不想进去。
最简单的例子，3月份有20多部电影公映，其中有不少就是这种“影院一日游”产品。某日记者打算去看一部电影，但到了影院之后却发现，想看的电影已经下线了，好容易从密集的排片表中选择了另一部，但进到影厅才发现，该场电影只有可怜的4个人在看。这种现象并非个例。2010年我国故事片产量达到526部，真正在影院上映的只有260部左右。而票房过亿的电影不过20部左右，此外的绝大部分电影，这些有幸进入影院的影片，不少都曾遇到过上映一两天便被撤下的尴尬命运。3月份，就有《幸存日》、《云下的日子》、《百合》等多部电影遭遇到了这一情况。而这些小片影院一日游的结果，使整个中国的电影票房都因此被拉低。根据记者就国内各主流院线通报的票房数字粗略统计，2011年第11周(3月7日-13日)全国总票房只有1.18亿。而在此前的一周(3月1日-7日)，全国票房也不过1.2亿。第7周由于有情人节，票房大约为2.9亿，第8周只是略有下降，而到了第9周开始，就暴跌到了1.45亿。而这个数字，直到3月份的第三周，随着好莱坞大片《洛杉矶之战》的引进才终于有所改观。
小片扎堆上映的现象其实并非偶然。事实上，所谓的“淡季理论”早在多年前就已经开始盛行，而几部小成本电影在淡季的成功发型，也使得为数众多的片方开始“盲目”地重视起这一理论。但是，诸如《喜羊羊》系列独闯寒假档《越光宝盒》在3月份票房过亿这样的例子不过是个案，前者是抓住了学生们放假的空隙，而后者则有很大程度是巧妙利用了去年《阿凡达》上映之后的空档期。因此，一窝蜂地“照搬”所谓的先进经验而不是具体问题具体分析，是众多小片发行方目前面临的最大窘境。
对于这一点，江苏幸福蓝海影视公司负责人章杰的认识就很清楚。他表示，小片扎堆，大家都不赚钱的现象其实完全是发行方懒于“动脑筋”所导致“目前的中国电影发行市场可以说很简单，也可以说很复杂。之所以说简单，就是它总有一两条原则在那里，比如大片来了要躲一下，淡季宣传要增强。而复杂的是，几乎每部电影都得具体问题具体分析，有时甚至大片都不用躲。假如在情人节档期，一部战争大片占据了主要的影厅，如果我手上有部爱情片，我就不会去躲它，因为这个节日，情侣们选择爱情片的可能性很大。今年我们发行的《甲天下》就选择了4月份，因为当时市场上并没有同类的电影。”

成因分析：投资人的“无所谓”，发行人的任务
“影院一日游”对于整个电影市场的损害从之前的数据已经可以清楚地显示出来，而对于这一现象，北京电影学院教授刘军认为并不能完全归咎于发行方的简单思维，而应该归结为国内有实力的发行公司太少，很多中小成本影片缺乏发行渠道，根本就没有打通院线的门路。刘军介绍说，目前国内最主要的两家发行公司是中影集团和华影公司，分别承担每年发行40部国产片的任务。对于这两大公司来说，发行国产小成本影片更多只是为了完成任务凑数而已。“只要电影在影院放映一天，也算是发行了。其实大家心里都清楚，就是在影院走了一圈儿。”至于华谊兄弟、保利博纳等民营公司，尽管也已有些发行实力，但因人力有限，主要只发行自己投资的影片。“在国内电影产业链中，发行公司最为弱势，制片、院线都很强势，影院想怎么放就怎么放，发行公司缺少话语权。”刘军感叹，这就注定了小成本影片没有出头之日。
而另外一部分小成本电影的“影院一日游”则完全是因为电影的投资方根本不在乎。比如王小帅《左右》的制片人黄斌就告诉记者，有些人投资电影压根就是为了满足兴趣爱好，就像《观音山》的制片人方励。作为电影发烧友的方励此前拍过6部影片，直到《观音山》才第一次盈利，而他追求的，只是个人的一种心理满足而已。还有一种类型的小片同样也是投资人“不在乎”，就是每年各大电影厂出品的一些电影。“其中很大一部分影片是地方、企业的宣传片，上映了一天就撤了，其实并没亏本，因为前期找到企业融资就可能已收回了成本。”
作为整个电影市场的终端，众多小片扎堆上映“影院一日游”对于院线方面其实也有很大损害。但院线方面对此也有相当的无奈，本地中影南方新干线负责人邱晴就感慨说：“现在加盟院线的影院都是有着自己的商业考量，哪家影院是不想赚钱的？所以从影院本身的想法出发，我们最愿意的就是放映那些赚钱的电影。但现在进入院线的这些小成本电影，宣传上又不做到位，观众不爱看的时候我们自然不会坚持放映，而在没有得到观众检验的时候，我们也不会排斥任何电影加入影院的排片。但院线本身有着自己对观众喜欢程度的判断标准，所以，影院一日游虽然是院线所为，但也不是我们的本意。”

中国电影市场概况分析http://ins.chinafilm.com/200710/1643600.html（链接）
6.3.1产业政策
（1）文化产业政策
进入新世纪以来，中国政府已经越来越清醒地认识到文化与政治经济相互交融，在综合国力竞争中的地位和作用越来越突出。特别是2005年以来，随着《关于深化文化体制改革的若干意见》（以下简称《意见》）的出台，中国政府推动中国文化产业发展的政策倾向越来越明显。《意见》指出：政府鼓励和支持非公有资本以多种形式进入文化产业领域；政府将进行文化管理体制的改革与创新；政府积极实施“走出去”战略，创新对外文化交流体制；政府积极推进文化产业市场化；政府在一定时期内将对文化产业给予财政、税收等方面的各种优惠。
（2）电影产业政策
为了应对加入WTO带来的挑战，国务院通过了《电影管理条例》。国家广播电影电视总局、文化部发布了《关于改革电影发行放映机制的实施细则》。广播电影电视总局颁布了《电影制片、发行、放映经营资格准入暂行规定》。这一系列政策措施改变了中国电影市场产业结构，对中国电影市场化进程起到了巨大的推动作用。
2004年, 国家广播电影电视总局开始起草《电影促进法》并征求各方意见，2006年已经完成草案，预计2007年将送交全国人大审议。《电影促进法》将会就如下方面的问题作出明确的法律规定：1、电影的性质、功能和定位；2、创作者的合法权益；3、电影管理体制和发展体制，电影市场准入的许可制度；4、政府与电影企业、与市场的关系；5、公平竞争的制度，统一开放、竞争有序的电影市场；6、市场监管体系；7、扶持民族电影发展的原则和相关的制度措施。
《电影促进法》的颁布实施将会是中国电影产业和中国电影市场的一个巨大的机会。
6.3.2市场现状和发展趋势
（1）国内电影收入状况
中国电影经过了90年代的低谷后，随着新千年的到来开始回升，特别是2004年以来，不论是国内票房、海外票房还是其他收益都得到了前所未有的增长，从2004年到2006年，国内票房从15亿增长到26亿，平均年增长率36.6％；海外票房从11亿增长到18亿，平均年增长率31.8％；总收益从36亿增长到56亿，平均增长率27.8%。从以下的图表可以看出中国电影产业的增长趋势。
据国际电影业专业杂志《市场与调研》（Research and Markets）2007年4月10日发表了题目为“中国电影产业即将梦想成真”的关于中国电影产业的特别报告。
此报告预计中国电影产业所创造的价值至2010年将达到近9亿美金，到2015年，将升至20亿美金。按照这一强劲的发展势头，中国电影产业将于2050年赶上当今全球电影市场的领头羊―美国。
总之，不论从当前状况还是未来趋势上看，中国电影市场都将以其巨大的潜力成为全球最重要的市场。
（2）国内电影生产状况
随着中国经济和电影产业的发展，国内对电影的投资逐年增大，从2004年到现在，不论是影片的数量、投资的金额还是推广费用都在逐年增多。随着WTO对中国影响的逐步增强和中国走出去战略的实施，国内的合拍片也逐年增多，这使得中国电影单片的制作与推广大幅提高，同时也给国内电影带来了海外的收益，增加了中国电影在海外的影响。
（3）国内电影银幕数量及观众情况
最近几年来，国内影院、银幕数和观众人次都有高速的增长。从以下的表可以看出中国影院和观众的状况：
6.3.3国内电影市场细分
在国内电影市场发行放映的影片类型，按来源、制作成本和票房收入基本可分为：
A 进口分账大片：每年的进口数量在20部以内，由中国电影集团公司和华夏电影发行公司统一在国内发 行，中外方根据国内的票房按比例分账；
B 进口买断影片：每年的进口数量在30部以内，由国内国营或民营发行公司买断国内发行权；
C 国产（含合拍及港产）商业大片：投资额在1亿元人民币以上的国产（含合拍及港产）影片；
D 国产（含合拍及港产）中高成本电影：投资额在2000万—1亿人民币的国产（含合拍及港产）影片；
E 国产（含合拍及港产）中低成本电影 ：投资额在500万—2000万人民币的国产（含合拍及港产）影片
F 国产小成本电影：投资额在500万人民币以下的国产影片。
6.4中美市场对比分析
中美电影市场状况对比情况见下表：
中国的电影市场，不论是从总体还是从人均情况来看都和美国的电影市场存在着巨大的差距，美国人均银幕拥有数是中国的39倍，美国的年票房总收入是中国的35倍。
在存在巨大差距的同时，中国电影市场比美国电影市场拥有更大的发展空间，近6年来中国电影市场年增长率高达30%。
伴随着中国电影市场的高速增长，中国电影和中国电影市场必然存在巨大的投资机会。