演员表演对电影风格

❶ 作为演员，演电影和演电视剧有什么不同

电影和电视剧的表演在尺寸、精度、节奏和风格上都有区别，这里我只谈一下尺寸。
首先，我们来搞清楚电影和电视剧有什么不同

1.电影有商业属性也有艺术属性，而基本没人认为电视剧必须具有艺术价值

2.电影与电视剧的时长不同：一个短而浓缩，一个长而较为完整

3.电影与电视剧的观看方式不同：电影是在电影院放映的，电视剧则是在电视或网络上播出

4.现阶段，电影和电视剧盈利方式不一样：电影赚钱的来源主要是票房，电视剧则是有很多分钱的方法，可以依靠电视台买断，可以卖点击率收视率，可以卖给网络等等。
5.电视剧与电影对于编导演摄录美的要求不同：电影必须精益求精，电视剧没这种奢求

综上可以看出，电影的难度系数比电视剧高且风险比电视剧大，电影对于演员表演的要求是要远远大于电视剧的。
可以肯定，演员在演电影与演电视剧是有不同的，下面极其主观的说说我眼中的具体不同吧。
1.由于电视剧相对轻松且基本不易亏本，所以电视剧中有很多“行活”，拍摄时很容易“行活”拍摄，剪辑时“行活”剪辑，演员表演就在用“行活”的方式表演。这种“行活”的优点是多快好省，一天可以拍很多页剧本，可以很容易的剪辑，演员则是有我的镜头我来演，没我的镜头时候可以玩其他的，早拍完早拿钱走人。

2.电影院银幕尺寸比电视荧幕，电脑屏幕大，更大的银幕可以展示更多信息，更丰富的细节。

演员在越小的景别（特写）中的表演难度越大的结论，因为镜头将所有细节放大所以不是所有演员都能演的了电影，因为银幕会将演员的表演放大几百倍，演员对于演技的把控力度不够，很容易将缺点无限放大

3.演员的表演在电影节奏和电视剧节奏有明显的不同

这个在理论方面说不上来，大致就是电影表演节奏要一致，不能无逻辑无征兆无铺垫的改变节奏，而电视剧更贴近于生活，可以怎么“热闹”怎么演

4.电影在大多数情况下能更好的塑造演员

更高端的器材，更牛的摄影，更好的灯光，更专业的化妆及美术，对演员更严格的要求（无限NG，演得不好就重来）很容易让帅哥美女更帅更靓；也更容易让不是很帅的实力派演员们有更好的表演。
个人认为演电影和演电视剧有着本质的不同。演电影通常要极速的表现出角色的特点，演电视剧要根据剧本缓慢释放角色最深处的特点。

我想到的同一剧情拍成电影和电视剧，而且饰演同一角色的是千叶真一饰演的雄霸。

在电影中一开始就表现出了雄霸江湖的野心，还有阴险卑鄙的嘴脸。仿佛天下人都欠他的。

在演电视剧时，他的出场个性就没有那么张扬。

或许是剧本编写的原因吧，导演对自己内心的人物特点也有把控。两次的雄霸，还是喜欢看电影版的，把雄霸一次演的淋淋尽致。

❷ 举出一部你最喜欢的中国电影，谈你对其风格演员及制作技巧的看法

我来说最新的中国电影<向日葵>
孙海英在片中出演父亲一角.
这位演员给人的印象就是那种严厉固执的昌枝胡形象.在本片中,通过一家三口两个时代的经历,为我们展现了耐拦父子之间情感恩怨.
孙海英是个画家,文搭轿革遭到批斗.双手残废不能作画,他就把希望寄托在儿子身上.不料这中期望在儿子看来却是难以摆脱的负担.当儿子成年后,在美术的领域建树越大便对自己的父亲怨恨越深^
孙海英一如既往的表演风格就是本色出演,含蓄,固执,强硬,内心却是软弱.这部电影并没有突破他的风格套路.
这部电影在制作技巧方面并没有大的突破,只是围绕剧本将一个故事完整的讲完.

❸ 关于表演：匠艺式

斯坦尼斯拉夫斯基最先使用的表演术语。

即指演员表演时不是从角色的内在实质，不是从对这种内在实质的体验，也不是从对它的想象去接近角色的，而完全是从别的方面接近的。凡是没有感觉到和所扮演的角色相类似的活的情感，都谈不上是创造。

凡是没有领会和理解真正的艺术是从哪开始，到哪为止的表现，就是匠艺。匠艺与真正的表演艺术是相对的，它关键是缺少必要的体验过程。匠艺演员只会报告角色的台词，贺明伴随台词的拦顷是一成不变的舞台表演手法。

表演假定性

它是戏曲演员表演的特点和风格。观众对假定性环境中演员的夸张和程式性的表演是能接受的，因为它与舞台相谐调和统一。

但在电影表演中，演员是在真实的外景和逼真的内景中进行表演，就要求演员摆脱舞台的假定性，非常现实地、自然禅衡告地进行表演，与真实的环境融为一体，从而才能获得电影表演艺术中统一的风格。

❹ 电视演员与电影演员在表演方式上有什么不同

1、脸部细微表情要求

电影由于银幕更大，演员的脸部细微表情要求更高，所以有一种说法叫做电影脸。这是电影和电视剧最大的区别，细微之处的表情、情绪，电影和电视剧的要求非常不一样。

2、清楚一个故事的要求

电影时间较短，电视剧的时间一般比较长，一部电影需要在2个小时左右的时间里讲清楚一个故事，讲好一个故事，但是拍一部电影需要的档期有时候还不比一个电视剧短，这个要求非常高，对导演的要求非常高。

3、对于表演的要求

电影对于表演的要求是高效率和精准，电视剧对于表演的要求就是持续输出和更多层次。一部优秀的长篇电视剧。一个演员要把握住各种不同层次的情绪和感情，需要表演出不同的感觉，这个要求其实也非常高。

❺ 作为演员，演电影和演电视剧有什么不同

表演的时间不同。电影时间比较短，需要在短时间内塑造人物形象，对演员功底要求比较高。电视剧时间比较长，人物可以慢慢塑造，对细节把握上要求比较高。
电视剧给演员的准备时间的时间不同。
电视剧演员每一天都堆在台词里面，时间紧迫到表演只要没错，一遍就过。而电影则会为了一个动作反复调整，知道达到了导演的要求。

因为全世界的电视剧主要规律都是一样的，就是靠台词推动故事的发展。

而电影里面用画面带动情节的发展。
一个好的演员通过自身的气场控制，使之成为自己演技的一部分，而气场这个东西是无法学习的。是任何人都抄不走的。

一个演员的演技可以跨越电视剧和电影表演的。但是所有人一眼就能看出电影演员和电视演员的区别。大家都明白他们之间的区别，但是真正用理论去讲出区别，所有人讲的似是而非。

❻ 一个演员表演功力的好坏是否决定了影视剧的质量

演员的演技好坏确实在某种程度上会决定影视剧的质量好坏。因为现在有很多的影视剧都是以大男主或者是大女主的形式出现的，所以这就要求作为主演的演员必须要陆亮有非常扎实的演技才能够支撑故事的整个剧情发展。如果作为主演的演员演技过于糟糕的话，就会给观众带来强烈的不适感，甚至会招致观众的痛骂。而且一部戏的主演演技好坏对于影视剧的收视率也会有着重大的影响。因为演技出众的主演会给观众非常强烈的代入感，这样会使得电视剧的收视率急剧攀升。

虽然一个演员的演技并不能够成为影视剧质量好坏的主要决定因素，但是演员如果对于剧情理解不深的话，其实这也会让整部剧的剧情流于表面。反而不会有太深的内涵层次。

❼ 影视表演艺术的表演技巧秘诀讲解

影视表演艺术的表演技巧秘诀讲解

演员在表演的过程中有什么秘诀可以让自己的表演更好么?我为你扮差讲解影视表演艺术的表演技巧，希望对大家有所帮助!

演员在摄影机或摄像机前，以演员自身为创作手段去体现影片内容，塑造人物形象的艺术,这就统称影视表演艺术，它的核心就是解决演员与角色的矛盾。

演员自身： 在表演艺术创作中，创作者、创作的工具材料、和创作的产品即人物形象这三位一体统一于演员自身。

影视演员应掌握和磨练自身的外部表现工具-形体、五官、声音、语言以及各种技能，并掌握一整套表达人物情感、思想的内部心里技巧，他依据剧本，在导演指导下进行二度创作，将人的艺术形象从剧本体现到银、屏上。

表演艺术的创作主要表现在独特的再体现和鲜明的性格化，又能形象而生动地表现出隐藏在剧本字里行间的深邃的作者意念，并对剧作的人物形象作有个性的补充和体现。这种再创作，就要求影视演员有一定的思想水平和较高的文化和艺术修养，只有这样具以较深的理解力，丰富的想象力和形象的表现力，从而达到演员与角色、生活与艺术的统一，体验(即内部)与体现(即外部)的统一。

作为电影的种种特性，例如：它的逼真性、时空性、蒙太奇及电影特有的生产过程(电视也类似)必然带来镜头前表演的种种特点。

银、屏幕的逼真性：

银、屏幕的逼真性要求表演的生活化，影视反映现实极其逼真，将真实的现实环境(实景偷拍时，包括现实中的人们)一一纳入自己的形象体系，这就是说，影视演员是在与现实相一致的真实景物中进行表现的。这就要求演员的表演与真实的环境融为一体，做到自然、真实、生活化。

演员以导演的分镜头剧本进行创作，其表演必须在导演的总体构思下，通过综合手段体现出来。

演员创作角色的过程中，组成创作自我感觉的必不可少的各种因亏缺旁素和技术方法，如动作、假使、规定情境、想象、单位与任务、注意与对象、真实感与信念、速度与节奏、情绪记忆、交流与适应、逻辑与顺序、性格化、舞台魅力、肌肉松驰、道德与纪律、控制与修饰、面部表情、声音、语调、言语、造型等。为了掌握演技和进行具体的理论及分析影视片表演鉴赏，我们先从表演的内部技术学起。

一、动作

表演(员)的名词就是动作。演员就是动作者。 在生活中的任何一个动作，都有它的“原因”、“目的”和“结果”，这就是动作的三大要素。 动作-是演员技术最主要的一部分。我们必须重视它。演员表演时，仅依靠外在动作是不够的，必须找出内在的根据(即目的)。如：1、削铅笔2、疲倦

二、注意力集中

人在生活中，除了睡眠外，他的注意力是不停的、时刻集中在一定的对象上的。那么影视演员在银、屏上的注意力集中应该是什么样的呢?它是有意识地把注意力集中在表演对象上的一门技巧。银屏上或舞台上的注意多为有目的的注意。

演员要强迫自己注意力集中，一方面要和实际生活一样，同时吸引你的注意力集中的对象必须明确。所以，一个演员必须养成一种自然的注意力集中的习惯。演员需要有注意的对象，对象越有吸引力，就越有力量控制演员的注意力。演员在排练过程中，有时会被私心杂念所干扰或被外界各种现象所吸引，离开了应注意的对象，将会出现肌肉紧张、慌乱等现象。演员运用“注意力集中的技术”，假借于想象虚构，给自己提供根据，并对对象加以改造，使之有吸引力，就能把内部和外部的注意力集中到注意销橡对象上，从而排除私心杂念及外界干扰。

演员有意识地运用注意力集中的技巧，可以对事物进行深入细致的观察，增强记忆，为创作角色储备丰富的素材。

有的演员在喧闹的环境里也能进入角色，有的演员有一点声音就会被打扰吸引，使他不能进行富有创造力的工作。这就说明他还没有很好地掌握注意力集中的技巧。因此，训练一名新演员做到注意力瞬间完全集中在表演对象上是十分重要的.。而要做到这一点，必须经常地、不懈地练习方能成功。

注意力集中练习题：

1、在屋里，注意听屋外有什么声音。

2、注意听外面的声音，忽然改变听门外有什么声音。

3、触觉的注意力练习：蒙上眼睛，让他摸指定的人。

4、味觉注意力练习：体会各种不同食品的味道(酸甜苦辣)

三、肌肉松驰练习(肌肉控制)

肌肉松驰是演员消除肌肉紧张的技术。肌肉的多余紧张对演员总的自我感觉起着有害影响，会破坏正确的创作，妨碍对角色的内心体验及外部体现。 一个演员如果没有很好的修养，容易犯有莫不开和精神及肌肉紧张的现象，这对表演艺术有极大的影响。

例如：

一个人平时行动很随便，但一站到镜头前，便总觉得手脚多余，没地方放，不知干什么好，这些现象都是肌肉紧张所致。一个演员为了表情逼真，必须尽力想办法使肌肉松驰下来，尤其是面部肌肉。

那么什么办法可以使肌肉松驰下来呢?

只有当注意力集中在某一种现象上的时候，肌肉才会松驰适度，动作才会自然舒适，注意力集中与肌肉松驰是互相帮助起作用的。也就是说只有注意力集中，就可以帮助松驰;反之，如果肌肉产生多余的紧张，也证明注意力没有很好的集中。

演员在表演空间里，精神应该集中，肌肉应该解放，把精力很合适地消耗于动作中，有意识地锻炼肌肉松驰，有意识地锻炼和控制自己的肌肉松驰和紧张，达到能够自由运用肌肉的状态。在这种情形下的各个形体器官才能富有表现力，才能表达角色的内心体验，自由地流露出内在的情感，达到预期的创作效果。

肌肉松驰的练习：

1、坐在椅子上，使全身肌肉松驰到零度(即人在醉酒、重病时所表现出的一系列动作特征)

2、全身肌肉松驰后，紧张右腿的肌肉再将全身肌肉恢复适度。

秘诀之一：即兴创作

即兴创作意味着在你要行动的时候准备。它表示放弃一成不变，而是尝试新的和激动人心的东西。演员们用即兴创作释放他们的创造力，再借着剧本找到他们的最佳状态。

你能够通过尝试不同的方式来架构你的演讲来进行即兴创作。在一次激励演讲中，我根据演讲的基调即兴创作，提出一个有趣的故事，就是我在为母亲花一分钟买电灯泡和花一小时为女友买50公斤大米的事情上所表现出来的不同态度，以此来说明你对梦想和目标的欲望程度决定了你的行动的论点。很明显非常成功地用热情与幽默把意思表达了出去。

在说明不要不相信奇迹及自身的力量的结尾时，我变了一个魔术。将矿泉水瓶的瓶盖在瓶底拍打一下后，进入到了瓶内。结果你可以想象，所有的人目瞪口呆，如睹神物，对于前面论点的记忆我相信终身亦没齿难忘，结果不言而喻。

试着用即兴的词汇来表达你已有的故事——你会发现感觉最好的用词和表达方式。你不用去管时间，重复地用中速表达或乱讲一气。这个观点是为了让你自由和开放。即兴创作给你空间使你有创意和显得自然。

秘诀之二：个性化你的故事

讲故事的关键不是记忆词汇，而是记忆那种体验。演员使用一个称之为“个性化”的技巧来达到这个目的。这意味着从你的生活中提炼出一种经验，然后把这种经验中的情感的影响力应用于表演的场景和故事当中。个性化是演员演得真实的秘诀。

举例来说，当安东尼·霍普金斯在影片《沉默的羔羊》中扮演杀人狂汉尼拔·莱克特时，他根据他曾经发狂地想去杀人的经历，再造了情绪的感染力。我们在荧幕上看到的霍普金斯是一个精神错乱的杀人狂。实际上，演员霍普金斯只是从他替代性的经历中演出真实的情绪。

作为一个演讲者，个性化意味着把你自己带进演讲。“就讲故事而言，如果你不能领会他，那观众也不能。”通过体验的再现把观众带进演讲。你得到的回报是，每一次你再造这个体验，它都会是新鲜的。

即使有时你在描述发生在别人身上的事情，也要把这个素材当作你自己的。“我所有的故事都是我自己的故事，”我的表演老师上戏教授安振吉曾经说道，“如果我听到我喜欢的故事，我会把它重新塑造。我会用不同于他人的方式来讲述它。”

秘诀之三：强烈的意愿

一个在演员在每个场景中都有一个意愿(或是目的)，一个意愿对剧本来说是一条主线。意愿激励着每个角色。哈姆雷特的意愿是杀死他的叔叔克劳蒂斯。哈姆雷特一路上有很多障碍，但是他没有这个意愿的话，这部戏就演不下去了。

作为一个演讲者，你的意愿是任何你向观众所宣扬的--------你的观点。我的意愿是说服观众，双赢的谈判比单赢的更有效益。演讲者HELEN说，“我的意愿是让观众们说，‘哦。我从没有这样想过。’是帮助他们建立新的观点。”而周可的意愿是，“不仅是提出观点，而是如何执行观点。”

没有意愿，你仅仅是一本会走路的网络全书。勇敢地站出来，并加以表达!

诀窍之四：戏剧化

演员总是要在台上尽量显得真实。但是舞台上的真实----实际上只是我对我们真实经历的强化。真实却没有戏剧性是非常了无生趣的!即时是最敏感的电影表演都会有戏剧性的成分。

我的表演导师说，戏剧化是“你需要变成你自己，但是要‘比生活夸大，’”她还说道，“要做你自己……但不是刻意的。”在以幽默结束他的关于科技的演讲时，诺贝尔得奖主对他的观众说起有关他和他的妻子在购物时看到小活塞的展示。他说道，“这次演讲最终以此来结束，就是我把活塞放在我头上，再把一个秃头的小伙子拉上台，把另一个活塞放在他的头上，然后两个人扔来扔去。”

记住好的表演是即使只是阅读电话号码簿，也会使观众得到享受。当你在和一大帮观众交流时，会有很多“电流”划过。使用这些“电流”，使演讲辉煌起来。

诀窍之五：精彩地开始

第一印象很重要。演员们知道他们必须尽快抓住观众。所以他们“精彩地开始”——他们的精神一开始就很高昂。作为演讲者，你的充沛的精力能够激发和鼓舞他们，你必须开始就这样。

很多演讲者建议，“强有力地开场。”这并不意味着你开始时要尖叫或在台上跳来跳去。适应观众的精神状态，开场是比他们稍高一点，如果他们精神实在低靡，不要显得过于兴奋，这样会把他们吓跑的。

我通常以一个故事开场，快速地尽可能多地吸引观众，这样一来他们就会抓住故事进行中的场景、气味、热情和感觉等等。当然我也曾见过演讲者用半小时来热身，我的观点是——你会失去观众，如果你花过多时间来热身。

诀窍之六：保持敏锐

伟大的演员都是敏锐的反应者。他们一秒钟都不停。这意味着他们保持神经高度敏锐及紧张，不会去期望由另一个演员会去处理。杰克·尼克尔森的表演尤为激动人心，是因为他对其他演员的反应是很自然的，而不是事先计划的。

不要像我们曾经见过的那些演讲者一样，总在他的演讲中某些地方故意停上几秒钟让观众笑——而不管他讲得是不是好笑。那样就很傻了。让你的神经对你的演讲中的每件事都保持敏感，相应地调整你的演讲。

“‘魔术’是自然的发生的，”魔术师刘成认为，“对观众进行反应。通常我最好的素材是取自演讲中正在发生的东西。我的演讲不是固定在一个轨道上的火车——它更像冲浪，这样或那样移动，甚至有时往下倒!!”

导演周可也认可这样的观点，“我脑中有一个大纲，但是我从来不知道我要说什么，因为我喜欢吸引观众，”他解释道，“当你问观众问题时，你可能会得到你没有期望到的答案，这时你会去处理它。我一些最好的思路是从观众中来的。”

诀窍之七：多样化

任何东西若总是用同样的方式表达都会显得很无聊。演员把一段场景分成几个部分，每一部分都互有不同。演讲者要致力于强调、移动、声音、精神层次、素材等等。

你能在你的演讲的组织中加入多样性，例如，故事……过渡……故事……主要观点……故事……等等。多样性能在你的声调和声高中体现。停顿也是一种多样性。不要忘记在你肢体语言中建立多样性。

诀窍之八：冒险

你记得影片《密苏里假期》马龙·白兰度演的“老奶奶”吗?愿意冒险使这位伟大的演员凸显出来了。这对演讲者也是一样的。“和观众在一起的时候要显得真实，但有时候你必须愿意从冲浪板上摔下去。”

在我刚迈入职业演讲的行业时，我曾冒险把观众带到台上，“我从来不知道谁会上来，也不知道他们会讲什么，”我必须承认，“但实在真的很刺激。”

所以，“你的膝盖如何?”你最近有没有冒险?朋友，毕竟，我们不是进行总统辩论。我们怕失去什么呢?

诀窍之九：对你的选择负全责

当白兰度穿上戏服，在影片《密苏里假期》在变成“老奶奶”时，就没有退路了。演员要进行有趣的选择，然后对其负全责。

如果你决定戏剧化，或是决定在舞台上冒险，不要后退。当我下跪时，我猛地沉下去，让身体与地板发出沉重的撞击声，然后把头埋在地上，开始痛哭，又是尖叫又是咆哮……

对我来说，负全责意味着，“对我的信息及其对观众职业的影响力充满热情和信心，”记住你要对你的信息和你的选择负全责。

诀窍之十：你的放松在于你的专注中

如果演员的思路可以允许自由漫步，他会专注于他的紧张神经。演员通过他们专心地准备、剧本、和其他演员可以得到放松。演讲者可通过专注他们的意愿、客户、观众、定制的细节、室内的设备等得到放松。

很多演讲者通过会见和问候观众、分发材料、演讲前和观众交谈而得到放松。PETER通常很专注于他的观点，他和我说过“当我得到越来越多的观众的信息时，我意识到对我重要的对他们就未必重要，”他承认，“所以我专注于重新按主次先后排列我的观点。”

不要期望不通过努力就能赢得你的奥斯卡奖。新演员常提醒为他们欢呼的影迷，他们需要多年的努力才能得到“显赫的成功”。

作为一名演讲教练，我必须让你得到足够的警告与提醒，“表演技巧是吸引人的，而且简单易用，但如果他们没有融入你自身自然的演讲风格的话，你会冒险，失去真实性，变得生硬刻意。”如何避免?你必须练习，观察反馈，直到确信你演讲中的表演技巧已经没有痕迹看不出来为止。

如果正确使用，这十个诀窍会帮助你在舞台上做好你自己。他们会帮助你表现得自然和生动，会帮助你引导你的观众。所以，就像在演艺圈中的说法，把蛋打碎，破壳而出! 行动-表演技巧上的重要原理。

❽ 求演员表演风格的种类。 比如幽默、滑稽、清新。。。 最好能举例，比如周星驰、卓别林等等。。

我觉得应该根据具体影片和具体演员来判定其表演风格
根据不通国家的电影和演员也会出现很多表演风格
太过于固定化的表演风格往往会被人超越与厌倦
周星驰 应该就是无厘头风格 卓别林是默片时代的黑色幽默
还有 硬汉 煽情 艳情 童真

❾ 问懂电影的人士，电影风格主要是指哪些方面，比如一个导演，要从哪些方面谈他的风格

电影的风格在学术界没有什么概念性的界定，但对电影类型确实有。而你问的“谈导演的风格”我想应该是另一个意思了，导演的艺术风格，就跟诸如文学等其他艺术形式相似，其实就是特点，我简单列举几项供你参考：
1，最直观的，色调、情绪、节奏等，比如鲜艳、昏暗、浓重的色彩；擅长细腻沉闷还是擅长快节奏轻快激情等等。
2，摄影方面，喜欢固定长镜头还是喜欢快速剪辑多机位等等，比如顾长卫喜欢沉闷察让的固定机位长镜头，杜琪峰喜欢复杂的调度，李安则擅长更细腻复杂的复合调度。
3，剧本题材方面，伦理、动作、搞笑等等，不同导演有不同的特色，我就不列举了。
4，指导表演方面，有人喜欢舞台戏效果，比如陈凯歌，败滚局一腔一调都像舞台戏；有人擅长原生态，比如阿巴斯，一般备正不用职业演员出演。
5，个人色彩，这算是额外补充的，比如张艺谋最早的电影特点是说教，慢慢转变成承载中华文明重任，慢慢向商业妥协，只讲史诗故事，也曾尝试过走纯人文路线，也尝试过无厘头扯淡，但随着岁数增加，我推测近期会有相对低调的人文中蕴含哲理的作品吧。

个人观点，仅供参考：）

❿ 电影表演有什么特点

(1)反程序表演。演员不能像舞台剧的演员那样，从拉幕起，就从头到尾、程序井然地表演下来。拍摄电影往往在一日之内，先演一段老年的戏，再演一段人物的青年时代，接着又要拍一段这个人物在临终前的表演。对一个角色从生到死的全过程不但分割得很零碎，而且次序上亦安排得杂乱颠倒。这就要求演员能根据拍摄条件随时“进入情况”。

(2)间断表演。在电影摄制工作中，角色的生活被分割为很短很短的小动作，一般长度也就10~20秒左右。现代电影偏长了些，那也不过1分钟一个小段落的样子。演员不但要及时“进入情况”表演起来，而且要非常凝练。电影表演没有时间让你通过“感觉到，意识到，判断，行动”这些动作的四个环节的普遍规律，而是常常要演员将这四个“环节”在一瞬间同时喷射出来。这一点，对长期习惯在舞台上演出的演员说来，是要难以适应一些。当然也有例外，不少我国第一流的演员不但能迅速地适应这种创作的特点，而且能表演得光彩照人。

(3)要进行无对象交流。在戏剧中训练演员，最忌演员和空气交流。而在电影中，却常常要求演员和空气交流，其交流对象可能是远方的一株树，也可能是摄影机的某一个部件。人物的近景特写常常如此。还可能要你假定镜头作为你的交流对手，有时镜头就推在你的鼻子前面，只拍你的一对眼睛，而要求在这一对眼睛中看到你和对手交流的“电光”。

(4)要在纷乱的环境中表演。电影演员的表演场地和舞台演员是完全不同的，以环境来说，有时在重峦叠嶂的崇山峻岭之中，使你感到自己非常渺小与孤单；有时在很狭小的监狱与斗室之中，使你动弹不得。一般说，在表演时不像舞台或排练厅中有那种“神圣”的严肃气氛，而是乱糟糟、闹纷纷的。有时各个工作部门还同时发出不同的噪音，即使下达了开拍令之后，也还有摄影机马达的转动声。

（5)这是一个最难克服的困难，即电影中的人物形象的完整性是由数以百计的反程序、间断拍摄下来的镜头组接在一起才能体观出来。面对人物的完整形象和短小镜头之间的相互关系的确是很难掌握的，要看到人物形象的“完整性”意味着这个人物在影片中的发展变化都是合乎性格逻辑的。所有已拍摄下来组接好了的镜头是一个有机的整体。